El arte chino, abarca todas las artes de la cultura china en el mundo chino y la diáspora . La concepción occidental del arte se utiliza en la China moderna en su sentido más amplio para abordar todas las formas de arte practicadas en China a lo largo de su historia .
La historia del arte chino, en desarrollo cronológico, analiza las transformaciones del arte, hasta las prácticas actuales. Así, la prehistoria y la antigüedad ya muestran características propias de China: tierras inmensamente ricas en loess que permiten la inventiva cerámica china para uso diario y funerario. China, al tener numerosos depósitos de metales que entran en la composición de la aleación de bronce, produjo grandes cantidades de bronces, signos de poder, y fueron objeto de investigaciones artísticas y técnicas de gran sofisticación. Los textos chinos más antiguos aluden a la música ritual, donde el uso de instrumentos de bronce y piedra todavía era importante durante la época de Confucio ( 551 - 479 a. C.). Los ceramistas chinos se distinguieron por sus celadones y porcelanas (invención china), en uso en la corte y rápidamente comercializados. Las prácticas funerarias de la élite Han ( 206 a. C. - 220 ) también han permitido conservar lacas y algunas pinturas de seda contemporáneas de las primeras grandes colecciones de poesía china . La caligrafía china se ha convertido en el arte más noble para los estudiosos . Numerosas estelas chinas grabadas y algunos textos cuidadosamente copiados con sensibilidad han conservado la memoria y han servido de modelo durante milenios.
Cerámicas pintadas, ladrillos estampados y pinturas antiguas conservadas dan testimonio de la concisión gráfica típica de los artistas chinos. Los pintores artesanos , a diferencia de los pintores alfabetizados que aparecieron más tarde, utilizaron los colores ampliamente y trataron todos los temas decorativos y religiosos con un estilo gráfico preciso. A partir de la dinastía Han, la élite alfabetizada (incluidos los funcionarios) practicó una nueva forma de arte: para ellos, la pintura y la caligrafía, en tinta china , se convirtieron en artes comparables. Los pintores literatos de la X ª a XIX XX siglo han tratado de hacer que el hombre se sienta la relación íntima con la naturaleza y el tiempo, en los lavados de la tinta negro y colores claros en seda o papel. Este tipo de pintura ha sido objeto de una abundante literatura teórica y crítica en China, desde los primeros tiempos, por parte de los propios estudiosos. El papel , otro invento chino, sirvió para imprimir toda una literatura en chino mediante xilografía , lo que permitió en estos libros acompañar el texto de la imagen. El libro fue muy popular, especialmente en XVIII ª siglo Cuando nace el teatro - ópera china . El grabado se ha desarrollado considerablemente en el XIX ° siglo en contacto con las técnicas occidentales. En el siglo XX la xilografía occidental moderna, la pintura al óleo y el cine chino como realismo (en China) han sido utilizados por artistas en el camino del modernismo . Estas elecciones se hicieron en China, mientras que en Occidente el grabado en madera marcó solo un breve episodio del modernismo, ya que experimentamos con múltiples procesos donde la pintura al óleo ya no era el signo de la modernidad, y mientras que el realismo apenas caracterizó la modernidad en Occidente. Los artistas que se refugiaron en Occidente, en Hong Kong y Taiwán o después de la Revolución Cultural ( 1966 - 1976 ), pudieron reinvertir su cultura o experimentar con nuevas prácticas. El arte contemporáneo chino (especialmente después de 1990) respondió rápidamente a las producciones artísticas a nivel internacional. Esto se manifiesta por la naturaleza y contenido de las obras, la multiplicación de lugares y medios de difusión del arte en China y fuera de China. Los cómics chinos, manhua , encuentran un público joven y entusiasta, y el cine chino , hongkonés y taiwanés se proyecta a nivel mundial.
La literatura científica que se ocupa de arte chino no se ocupa, o muy poco, con el chino de música , muebles , la literatura , la poesía y el teatro , China , Hong Kong y Taiwán cines , así como cómics , pero se ocupa de la ' arquitectura y el jardín chino . Finalmente, las artes marciales chinas que caen bajo las "artes", en el antiguo sentido del término, como conocimiento técnico y método, no caen bajo el arte chino. En cuanto al uso del té , gong fu cha, no es arte estrictamente hablando.
En la antigua China, la noción más cercana a nuestra noción de "arte" (a saber, 艺, yì , correspondiente a nuestras antiguas artes liberales ) se aplicaba a la etiqueta , es decir, a los ritos (la música , el tiro con arco, la conducción de tanques y la escritura práctica : la poesía y la caligrafía ) y el cálculo y la IV ª siglo , la pintura . Mientras que el campo de las "artes técnicas" ( shu ) se extendió desde la adivinación hasta la medicina y desde la astronomía hasta la geomancia . Los dos conceptos se superponen en la "técnica de las artes liberales" ( yishu ): ambos de naturaleza intelectual, que caen dentro de la competencia del erudito antiguo. Eran distintos del concepto de "técnicas manuales" ( jishu ) asociado con las artesanías . Este era todavía el punto de vista de la élite alfabetizada bajo el Imperio, personajes con cultura de funcionario y que muy a menudo tenían el cargo, que practicaban la pintura como no profesionales, además de su función administrativa. Su punto de vista excluía, en pintura, cualquier noción de "realismo" - "naturalismo" - "verismo" y de decorativo (todos los términos occidentales que descalifican la pintura de artistas profesionales chinos porque no corresponden a conceptos chinos). El erudito valoraba lo que venía del corazón y despreciaba lo que testificaba de una artesanía, trabajadora. Sin embargo, las distinciones no fueron tan claras: cuando el artesano se convirtió en artista y cuando el erudito que apreciaba esta obra "naturalista" y detallada producía con el mismo espíritu.
Para un erudito, una práctica artística nunca es una distracción. El estudio y la copia, de pinturas o caligrafía poética, o el hecho de interpretar una obra musical antigua, son fuentes de enriquecimiento en el contacto con personalidades vivas o muertas. Los estudiosos afirman que la actividad artística es un acto de pensamiento ( si ) entendido como emoción y razonamiento. Y los valores positivos, en el marco general de la cultura china, que caracterizan las obras de los artistas profesionales (el referente, en particular) se pueden tomar en consideración, incluso desde el punto de vista actual, ya que los artistas actuales siguen refiriéndose. de su cultura ancestral.
Por otra parte, con el colapso del Imperio, al comienzo del XX e siglo, una ruptura radical tuvo lugar, mientras que la tradición china no procedió por rupturas, y no por la acumulación y profundización. Con esta ruptura y apertura a las culturas occidentales, las nociones modernas requerían la invención de nuevos conceptos y un vocabulario renovado.
El arte chino actual (el término moderno: yishu , se basa en el conocimiento del arte a escala global, donde el modelo cultural propuesto por el sistema de arte occidental sirve como referencia. Es esta noción de arte. En el sentido amplio que es utilizado en este artículo para tratar todos los aspectos del arte chino desde las primeras formas de arte hasta la actualidad.
Las cronologías culturales y políticas no se corresponden sistemáticamente con las de las prácticas artísticas y lo que representan. Además, el artículo siguiente divide la historia del arte según períodos que no siempre se corresponden con los acontecimientos políticos.
La prehistoria de China dejó muchas formas que calificamos como artísticas en las culturas de los cazadores-recolectores del Paleolítico, luego durante la Neolitización y el Neolítico, en particular la cerámica y el jade , una piedra pulida típicamente china. Además, las cerámicas más antiguas descubiertas actualmente en el mundo fueron descubiertas en la cueva Yuchanyan , habitada por cazadores-recolectores . En cuanto a las excavaciones arqueológicas desde la década de 1920, concentradas durante mucho tiempo en la cuenca del río Amarillo , considerada la cuna de la etnia Han , se han extendido gradualmente a otras regiones, especialmente desde la década de 1980. De cerámicas y jades en diversas formas, una variedad muy amplia tanto de arquitecturas prehistóricas como de petroglifos grabados o pintados, algunos de ellos del Paleolítico , en todos los territorios que se han convertido en la China actual. La cerámica también juega con una amplia variedad de tipos con ciertas similitudes durante milenios, pero a menudo muy diferentes a lo largo del tiempo y los lugares. Los alfareros y ceramistas, en general, han mostrado una gran creatividad en estas muchísimas culturas neolíticas, ya sea en términos de formas pero también de tratamientos superficiales, desde un punto de vista funcional u ornamental. Finalmente, las pinturas han cubierto buena parte de ella, mientras que otras han evolucionado sin este aporte adicional.
Cerámica china neolíticaLas primeras formas de pintura en China, utilizando los conceptos de “marco” y “fondo”, fueron descubiertas en la cuenca del río Amarillo , en su parte media, con la cerámica neolítica de Yangshao (hacia 5000-3000). Los hallazgos arqueológicos como los del sitio de Banpo (alrededor de 5000 o 4800-3600), el período más temprano de esta cultura, incluyen terracota ; los primeros no estaban pintados pero presentaban patrones con cordones. Luego, hacia el 4500, sobre cerámica sin tratar cubierta con una capa roja pulida que sirve de "fondo", los pintores trazaron en el hueco de los cuencos con un pincel fino cargado de color negro enmascarados y cabezas suntuosamente adornadas. Las variaciones entre ellos dan a los creadores del Neolítico la oportunidad de inventos plásticos con motivos de peces y adornos diferentes entre sí, que para ciertos antropólogos evocan emblemas de clanes . Otra solución plástica consiste en los jarrones para recortar un "marco", el espacio delimitado entre la franja media y la abertura, tras lo cual el artista puede distribuir formas geométricas figurativas (como en Majiayao ) o simplemente geométricas. En este espacio fragmentado vuelve a menudo el motivo de la espiral que sugiere tan intensamente el movimiento del mundo, en el norte y noroeste de China como en Banshan ( cultura Yangshao ), mientras que en Miaodigou ( cultura Yangshao ) son formas curvas tensas y superpuestas. , sobre slip blanco, que producen un efecto de movimiento aún más complejo.
Hacia el noroeste, a través del corredor Hexi , los repetidos contactos entre la cultura de Qijia (2200-1600) y las poblaciones de Asia Central ( Andronovo , Seima-Turbino) permitieron introducir y producir los primeros objetos de bronce en chino. cultura , según los hallazgos de la arqueología china e internacional durante las últimas décadas en Gansu y Qinghai .
El arte del jade en el NeolíticoPodemos hablar de un arte del jade, ya que las formas producidas son sutiles en las culturas neolíticas desde la desembocadura del Yangzi (cultura Liangzhu) y hacia el sureste de Mongolia. Esta piedra muy dura está tallada según formas geométricas puras y posiblemente con patrones similares distribuidos armoniosamente, y todo perfectamente pulido. Este trabajo solo podría realizarse mediante fricción, abrasión y pulido. El material compuesto de jade, extremadamente duro, fue elegido obviamente en base a consideraciones simbólicas que realzan la pureza asociada con la dureza y una gran cantidad de valores específicos de la cultura china.
La cultura Liangzhu (alrededor de 4300-2400, región de Shanghai ), ya muy estratificada, ha producido numerosos entierros que atestiguan el dominio excepcional alcanzado por los cortadores de jade en las ricas tierras del delta del Yangzi. Este saber hacer se ha celebrado desde la Antigüedad, cuando a menudo se practicaba la reutilización de jades arcaicos de Liangzhu, a veces con trabajo adicional adicional. Hoy las excavaciones han revelado la extrema riqueza de estas tumbas, donde los cuerpos fueron colocados sobre y debajo de un lecho de jade labrado, en forma de bi discos o tubos de sección cuadrada, cong . En el transcurso de los tiempos que siguieron, al jade se le atribuyó la propiedad de proteger el cuerpo durante el tiempo necesario para la migración al mundo de los antepasados, o mejor, entre los inmortales.
Con su extraña forma tubular , no se considera unánimemente que el cong , a menudo cubierto con figuras de máscaras de criaturas híbridas, haya tenido el poder de establecer un vínculo entre su dueño y el cielo. Este significado permanece sujeto a discusión. En cuanto al bi disco , también de jade, se percibía en la época de la dinastía Han como una referencia a la cosmogonía antigua: "el cielo girando alrededor de un pivote central, así como el ciclo de diez soles", donde el cielo y el pasaje que los muertos llevan a la morada de los “Inmortales”. Las formas más complejas aún plantean otras preguntas. Este es el caso de los objetos designados por el término jue , figuras comúnmente consideradas como representaciones de “ dragones ”.
Poder en su lugar | Duración | |
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dinastía Shang
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1570-1045 1570 - v. |
525 años 220 años |
Dinastía Zhou occidental | 1045 - 771 | 274 años |
Dinastía Zhou del Este
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771 - 256 722 - 476 |
515 años 246 años |
Jarrón gu para bebidas fermentadas. Bronce. Período de Erligang (circa 1550 - circa 1300). Museo Cernuschi
Máscara Taotie , marfil. XI º siglo. Museo Guimet
Florero que para mantener las bebidas, dijo: la Tigresa . Bronce, fuera del territorio Shang. Hunan , XI º siglo. Museo Cernuschi .
Hacha de armas, bronce. Excavación de Yidu, Shandong , 1956. Museo Nacional de China , Beijing.
Este período se caracteriza por la aparición del arte de la metalurgia que implica un perfecto dominio del bronce . Las formas pueden ser muy limpias o extremadamente complejas. Los bronces fueron depositados en cantidades más o menos grandes en las tumbas dependiendo del estado de la persona enterrada, también acompañaron a seres vivos cercanos al difunto, mujeres, funcionarios, sirvientes y animales, inmolados y tendidos cerca. Estas prácticas fueron abandonadas gradualmente bajo el Zhou, siendo reemplazadas gradualmente las inmolaciones por el depósito de figurillas y modelos de edificios en terracota pintada o esmaltada . Estos nuevos tipos de depósitos funerarios ( mingqi ) se están multiplicando desde el este de Zhou .
En el sitio de Erlitou , Henan , se encontraron los primeros bronces , obtenidos por fundición y no por martillado, y esto desde los primeros tiempos de la Edad del Bronce China. La fundición requirió la realización de moldes y su perfecto montaje. Esta técnica evolucionó a largo plazo sin dejar de ser simple a pesar de la extrema complejidad de las formas. Para las piezas en alto relieve (Shang final, Anyang , 1250-1050), se fundieron en la forma general dada por el primer vaciado utilizando la técnica de cera perdida .
Estos bronces están bien conservados, almacenándose con cuidado en forma de depósitos funerarios a menudo muy importantes, los más colosales del mundo antiguo: en ocasiones superan las 1,5 toneladas en un solo depósito. Aunque determinadas por sus funciones rituales, sus formas son notablemente variadas. El hacha, ahuecada con formas vacías y aterradoras, se usó en combate cuerpo a cuerpo, en combate singular entre jefes de clan. Este tipo de hacha era, por tanto, un objeto que simbolizaba el poder y la autoridad militar. Desde los inicios del Shang , en Henan hacia 1500, estos hachas, jarrones, tazas, platos y campanas de bronces depositados en las tumbas llevan adornos de tapicería donde el motivo de la máscara taotie a menudo permite componer el conjunto reforzando los efectos. de simetría., las bandas y el patrón repetido de giros angulares.
Aproximadamente un milenio antes de Cristo, en la actual provincia de Hunan , donde más tarde se desplegaría el reino de Chu , se crearon enigmáticos jarrones de bronce con figuras. En un escenario proliferante, se ensamblan multitud de figuras y motivos tomados de todos los géneros, humanos y animales, taotie y “ dragon kui ”, elementos naturalistas y signos estilizados. Este es el caso de la famosa Tigresa , del Museo Cernuschi , en París, cuya función ha permanecido hasta el día de hoy un enigma. Otro enigma ha surgido con el descubrimiento del sitio de Sanxingdui en Sichuan, que empuja la extensión de las culturas de bronce mucho más allá de lo que alguna vez se consideró el lugar original de la China moderna. En la última cosecha, Sichuan, la figura humana aparece a menudo más o menos estilizada, mientras que es casi inexistente en la cuenca del río Amarillo a la V ª siglo antes de Cristo.
Dinastía ZhouJarrón de muérdago para cereales. IX ° siglo - a partir del VIII ° siglo. Dinastía Zhou Occidental (c. 1050 - 771). Bronce H: 30 cm . Museo Cernuschi .
Jarrón Zun en forma de bovid coronado por un tigre. Shanxi . Bronze, H: 24 cm , primavera y otoño, VI º siglo. Museo Provincial de Shaanxi . Xi'an .
Estados Combatientes , vial de bronce con incrustaciones de plata, Al .: 31,3 cm . Galería de Arte Freer , Instituto Smithsonian. Washington .
Caballero montado en un dragón que también lleva una auspiciosa grulla. Les acompaña un pez. Tinta sobre seda. III º siglo 37,5 × 28 cm . Museo Provincial de Changsha , Hunan .
Existen diferencias significativas entre las obras de arte, especialmente el bronce, del Zhou occidental y las del Zhou oriental, que las sucedió. A finales de esta última dinastía, en época de Primavera y Otoño y en época de los Reinos Combatientes, los constructores de las tumbas de la aristocracia lograron conservar hasta nosotros materiales frágiles. Sobre estos soportes, laca y seda, los artistas producen efectos estilísticos radicalmente nuevos. Es menos probable, en el último período ( V º siglo - III ° siglo), a la creación de figuras y formas imaginarias 'abstracto' en cuanto a la representación del mundo visible.
Metalurgia del arteEl arte del bronce, del que aún hoy conservamos innumerables ejemplos, persigue desarrollos sorprendentes en contacto con el arte de la laca que, al parecer, se está convirtiendo en arte de moda. El arte del bronce, como se puede ver arriba en este vial de bronce del Instituto Smithsonian, logra trasponer las composiciones y la superficie desprovista de relieve. En esta época aparece la metalurgia del hierro, cuya rareza justifica que se enriquezca en ocasiones con cabujones turquesas engastados en oro macizo, en un cúmulo de dibujos vermiculados y ojos que evocan dragones.
BarnizCorrespondiente a la época de los grandes textos clásicos de la literatura china , descubrimientos arqueológicos excepcionales por el notable estado de conservación de la arquitectura funeraria y objetos desenterrados en 1978, junto a una monumental campana de bronce, de magníficos objetos en laca , cubiertos de figuras y objetos geométricos. formas. La tumba del Marqués Yi de Zeng , Hubei , arrojó en este material protector ataúdes, muebles y objetos cubiertos con una gran cantidad de pájaros, serpientes y criaturas fantásticas dentro de un universo formal compuesto por divisiones. Formas geométricas rectangulares y un juego de variaciones sobre tensos. curvas, perfectamente armoniosas aunque declinadas en diferentes escalas. Este tipo de patrón, producido por el arte controlado del lacado, también se encontró en tejidos bordados y tanto el lacado como el bordado , sirvieron como modelos para bronceadores en una nueva concepción del bronce , con incrustaciones de oro y plata .
Pintura de sedaLas pinturas de las tumbas más antiguas conocidas en la actualidad, la III ª siglo aC, pintado en tinta sobre seda , se han descubierto en el país de Chu . Con un pincel rápido y elíptico las figuras del difunto, de pie y de perfil, son acompañadas en su recorrido por dragones , una grulla y un pez. El movimiento es sugerido efectivamente por las posturas, ligeramente desplazadas hacia atrás, y por los accesorios que flotan casi horizontalmente.
Poder en su lugar | Duración | |
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Primer Emperador de la Dinastía Qin , Qin Shihuangdi | 221 - 207 aC | 14 años |
Dinastía Han occidental o anterior | 206 a. C. - 9 d. C.] | 215 años |
Usurpación de Wang Mang por la dinastía Xin | 9 - 23 | 14 años |
Dinastía Han oriental o posterior | 25 - 220 | 195 años |
Tres reinos | 220 - 265 | 45 años |
Jin occidental o dinastía Jin anterior | 265 - 316 | 51 años |
Dinastía Jin del este de China meridional | 317 - 419 | 102 años |
los dieciséis reinos del norte de China | 304 - 439 | 135 años |
Dinastías del Norte y del Sur | 386 - 589 | 203 años |
Dinastía sui | 581 - 618 | 37 años |
dinastía Tang | 618 - 907 | 289 años |
Periodo de las cinco dinastías y los diez reinos
|
907 - 960 |
53 años 218 años |
Dinastía Song del Norte | 960 - 1127 | 167 años |
Dinastía Song del Sur | 1135 - 1279 | 144 años |
(Norte de China, Jurchen : Dinastía Jin ) | 1115 - 1234 | 119 años |
Dinastía Yuan | 1279 - 1368 | 89 años |
dinastia Ming | 1368 - 1644 | 276 años |
Dinastia Qing | 1644 - 1912 | 268 años |
El mausoleo del emperador Qin , Qin Shi Huang (o Shi Huangdi de la dinastía Qin ), en Lintong, cerca de Xi'an ( Shaanxi ), descubierto en 1974, abre constantemente nuevas perspectivas sobre la historia de este período y estimula el estudio. de periodos anteriores. La historia de esta dinastía, fundadora de la unidad del Imperio, es, para los chinos y especialmente desde el descubrimiento del mausoleo, un tema de reconstrucción del “Origen” de la historia nacional de China. Al estar en juego este plano, no hace falta decir que los debates son múltiples en torno a los hallazgos arqueológicos confrontados con los textos de la historiografía clásica.
De los más de seiscientos pozos de todos los tamaños detectados, el ejército, contenido en ocho pozos, constituiría por tanto sólo un elemento de este enorme complejo. Este ejército, a escala humana (entre 1,75 y 1,85 m ) salió de las manos de un “ejército” de modelistas experimentados en coroplatía (o coroplastia) que utilizaron moldes para un gran número de piezas. Los rostros y las manos, en cambio, individualizados y detallados, dan la impresión de multitud de "retratos" expresivos, como se puede apreciar en la imagen de un oficial del Ejército de Terracota. Estas estatuas, después de secarse y cocerse a 1000 ° C en una atmósfera reductora, fueron coloreadas, con colores claros y vivos pero que desaparecen muy rápidamente a la luz del día.
Dinastía Han (206 a. C. - 220), Tres Reinos (220-280)Bajo la dinastía Han, el sistema de reclutamiento de funcionarios (que reemplazó gradualmente a la sucesión hereditaria) se organizó sobre la base de recomendaciones que hicieron del dominio de la escritura el engranaje esencial para el funcionamiento del poder. Sin embargo, el establecimiento de un nuevo poder fue de la mano de la definición de ortodoxia caligráfica. La caligrafía, para la expresión artística o para la práctica de la escritura, se integró dentro de un sistema unificado para coincidir con los gustos personales del soberano y las demandas de quienes lo rodeaban en la corte. La caligrafía ortodoxa en la práctica de la escritura se puede definir así como un tipo de expresión caligráfica orientada por el poder y en uso en la corte. Asimismo, la música tradicional china despegó considerablemente bajo el emperador Han Wudi (140-87 a. C.) con la creación de la Oficina de Música Imperial que se encargaba de supervisar la música de la corte, la música militar y decidir sobre la música popular que podía ser reconocida oficialmente.
El hecho artístico central al final del Han proviene directamente de la unificación administrativa del territorio iniciada bajo el Qin: la escritura oficial tomó su forma final y la expresión artística a través de la caligrafía será considerada como la más noble de las artes junto con la música y la poesía. La pintura se practica, pero es sólo en el IV º siglo se considera una de las artes. Incluso si pintar bajo el Han puede usar colores, lo esencial está en el trazo de tinta inicial que define la forma. El color viene a continuación. La pintura y la caligrafía comparten, por tanto, los cuatro tesoros del erudito : pincel chino, barra de tinta, piedra de tinta (para desgastar la barra de tinta y diluirla en agua) y papel compuesto, en China, de fibras de lino y una proporción variable de varios componentes. incluido el bambú. Del período Han hay algunas pinturas muy raras en la pared (de ladrillos) y en la seda. La práctica alfabetizada de pintar sobre papel solo se generalizará bajo el Yuan.
Un importante descubrimiento arqueológico, en 1972, de tres tumbas ( 186-168 aC) en el sitio de Mawangdui (o Ma Wangdui ), en Wulibei, en Hunan , sacado a la luz, con magníficas lacas en perfecto estado de conservación y treinta y tres piezas de seda bordada , dos estandartes cubiertos con pinturas (tinta y colores sobre seda). El que se conserva mejor evoca, en el espacio vertical del estandarte, el viaje del difunto en el Más Allá, un espacio donde siguen viviendo los dragones , "que generan y mantienen vivo el Cosmos y el Imperio". Rol esencial.
El período muy atormentado que siguió al colapso de los Han, conocido como los Tres Reinos , vio el surgimiento del pensamiento libre, volcado hacia un taoísmo naturalista, con los Siete Sabios del bosque de bambú . Estos se convierten en la V ª siglo, el tema de los famosos retratos póstumos que fueron preservados en diferentes variantes, en las tumbas. Esto muestra el vínculo muy fuerte que existía entonces entre el arte de la corte y el arte funerario.
En la nueva estructura política, el Emperador ya no es un conquistador sino un "apoderado" de jure , un líder activo y una especie de gran pontífice, garante de la continuidad y el equilibrio del imperio. En el contexto de este imperio inmenso y unificado, el caballo , el mensajero que reemplaza al animal de tiro, se ha convertido en un elemento esencial en la conservación de todo el imperio, incluso en su extensión momentánea por el camino de la seda . En la escultura, el paso de un tipo robusto y robusto, como los jinetes de terracota pintados del museo Xianyang bajo el Han Occidental, al otro tipo bajo el Han Oriental, del caballo apresado en la carrera, impetuoso y más apuesto, llamado un Caballo volador , este paso de un tipo a otro se ve claramente en la escultura de mingqi (sustituto del animal real, previamente sacrificado) que acompaña cada vez más a los oficiales militares a sus tumbas. La categoría de "natural", se la ve por estas estilizaciones que evocan la energía del animal, no tiene nada que ver con nuestro "naturalismo", apareció en el arte griego clásico y se reactivó durante el Renacimiento , aunque la morfología es generalmente bien observada. y transcrito. Encontramos en esta época varios tipos de estilización en el tratamiento de la figura del caballo tallado con los caballos de Shaanxi, de los cuales el caballo dorado de Han Wudi , encontrado en Maoling (cerca de Xi'an en 1981, pasando por la cabeza de caballo relincho, desde el museo Guimet y hasta el borde del desierto de Gobi donde descubrimos en Wuwei (Gansu) este extraordinario caballo volador, posado sobre una pierna, él mismo posado sobre una golondrina (muy estilizado). El caballo en el arte chino puede ser visto como una metáfora y el naturalismo es secundario.
La riqueza de los Han Occidental sigue a trescientos años de dificultades políticas, económicas y espirituales. En estas condiciones, las prácticas funerarias ahora están reguladas para evitar cualquier deriva y rivalidad. La multiplicación de figurillas mingqi en las tumbas corresponde así a una continuación de los principios confucianos de moderación y respeto por la vida. Al mismo tiempo, las prácticas funerarias atestiguan un empuje neo-taoísta , atento a la vida como un fluir. Los incensarios en forma de montañas cubiertas de nubes con curvas arabescas son característicos del período Han. El humo fragante evocaba las nubes en movimiento sobre las montañas. Se trata de las primeras representaciones de las estancias de los inmortales o de las almas de los difuntos, motivo preferido de los paisajistas letrados durante los siglos siguientes. La línea arabesca evoca el movimiento de las nubes, se repite en los vasos de vino. Estos motivos surgen en el momento en que todos los valores artísticos vinculados a la práctica elitista y erudita de la caligrafía se ponen en marcha como un fluir energético, y muchos calígrafos, pintores y poetas a veces utilizan el vino apartándose de la vida mundana.
En las artes de los Tres Reinos, las figurillas de terracota , pero también las tapas de gres protoceladón, dan a los alfareros la oportunidad de modelar sus personajes con un profundo sentido del gesto natural. Es la vida cotidiana que todavía se encuentra en las tumbas sobre los ladrillos pintados, con un pincel vivo y hermoso.
Dinastía Jin del Este (317 - 420) - Sur de ChinaWang Xizhi (321-379 o 303-361) bajo la dinastía de Eastern Jin siguió siendo el modelo, sin igual, el erudito (era un oficial militar) tanto por su vida como por su práctica artística: poeta, músico y sobre todo calígrafo destacado. Aún quedan muy buenas copias de su Prefacio a los Poemas del Pabellón de la Orquídea que muestran la obra de su pincel "a la vez potente, vivaz y móvil" por la función ejemplar de esta obra. Las notables modulaciones del trazo de pincel que distinguen este texto se utilizaron para componer el Clásico de los Mil Caracteres que se utiliza para enseñar caracteres chinos a los niños. En el campo de la pintura Gu Kaizhi (345 - c. 406), pintor de escenas narrativas con muchos personajes en las montañas es también el primero en teorizar la práctica de la pintura de paisajes.
Dinastía Qi del Norte (550-577)Esta muy corto dinastía Qi del Norte aparece cada vez más como el lugar - el norte de China - y la hora en que se inventó la pintura oficial: el de la espiga a la XX XX siglo sirvió como referencia para el pensamiento pintura oficial en China. Los retratos de dos guardianes de la cámara funeraria de la tumba de Lou Rui (? -570) comunican, en una línea firme, en la pared, su imagen individualizada, quizás dos Tabghatch . Es con el último trazo del pincel que el pintor de esa época da vida al retrato a través de la mirada. Una mirada sorprendentemente penetrante e ingeniosa para uno de los dos jinetes. Ya parece que percibimos la fuerza del estilo ( fengli ) que conduce armoniosamente todas las pinceladas, y la resonancia espiritual ( qiyun ) que comunica el espíritu del sujeto retratado. Algunos llegan a ver en él la mano de un gran pintor de la corte : Yang Zihua. La tradición, transmitida por Guo Ruoxu (período Song) conservó para esta dinastía, el nombre de Cao Zhongda (nativo de Sogdiane ), "famoso por sus imágenes rituales indias", en otras palabras: budista . Esto debe recordarnos la omnipresencia del arte budista en ese momento, en forma de conjuntos arquitectónicos, esculturas y pinturas sobre seda, murales o sobre relieves, y que casi desapareció al final de la dinastía Tang a excepción de las cuevas pintadas. . Recientemente se han descubierto en Shandong magníficas estatuas policromadas de Buda que permiten comparaciones con sus prototipos indios.
Las dinastías Sui (581 - 618) y Tang (618 - 907)Plato Tang ofertas inspiración sasánida , el norte de China VIII º de terracota del siglo esmaltes que contienen plomo "tres colores" en la hoja , una incisión. D .: 31 cm . Museo Guimet .
Jugador de polo , arcilla roja deslizamiento clara y policromada H. 31 cm , Tang, Museo Guimet , París.
Portadores de ofrendas. Pasillo de acceso a la cámara funeraria de la Princesa Yongtai, procesión de damas de la corte. VIII º Gaozong cementerio siglo. Qianling, Shaanxi .
Atribuido a Yan Liben . Sección de "Emperadores de sucesivas dinastías". Tinta y colores sobre seda, rodillo portátil. 51,3 × 531 cm , detalle. Museo de Bellas Artes de Boston .
Vimalakirti , discutiendo con Bodhisattva Manjushri . VIII º cueva del siglo n o 103 de Mogao , Dunhuang . Gansu
Bodhisattva mostrando el camino. Color sobre seda, 80,5 x 53,8 cm .. Dinastía Tang . Dunhuang . Museo Británico .
Es un período excepcional por su creatividad, la diversidad de nuevas formas y su perfección. La unificación que se lleva a cabo bajo el Sui , después de siglos de guerras, traído prosperidad hasta el punto de que China Tang, el VI º a VIII º siglo, el país más poderoso en el mundo medieval. La capital era Chang'an , la actual Xi'an , con una población de más de un millón. Dos testigos arquitectónicos permanecen allí gracias a los ladrillos con los que están construidos: la Gran Pagoda del Ganso Salvaje y la Pagoda Pequeña del Ganso Salvaje que muestran la introducción, en arquitectura, de las siluetas de edificios masivos de la India por parte del budismo. Los más grandes pintores de la época se encargaron de realizar murales, sobre arquitecturas de madera, en su mayor parte. Las pinturas así desaparecieron por el fuego, excepto las realizadas en las tumbas imperiales de la dinastía Tang , y son bastante numerosas, el mausoleo de Qianling en particular, alrededor de Xi'an .
La pintura de paisaje de Shanshui , generalmente en trazos de tinta y con reflejos de color, aparece en pinturas funerarias, murales y policromadas, o en pergaminos, a través de reproducciones que guardan la memoria (la Casa de Wang Wei , de Wang Chuan, en el Museo de Arte de Asia Oriental en Colonia ). En todos los casos, el paisaje está subordinado al hombre. El espacio es evocado por los efectos de frisos, posiblemente esqueleto superpuesto o jerárquico. Una línea firme puede caracterizar formas y texturas típicas: pinos, rocas, montañas se indican con varios toques o eclosión (tumba del príncipe Jiemin) y algunos pasajes matizados bastan para sugerir un espacio natural indefinido.
Con los pintores Wu Daozi (680-740) y Wang Wei (701-761) desarrolló una práctica pictórica monocromática cuyo valor radica en la calidad y riqueza de los juegos de tinta, en particular con el lavado de tinta , más rápido y expresivo que la pintura de líneas. . Esta práctica se renovará en la pintura alfabetizada, en particular en el paisaje filosófico del período Song con Fan Kuan y sus sucesores, pero también en la pintura de figuras, como la de Liang Kai de la canción y toda la pintura inspirada en el chan . .
En el arte del retrato, Yan Liben (c. 600-673), se centra en los accesorios significativos de rango en la aristocracia o para especificar el origen extranjero. Detalla en una línea firme lo que habla del estado del individuo, por su actitud y su silueta. Bajo el Tang, el caballo, a veces retratado, es omnipresente en pintura y cerámica.
El caballo veloz, importado de Bactria , tan necesario en la interminable guerra contra los vecinos del Norte y del Oeste, acompaña a los muertos en las paredes pintadas o depositados en una maqueta, en forma de cerámica funeraria ( mingqi ) junto a la difunto entre las imágenes de elegantes sirvientes y bailarines. Estos magníficos corceles, monturas femeninas para el juego de polo (recientemente introducidas con el foco de la montura) o en posición de reposo, como si esperaran a su dueño para un último viaje, en este tipo de cerámicas chinas inauguradas bajo el Tang y cuyo fluyen esmaltes, sancai : cerámica conocida como "tres colores". El caballo pronto llegará a encarnar los valores humanos más elevados. Así, la pintura atribuida a Han Gan , conocida como Luz iluminando la noche , ya evoca las cualidades del hombre a través de la imagen del animal.
En el campo de las cerámicas preciosas, depositadas en tumbas, en el período Tang, podemos detectar patrones inspirados en la orfebrería sasánida que atestiguan intercambios con culturas más allá de Asia Central . La era también es la de los intercambios con la India clásica, Gupta y post-Gupta, donde conviven las culturas budista e hindú . También es en la India del príncipe Harsha , posterior a Gupta, donde el famoso diario de viaje : Informe del viaje a Occidente en la época del Gran Tang de Xuanzang muestra el declive del budismo en la India. El arte budista todavía se está desarrollando en China hasta la gran proscripción 845 Index o agente del declive de la dinastía Tang.
Cinco dinastías (907 - 960) y dinastía Song (960 - 1279) Cinco Dinastías y la dinastía Song en Kaifeng ( X XX siglo)El edificio Immortals Paradise en la montaña , tinta y colores claros sobre seda, 183 × 121 cm . Atribuido a Dong Yuan , actuar. Tang del Sur, el medio de X ª siglo. Museo del Palacio Nacional , Taipei.
Preciosos pájaros descritos en vivo , Huang Quan, c. 960. Pergamino portátil, tinta y colores sobre seda. 41,5 × 70 cm . Museo del Palacio , Beijing.
Vaya al juego frente a la pantalla . Atribuida a Zhou fábrica de papel, X ª siglo, probablemente una copia de la dinastía Ming, la seda de 40 × 70 cm . Museo del Palacio, Beijing.
Un templo solitario entre picos claros . Li Cheng c. 960. Tinta sobre seda. 111 × 56 cm . Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City .
Buscando el "camino" [dao] en la montaña en otoño . Tinta y colores claros sobre seda. 156 × 77,5 cm . Atribuido a Juran , actuar. v. 960-980. Museo del Palacio Nacional , Taipei.
Es el apogeo en el desarrollo de la pintura de paisaje sobre seda, en tinta pero también con colores, a veces intensos, a menudo claros y hoy poco visibles. Gracias a la tradición china de copiar a un maestro en caligrafía así como en el arte de la pintura sobre seda, conservando espíritu y energía, aún podemos admirar, de las colecciones imperiales, varias pinturas en rollo vertical u horizontal atribuidas a los fundadores de la monumental paisaje: Guan Tong (extremo activo IX ° siglo - principios X º siglo) Li Cheng (919-967), Dong Yuan (934-962 v.) y Juran (ca. 960-980 activa.). Paisajes filosóficos cargados de sentido, majestuoso shanshui , donde la mirada solo distingue al hombre en el camino con la mayor atención. El espacio está indicado por la jerarquía de formas: el hombre, el más pequeño, luego el árbol y las rocas, y finalmente la montaña, inmensa. Todo ello en tinta más o menos negra o más o menos lavada, para evocar estas formas “llenas”. La montaña a menudo todavía es visible en la distancia, disolviéndose en nubes y luz. En esta construcción del espacio, los planos están separados entre sí por espacios prístinos e inmaculados, cuya blancura significa tanto "vacío" como el movimiento de masas de nubes o una corriente.
El pintor Dong Yuan (c. 934 - 962), inspirado en los paisajes del Yangzi Jiang , es considerado el padre de la escuela sureña , cuidadoso en tratar los efectos atmosféricos más que las formas definidas, y por tanto, más por matices que por líneas.
La pintura de paisaje, en ese momento, estaba compuesta por masas estructuradas a lo largo de ejes mayores y por el discreto recorrido del viajero, el recorrido fragmentado por la naturaleza representada, sin que esto obstaculizara la coherencia del espacio pintado. Allí se representa el paisaje por sí mismo, y las variaciones de un pintor a otro corresponden a los diferentes lugares donde residen. Montañas escarpadas en el norte en las pinturas de Li Cheng , colinas junto al lago en el sur en las de Dong Yuan . Juran es conocido por haber realizado pruebas en diferentes papeles, producidos a pedido suyo, para experimentar con texturas. Además, excavaciones recientes han demostrado, en las paredes y en la seda, que los estilos del paisaje en tinta eran más ricos de lo que se pensaba de las obras conservadas por la tradición.
La pintura de retratos con Li Gonglin (1040-1106) sobresale en evocar a extraños y cohortes de jinetes, sus actitudes y comportamiento. La escena interior que existía en forma de largos panoramas bajo el Tang se vuelve más compleja con la representación de una pintura en la pintura (una forma oriental de mise en abyme : pantalla en la pantalla o paneles entrelazados) de Zhou Wenju, activo durante la segunda mitad de la X ª siglo. Este artista utiliza una forma cercana a la perspectiva arrogante para construir el espacio interior y arquitectónico. La moda de la pintura en la pintura continuará con los otros pintores de la dinastía Song .
Dinastía Song en Hangzhou ( XI º - XIII th siglos)Viajeros entre torrentes y montañas , Fan Kuan , (acto V. 1023-1031), Canción del Norte. Desplazamiento vertical, tinta y colores sobre seda, 206,3 × 103,3 cm . Museo del Palacio Nacional , Taipei.
Pescador en un río de montaña , Xu Daoning , c. 1050, Canción del Norte. Sección de un rollo portátil, tinta y color sobre seda, 48,9 × 209,6 cm . Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City .
Animación junto al río [de la capital] durante el festival Qingming . Pintor de Hanlin Academia principios XI º siglo, tinta y colores sobre seda, 24 x 528 cm . Museo del Palacio , Beijing.
Detalle de mil lirios de ríos y montañas . Wang Ximeng , 1113, Northern Song, rollo portátil, tinta y colores sobre seda, 51,5 × 1119,5 cm . Museo del Palacio , Beijing.
Cuenco de porcelana , ding , con esmalte blanco incisa. Pareja de pato, caña y flor de loto. Canción del norte. Museo Guimet .
Pink Hibiscus Flowers (con White Hibiscus Flowers conjunto de dos cuadros: Woman's Caprice ) Li Di, 1197. Southern Song. Tinta y colores sobre seda, H. 25,5 cm . Museo Nacional de Tokio .
La Canción de los Primeros Brotes (Bailando y cantando, campesinos que regresan del trabajo). Ma Yuan , deb. XIII e siglo, rodillo vertical, tinta y colores sobre seda, 191,8 x 104,5 cm . Museo del Palacio , Beijing.
Un inmortal, tinta salpicada , Liang Kai (act. Deb. XIII º siglo) de la Song del Sur, tinta sobre papel, disco de hoja, 48,7 × 27,7 cm . Museo del Palacio Nacional
Vista clara y lejana de ríos y montañas . Xia Gui circa 1200, tinta sobre papel, rollo portátil 46,5 × 889 cm , detalle. Museo del Palacio Nacional
Conjunto de gres revestido de celadón . Sur de China, Zhejiang, Longquan, dinastía Song del Sur XIII ° siglo. Museo Guimet .
Es el período de pleno desarrollo de la cultura china en los campos de la pintura, la tinta sobre seda y papel, el paisaje pero no solo, y la cerámica que da lugar a múltiples experimentos para una producción de gran diversidad y de altísima calidad. Esta cultura irradia más allá de sus fronteras e impregna las culturas de Liao y Jin , en el norte de China. Éstos arrasarán sucesivamente el imperio y empujarán a los Song hacia el sur. Luego, bajo la Canción del Sur, las pinturas de paisajes se ubican naturalmente junto al mar, abiertas a vastos horizontes y reemplazan las pinturas de paisajes abruptas de la Canción del Norte.
Aguamanil. Jingdezhen. Yuan, hacia 1335. Porcelana blanca con decoración floral en azul cobalto bajo esmalte. Museo Nacional de Arte Asiático - Guimet , París.
Plato de ocho hojas con bordes. Porcelana con fondo pintado esmaltado y decoración con apliques azules: melones, bambúes y uvas. Jingdezhen , Yuan tarde. Museo de Shanghai.
Escribiendo libros bajo los pinos , Wang Meng , 1279-1368, hoja de un álbum doble montado en un rollo vertical, 66,7 × 70,5 cm , Museo de Arte de Cleveland.
Seis caballeros , Ni Zan , 1345, desplazamiento vertical, tinta sobre papel, 61,9 × 33,3 cm . Museo de Shanghai.
El Rey del Deva del Sur ( Virūḍhaka增長 天王). Bajorrelieve, muro este, Plataforma de las Nubes, 1342. Juyongguan. Gran Muralla .
Porcelana de cobre rojo.
La grandeza del monte Lu (Lu shan gao) , Shen Zhou , 1467, desplazamiento vertical, tinta y color sobre papel, 193,8 × 98,1 cm . Museo del Palacio Nacional , Taipei.
Oda granada y hiedra , Shen Zhou (pintura) y Wang Ao (poesía), 1506-1509, hoja de álbum, tinta y papel de color. Instituto de Arte de Detroit.
Flores del ciruelo y grúas par , Bian Jingzhao, XV º pared del siglo rodillo, tinta y color en la seda, 180,4 x 118 cm . Museo del Palacio, Beijing.
Pabellón de Oración por las Buenas Cosechas, conjunto arquitectónico del Templo del Cielo , dinastías Ming y Qing. Pekín .
Bajo el Ming, las relaciones comerciales con Occidente se aceleraron (principalmente en una dirección de China a Occidente). Los centros de producción de porcelana y otras cerámicas chinas se agrupan en la fábrica Jingdezhen ( Jianxi ). La decoración azul encubierta del Yuan se vende muy bien. La dificultad para el pintor de porcelana con decoración azul proviene del hecho de que no es posible el arrepentimiento , el color es bebido por el cuerpo de la porcelana. Piezas de muy alta calidad, con un diseño complejo armoniosamente compuesto, están reservadas para el emperador. La porcelana monocromática es la novedad: rojo cobre (muy difícil de obtener pero asociado al nombre de reinado del primer emperador Ming) y azul turquesa, moteado como “cáscaras de naranja”. Con las porcelanas con fondo amarillo y decoración azul vidriada, las decoraciones doucai (colores contrastantes) y wucai (cinco colores) caracterizan el gusto de los Ming por los colores brillantes que se encuentran en otros lugares, en la arquitectura china pintada y sus techos con tejas vidriadas. En la ciudad de Suzhou , uno de los jardines más bellos de China fue compuesto por un funcionario que desempeñaba la delicada función de censura. Acusado de "corrupción" y destituido de la corte, creó su " jardín de la política torpe" (que también se puede leer: "jardín de un funcionario que no sabe nada de política") a partir de 1506.
Finalmente, fue bajo los Ming que se construyeron, en 1420, el Templo del Cielo y la puerta sur, Wumen , pero también un primer palacio completo de la Ciudad Prohibida en Beijing . Luego, después de la destrucción perpetrada por Li Zicheng , el primer emperador Qing restauró y reconstruyó esta ciudad imperial de manera idéntica, y luego la amplió con el mismo estilo que podemos admirar hoy. La ciudad de Pingyao ( Shanxi ) es una de las pocas ciudades que ha conservado su aspecto antiguo, y data principalmente de los Ming. Lo mismo ocurre con la parte más visitada de la Gran Muralla , al norte y noroeste de Beijing, que atestigua el período de retirada al final de la dinastía.
También es en Suzhou (antes: Wu), donde se desarrolló una escuela de pintura alfabetizada, la escuela Wu. La ciudad había sido frecuentada por Ni Zan y Wang Meng . Zhu Derun había vivido allí como un recluso. La escuela Wu tenía cuatro grandes artistas: Tang Yin, Qiu Yin, Wen Zhengming y Shen Zhou . La pintura de este último, La grandeza del monte Lu , sigue el estilo de Wang Meng , del Yuan. Es un ejemplo típico de pintura letrada basada en un perpetuo retorno, con espíritu confuciano, al estudio de los viejos maestros. El estudio se eleva aquí a la categoría de obra de arte plena y completa. La pintura de Shen Zhou actúa como una síntesis de varias obras de Wang Meng : Quédate (retírate) en las montañas Qingbian y habita los bosques de Juqu . Shen Zhou también estudió los cuatro grandes maestros de la pintura Yuan , así como Mi Fu y Mi Youren de la canción , Dong Yuan y Juran de las cinco dinastías , la X ª siglo. Luego, habiendo alcanzado la madurez, según él, se reveló como un inmenso creador por medio de cuadros "pájaros y flores" cuyos elementos se piensan en resonancia unos con otros. Todo el ser, cada vez, articulado con una poesía compuesta para la ocasión (aquí en un estilo "cursiva loca", por un amigo).
La otra escuela, que dominó la escena con artistas de la corte, bajo el Ming, es la escuela Zhe, alrededor de Dai Jin y la escuela Jiangxia, que fue inspirada por otro artista de la corte: Wu Wei . Estos dos pintores profesionales sufrieron la misma suerte. Uno fue expulsado, el otro abandonado por su cuenta: su estilo era considerado demasiado "libre" por los pintores letrados de Dong Qichang , el gran teórico de la época, ardientemente apegado al redescubrimiento y preservación de formas antiguas.
Dinastía Qing (1644-1912)Los primeros días de la dinastía estuvieron marcados por la nostalgia y los recuerdos. El pintor Yun Shouping (activo 1633-1690) encuentra su inspiración en las pinturas de Song "flores y pájaros", "hierbas e insectos" . Esta tendencia se acentúa en la corte y en las órdenes imperiales por el espíritu enciclopédico que tiende a identificar todo lo que existe y a perpetuarlo mientras lo controla. Con este espíritu, la pintura de la Fiesta de Qing Ming , (Fiesta de los Muertos) utiliza el mismo tema tratado en la Canción . Pero mientras que el original se adjuntó, de la manera propia de los pintores profesionales, a los detalles técnicos, esta versión se centra en el ocio: representaciones teatrales (al aire libre), acróbatas, luchadores ... y podemos distinguir claramente las extrañas piedras que tradicionalmente se levantan en los jardines. , en colores azul y verde, como en algunas pinturas del período Song. En cuanto a la representación del espacio de los edificios, podemos ver efectos de perspectiva occidental, combinados con oblicuos paralelos ( isométricos ) propios de las convenciones tradicionales chinas, pero sin sombra. Esto sugeriría una influencia de las convenciones occidentales traídas por los pintores jesuitas (incluido Giuseppe Castiglione ) a la Corte. Podemos ver el efecto en la representación de las figuras (por ejemplo en los cien retratos de soldados de élite comandados por el emperador Qianlong ) donde se mantuvo un cierto modelado cuando la sombra, estrictamente hablando, pero omnipresente en el siglo de Caravaggio , no podía han sido aceptados en China.
El Centro de Creación de Cerámica Qing en Jingdezhen exporta innumerables porcelanas a todo el mundo en forma de formas y técnicas antiguas, especialmente porcelanas “azules y blancas”. Pero no todos están pensados para la exportación, otra parte, de altísima calidad, está destinada al mercado nacional. Algunos están reservados para la corte o los tribunales de los estados vecinos, como el "Blue of Hue" destinado a los soberanos y señores o mandarines de Vietnam . Pero también inventamos una técnica de decoración que demuestra un dominio aún mayor: la porcelana con esmaltes petit feu en polvo, conocida en Europa como “famille rose” y que puede dar lugar a los efectos deslumbrantes de una decoración de tapicería: una verdadera acumulación de patrones. tradicional evocadora de la fragilidad de los vivos. En Francia se llama "porcelana de la Compañía de Indias " a las producciones realizadas en China para satisfacer las órdenes de los europeos, con los siglos XII E y XVIII E. El XIX XX menudo se desvía de ellos y retorno a los viejos modelos estrictamente chinas.
Jarrón con decoración "mil flores". Jingdezhen , Jiangxi . Fin del período Qianlong (1736-1795). Detalle, porcelana decorada con esmalte en polvo, "famille rose". Museo Guimet .
Peonías , Yun Shouping , 1672, tinta y colores claros sobre papel, hoja de un álbum realizado con Wang Hui , 40 × 58 cm . Museo del Palacio, Beijing.
La cascada de Mingxianquan y el monte Hutouyan . Shitao (1642-circa 1707). Rollo portátil, tinta y colores sobre papel, 20 × 26 cm . Sen-oku Hakuko Kan (Colección Sumitomo), Kioto.
Peces y rocas , Zhu Da conocido como "Bada Shanren" (1625-1705). Hoja de álbum, tinta sobre papel, 135,3 × 61 cm . Museo Metropolitano de Arte , Nueva York.
El Pabellón Tanzhi , Gao Xian (1688-1753), rollo de pared, tinta sobre papel, 68,5 × 38 cm . Museo de Yangzhou .
Pez mandarín , Bian Shoumin (1684-1752), tinta y colores claros sobre papel. Studio Rongbaozhai, Pekín.
Autorretrato , Ren Xiong (1823-1857), tinta y colores sobre papel, 177,5 × 78,8 cm . Museo del Palacio, Beijing.
Retrato de un hambriento (amigo de un funcionario ) , Ren Bonian (Rèn Yí ) (1840-1895), Tinta y colores sobre papel, 164,2 × 77,6 cm . Hangzhou , Museo Provincial. Zhejiang .
Rama de ciruelo en flor , Wu Junqing [Wu Changshi] (1884-1927). 1892, tinta sobre rollo de papel vertical 76 × 26 cm . Museo de Arte de Berkeley y Archivo de Cine del Pacífico .
En un movimiento que divergen estilo meticuloso desde el final del XVII ° siglo, una variedad de pintores literarios deliberadamente mantuvo fuera de los caminos oficiales se produce. Van mucho más allá del inconformismo tradicionalmente necesario para una conducta elegante y hábilmente alfabetizada. Esta vez, es una fuerte independencia mental lo que caracteriza a esta generación de pintores "excéntricos", incluidos los más famosos: los monjes Zhu Da (Badashanren) (1625-1705) y Shitao (1642-circa 1707). A menudo se agrupan bajo el nombre de "escuela de Yangzhou " ( Jiangsu ) con Li Shan. Si bien ellos mismos se refieren, por independencia mental, a pintores de inspiración chan (o, más simplemente, de inspiración filosófica): Liang Kai , Muqi , Wu Zhen , Zhu Derun , Ni Zan , Shen Zhou y Xu Wei , ellos a su vez influyen los ocho excéntricos de Yangzhou y Shanghai de la XIX XX : Ren Xiong (1823-1857), Ren Bonian (o Bonian s) (1840-1896) y Xu Gu (circa 1824-1896), así como pintores de Shanghai, como Wu Changshuo (1844-1927), al final de la dinastía. Todos están más decididos a afirmar una forma de individualismo, rebelión y desesperación cuando los Qing difunden los cuadernos de modelos impresos, que catalogan y banalizan todos los procesos de los pintores antiguos; arruinando así los valores más altos de China en un mundo en colapso, en las garras de las crisis y con la ocupación extranjera. Pintores "excéntricos" de todas las épocas han servido de referente para los artistas occidentales modernos, especialmente los surrealistas ( André Masson , quizás el más preocupado) y el expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York ( Mark Tobey , Robert Motherwell …) pero también un anfitrión de artistas como Hans Hartung o Jean Degottex .
Arte moderno en China, desarrollado en la República de China (1912-1949) en China continental, y desde 1912 en la isla de Taiwán , luego colonizada durante 50 años por Japón ), así como en la República Popular China a partir de 1949, y en la República de China en Taiwán a partir de 1945 porque proponía todo un sistema que rompía con la cultura tradicional que, a su vez, estaba asociada al antiguo régimen.
Liu Haisu (1898-1994), de la flamante escuela de pintura gouache inaugurada en 1911 en Shanghai, tomó la iniciativa, en noviembre de 1912 (a la edad de dieciséis años), de fundar una “Academia Nacional de Pintura de Shanghai”. Experimentamos con todos los medios y todos los temas, incluido el desnudo . Este tema artístico estaba reservado para la vida íntima de los espectadores en China. Fue una conquista, lenta para ganar. Pero lo logró allí como todo lo que despertó los valores occidentales adscritos a la categoría de Belleza, y que se integraron mediante la creación de un nuevo pensamiento de la pintura y las artes en general. La introducción a finales de XIX XX neologismo del siglo Meixue para traducir el concepto occidental estética refleja el esfuerzo de apertura de la China moderna. Nacieron muchas escuelas de bellas artes, así como salones, luego museos y galerías. En las décadas de 1920 y 1930, algunos artistas jóvenes, como todos los estudiantes chinos, pudieron beneficiarse de condiciones especiales para estudiar en Occidente. Pero estos jóvenes artistas ya tomaron decisiones. Zao Wou-ki se dirigió a la escuela de París , encontró en Montparnasse Pan Yuliang (1895-1977), Xu Beihong (1895-1953), Lin Fengmian (1900-1991), Chang Yu (1901-1966) y Wu Zuoren (1908). -1997). De otra forma, Qi Baishi (1863-1957), cercano a excéntricos como Zhu Da de la dinastía Qin, reapropiaba el rico repertorio tradicional con una escritura gestual firme en la humedad y detalles de plantas o pequeños animales observados con un placer luego compartido por un gran parte del público chino. Este camino fue también el, en un enfoque más austero de la tradición, de Fu Baoshi (1904-1965). Mientras que el grabado en madera , que ya se utilizaba para la impresión de libros, fue revisado por las asociaciones de jóvenes grabadores de Shanghai, como Luo Qingzhen y Li Hua (nacido en 1907) al referirse al grabado expresionista y al de la Nueva Objetividad de Käthe Kollwitz (1867- 1945). Su legibilidad y su eficacia expresiva entre las clases trabajadoras fueron objeto de un entusiasmo real por parte de los artistas jóvenes comprometidos, comunistas y resistentes, desde 1932, al expansionismo de Japón como antesala de la guerra de 1937 . El literato y crítico de arte Lu Xun , él mismo muy comprometido, organizó una exposición de grabados alemanes en Shanghái en junio de 1932. Poco después, Li Hua fundó el movimiento Lu Xun de Grabado Moderno, en gran parte influenciado por el realismo socialista . Este "realismo socialista" fue impuesto por Mao Zedong durante su largo período de poder (1949-1976).
Durante la Revolución Cultural , a partir de 1973, unos jóvenes sin formación artística se embarcaron en la observación de la naturaleza y su transcripción romántica e impresionista. Iba en contra de una pintura al servicio de la propaganda, explícita y sin una particular investigación formal (más allá del realismo que apunta a una comunicación clara para todos). Su primera exposición tuvo lugar dos años después de que fuera declarada el fin de la Revolución Cultural, en 1979, entre otras exposiciones de grupos no oficiales. Uno de ellos, el grupo “Cicatrices”, un grupo tanto literario ( Literatura de cicatrices ) como pictórico, retomó el estilo realista para abordar los aspectos más oscuros de la revolución cultural. En 1979, otra variante del realismo pudo exhibir sus cualidades formales “fotorrealistas” al tratar temas documentales anecdóticos, incluidas las minorías chinas, un tema particularmente sensible. El grupo mucho más anti-sistema "Les Étoiles" tuvo que soportar la censura una vez más. En el plano político, con la llegada al poder de los pragmáticos a finales del 78, fueron “los años de Deng ” los que permitieron una flexibilidad bastante amplia en cuestiones culturales y comenzó una nueva era para el arte chino. Las nuevas figuras del arte, artistas, críticos y comisarios chinos contemporáneos debutan.
En 1985, el movimiento comenzó en el año 79 la producción de la talla del arte occidental moderno y numerosas publicaciones sobre todo lo que sucedió en Occidente a la XX XX siglo apoyaron la creatividad de los artistas jóvenes. Fue la "Nueva Ola" china de 1985-86. Las obras de Rauschenberg Overseas Culture Interchange , en noviembre-diciembre de 1985 en la National Gallery, tuvieron un gran impacto contra las ideas preconcebidas y para la creatividad. Expusieron con la más evidente claridad la arbitrariedad de los límites entre géneros, entre pintura, fotografía y escultura. Y eso causó entusiasmo y, a menudo, confusión. Muchos llegaron a no percibir más la distinción entre arte y no arte ... Los debates fueron retransmitidos por revistas de arte que en adelante fueron ampliamente leídas y comentadas. En 1989, la "Exposición de Arte Moderno Chino" fue el punto culminante de este período y reunió a todos los artistas calificados como "Avant-Garde". En mayo de 1989, en la exposición "Los magos de la tierra" en el Centro Pompidou , para la primera presentación de artistas contemporáneos fuera de China, el consultor de la sección china de la exposición fue Fei Dawei, crítico de arte que había "lanzado", en 1985, con sus amigos artistas, los primeros eventos de arte contemporáneo de la "New Wave 85".
En la primavera de 1989, las manifestaciones en la Plaza Tian'anmen , entre el 15 de abril y el 4 de junio, fueron brutalmente reprimidas y se produjo una nueva "vuelta de tuerca" para sofocar todo lo que quería expresarse en China. Miles de artistas emigraron durante esta década y formaron una comunidad de artistas chinos del exterior. Pero se tomó el pliegue y pronto, en 1994, los términos " arte contemporáneo " y "arte experimental" se utilizaron sistemáticamente (" arte moderno ", adjunto al período que había terminado con los acontecimientos de la plaza. Tian'anmen, había para ser reemplazado, "arte contemporáneo" era más "chic" y "de moda"). En este movimiento, el mercado del arte contemporáneo chino se lanzó a los mercados internacionales y la oportunidad de exponer en el extranjero recibió cada vez más apoyo de las autoridades chinas. Estos, por tanto, en la década del 2000, hicieron todo lo posible por acercar el arte al público, por "popularizarlo" con un doble efecto: por un lado, una política real de construcción de espacios dedicados al arte en el mundo. , patrimonio y arte contemporáneo, por otro lado, retirarle la parte más agresiva y antisistema o experimental destacando productos de moda, que se venden bien y que son buenos signos externos de éxito para los coleccionistas. En 2011, multitudes de artistas chinos, jóvenes y viejos, libres para moverse o forzados a permanecer en el extranjero, manifestaron en todo el mundo su deseo de practicar todas las formas de arte contemporáneo, a veces críticos con el estado de China y el mundo en general. Se dan a conocer internacionalmente a través de exposiciones, a veces llamativas, como fue el caso de Ai Weiwei en 2010-2011 en la Tate Modern (Ai Weiwei, es uno de los 303 intelectuales chinos que firmaron la Carta 08 ).
La cultura china durante el largo período del Imperio, junto a la cultura occidental, está excepcionalmente bien documentada por muchos autores chinos con respecto a los logros seleccionados por sus cualidades "artísticas" con criterios explícitos pero en evolución, que se conservan en gran número. Así, un mejor conocimiento interdisciplinario hoy permite abordar lo que diferencia estos logros - artísticos - del arte occidental al plantear la cuestión de lo artístico y, en consecuencia, considerar una extensión del campo del arte, como ha podido hacer el arte contemporáneo. al final de la XX XX siglo. Para ello es necesario apelar tanto a la antropología y la sociología como a la historia y la estética.
La caligrafía se considera en la antigua China como la más noble de las artes.
Desde que los chinos comenzaron a usar la pluma, la escritura actual, desprovista de cualquier otra inflexión que no sea la impresión de escritura individual, no tiene nada que ver con la caligrafía tradicional con pincel. Aunque en el pasado la escritura solo tenía un uso práctico para la mayoría, era el mismo pincel que podía usarse para dar forma a una expresión individual. El pincel, la tinta y el papel para los chinos permiten un arte de escribir que nada tiene que ver con la caligrafía oriental y occidental. Esta práctica artística no es ornamental y nunca se trabaja con fines decorativos. Por contra, los tipos de caracteres utilizados estilizado del XX ° siglo, meishuizi , de artes gráficas que tienen carácter decorativo. Se utilizan con fines publicitarios, editoriales y en imágenes de video o cómics.
“Este arte (caligrafía) se coloca en pie de igualdad con la música, la poesía y la pintura, e incluso a veces se coloca por encima de ellas. […] (Porque) el pincel registra con la fidelidad de un sismógrafo las más leves inflexiones del gesto así como sus desviaciones más bruscas ”.Aparte del pincel, los cinco tipos principales de escritura tradicional dan un tono expresivo al texto, y las convenciones rigen su uso habitual al tiempo que permiten cierta libertad, especialmente para los artistas contemporáneos.
La aparente espontaneidad de la "cursiva loca" (en particular la presentación autobiográfica de Huaisu) y la evocación elíptica (del " Origen Primordial ") por el gesto de Zhu Derun y los monjes pintores del budismo Chan han golpeado la imaginación de los artistas occidentales. en el XX ° siglo. Especialmente los de la escuela de Nueva York . Estos modelos de espontaneidad, pero percibidos como gestos y no como vectores de significado, de una civilización tan antigua como la civilización china, han dado a los artistas occidentales una confianza increíble para afirmarse en ruptura con las tradiciones figurativas occidentales.
Además de lo que se ha dicho anteriormente con respecto a la antigua China: "Dinastía Han", "Dinastía Jin del Este", "Dinastía Yuan": Zhao Mengfu, y: "Los pintores", a continuación, se nota que actualmente la caligrafía, alentado por las autoridades desde la década de 1980, se incluye en los planes de estudio de las escuelas de Bellas Artes de China.
Muy visible en el arte actual en contacto con el arte contemporáneo "occidental", el uso de la caligrafía se ha convertido, al parecer, en un rasgo específico y distintivo del arte chino contemporáneo (Gu Wenda, con sus pseudocaracteres fundidos en el cabello, y su traducción y transcripción de la poesía Tang, y Xu Bing, con su instalación interactiva de medios mixtos, “Class of Calligraphy” de 94-96) entre otros).
Copiar textos con sellos es la forma tradicional de aprender caligrafía. Copiar pintura por transferencia o imitación es cada vez una forma de estudiar a los pintores antiguos. La copia debe distinguirse de la falsificación, realizada con el objetivo de engañar a los coleccionistas.
Las copias de los textos más antiguos se guardan en estelas de piedra, donde se graba el texto. Sin embargo, en los originales, el juego de la tinta, fluida o agotada, los efectos debidos a la naturaleza del soporte, su forma o sus dimensiones acentuaban los efectos expresivos del texto caligráfico. Y esta es una dificultad adicional con la que los escultores artesanos que, aún hoy, graban estelas chinas , tienen que plasmar estas sutilezas para inmortalizar las grandes obras. Se basan en capas tomadas de los originales ... ¡o en buenas copias! El bosque de estelas , en la capital de los Tang en Xi'an , reúne así a todos los clásicos chinos . Muchas pinturas antiguas, arte lineal, también se han conservado con grabados en piedra. Encontramos la huella estampando en negro. Un estampado inusual ya que por primera vez tomamos la impresión del grabado con una hoja húmeda. Esta hoja seca se frota uniformemente con tinta negra. Las formas grabadas aparecen en negativo, los huecos de la piedra grabada se convierten en zonas blancas sobre fondo negro.
Las copias de pinturas en papel son copias exactas ( mu ) o copias gratuitas ( lino ). El objeto de una copia exacta es la reproducción más cercana al original en apariencia. Se coloca una hoja muy fina sobre el original y la línea se dibuja lentamente. Un método más preciso ( shuanggou tianmo ) cuando se hace con ingenio es trazar los bordes exteriores de los trazos, luego llenar el espacio interior de cada trazo con tinta con gestos meticulosos y un pincel extremadamente fino. Para obtener una copia gratuita, se coloca una hoja de papel junto al original y el copista trabaja a su propio ritmo. Las copias producidas de esta manera pueden desviarse más o menos del original, desde aquellas que tienen un espíritu y estilo muy cercanos al original, hasta aquellas que tienen tanto un cierto parecido con el original como también los signos del propio estilo del copista.
Numerosos cuadros sobre seda o sobre papel, copias o falsificaciones, sustituyen ahora a los originales que desaparecieron durante guerras e incendios. En estas condiciones, es difícil detectar en estas copias o estas falsificaciones las pistas que permitan identificar el período al que pertenece el copista. En el caso de una copia fiel que es un ejercicio y un homenaje y sólo imita el estilo del original, la copia también debe dar testimonio de lo que es propio del copista, su energía y su "inspiración". En principio está firmada por el copista e incluye una nota para el autor del original. En cuanto a las muchas falsificaciones, antiguas o no, que se produjeron para engañar a un posible coleccionista (la firma y los sellos son entonces falsificaciones) evocan, con más o menos acierto, sobre soportes aparentemente de época, cuál era el estilo del artista. Pero también existe una práctica propia del mundo de las letras y que consiste, cuando se es un pintor conocido, en utilizar, para todo o parte de un cuadro encargado, un pincel sustituto, pintor profesional o discípulo alfabetizado, y '' luego colocar su firma y sellos. Esto no está exento de contradicciones con la ética del pintor letrado.
CopistasLos emperadores, como todos los calígrafos, grandes y pequeños, disfrutaron haciendo de su propia mano, como ejercicio y homenaje, excelentes copias de los más grandes maestros antiguos o de sus contemporáneos. Así, hay una copia hecha por Hong Li, emperador Qianlong (1711-1799) de los Qing después de otra copia que había hecho el famoso Dong Qichang (1555-1636). Dong tenía ante sus ojos la copia hecha por un tal Liu Gongquan (775-865) del original de “Poems from the Orchid Pavilion”, caligrafiado por Wang Xizhi (321-379), pero compuesto por sus amigos e invitados en el famoso pabellón en Shaoxing ( Zhejiang ) cerca de la actual Shanghai . El célebre Prefacio que escribió Wang Xizhi para presentar esta colección, está impregnado de un pensamiento tocado por el paso del tiempo, pensamiento permanente en el arte en la China imperial y que se articula precisamente a la práctica de copiar que devuelve vida a un texto antiguo o cuadro. Por lo tanto, esta práctica era especialmente la de las élites alfabetizadas, incluidos ciertos emperadores, como acabamos de ver con Hong Li, el emperador Qianlong , otro emperador dejó muchos ejemplares, Zhao Ji, el emperador Huizong de Song, que se destacó en el arte de Escribiendo por su notable caligrafía, con rasgos afilados y supremamente elegantes y quien también fue poeta y pintor de "flores y pájaros", dejó en su mano muchas copias de caligrafía y pinturas de la época Tang o anteriores que sin ella serían olvidadas hoy.
Se formaron dos grupos de pintores a lo largo del tiempo. Pero estos grupos no estaban unidos entre sí.
Desde sus inicios y aún en la época Tang, esta profesión fue ejercida por el pintor profesional , artesano, pintor monje o en ocasiones miembro de la aristocracia, ejerciendo "casi como" un artesano. Los ceramistas, bronces, pintores y escultores de lacas siempre han tenido la condición de profesionales. El pintor profesional produce cuadros para las necesidades del imperio, para la aristocracia (y la necesidad social de los dones) y para los ritos , entre otros objetos (cerámicas, bronces, lacas ...) que consideramos en Occidente como de arte y que luego tenía varias funciones (ofrendas rituales, obsequios, signos de estatus aristocrático , etc.).
El estilo dominante que caracteriza a esta pintura es una notable precisión del pincel y largas curvas continuas. Emite un poderoso efecto de energía y movimiento. Las representaciones suelen ser elípticas y estilizadas. La semejanza exacta e identificable del mundo visible o invisible y muchos detalles considerados esenciales caracterizan esta pintura en el período Tang. Se realiza con tinta negra, si es necesario se basa en estudios sobre la naturaleza (para pájaros, caballos ...) y en dibujos calculados para la arquitectura, muchas veces con colores vivos, puntuales o en grandes efectos. Rítmica integrada en la composición y el significado de la imagen. Los murales de las cuevas budistas han conservado rastros del boceto preparatorio, muy a menudo lejos de la línea final.
Se añade este primer grupo, el X º siglo, el pintor académico que se estableció gradualmente como la figura clave en el mundo del arte. Varios de los más antiguos y famosos se han ganado la vida con su pintura. Un paisajista tan importante como Jing Hao (c. 870-c. 930) vivió de su pintura toda su vida, sin cargas administrativas. Fan Kuan ( XI ° siglo) vivió en taoísta, aislado en las montañas. Sin embargo, como académico, habiendo superado concursos, el pintor letrado tiene, la mayor parte del tiempo, una función administrativa, pero algunos no tienen ningún oficio. Pintor aficionado en sus horas libres, cuando está a cargo, se distingue por su dominio, físico y mental, de la caligrafía, dominio de la tinta negra, agua (sus modulaciones en tinta) y pincel (con todos los ángulos de ataque del soporte, todos los posibles efectos de puntuación). Esta maestría debía, como en la poesía caligráfica, reflejar la personalidad del pintor, siendo el color, en principio, sólo accesorio. Sin bocetos, no siendo posible el arrepentimiento, se permitieron muchas pruebas, como para la caligrafía. El rechazo de cualquier prueba puede ser voluntario, con una práctica espontánea y en ocasiones en estado de embriaguez. En la mente de los estudiosos, desde Dong Qichang (1555-1636) debemos distinguir dos tradiciones pictóricas: la Escuela del Norte y la Escuela del Sur , que está más atenta al espíritu que a la letra en la evocación de un lugar y formas. Esta distinción tuvo un impacto decisivo en la dirección general de la producción pictórica en China y mucho más allá.
A estos dos grupos se agregó una institución imperial. La Academia , a principios de la dinastía Tang, está formada por pintores profesionales, monjes pintores y pintores profesionales letrados que se agrupaban, como artistas de la corte, en diversas organizaciones correspondientes a academias de pintura. La Academia oficial fue establecida en Bianling ( Kaifeng ) por los Song del Norte, luego restablecida en Hangzhou , bajo los Song del Sur. Esta institución se mantuvo hasta el final de la dinastía Qing.
Con el fin del imperio cesó el reclutamiento de eruditos. Un nuevo tipo de artista intelectual, técnica y artísticamente innovador, surgió desde los primeros días del arte moderno chino .
La clasificación de los pintoresLa pintura está clasificada. Para ello se utilizan varios "criterios". Por encima de las cualidades miao (maravilloso) (que agrada al hombre común) y shen (divino), el grado más alto del arte pictórico, bajo Song, yi (emancipación) tiene una doble connotación que complica su uso. Así, a menudo encontramos en la pintura la asimilación de los "eruditos retraídos" yimin (confuciano) - retirado, o fingiendo serlo, para advertir y corregir al príncipe - y los "eruditos altamente liberados" Gaoyi (taoístas) - sabios taoístas que viven en las montañas (como Fan Kuan ). Así, los Siete Sabios del Bosque de Bambú , eruditos originalmente jubilados, estaban representados en la serie de retratos de eruditos altamente emancipados.
Pintar sobre cerámica, medio que absorbe el color al instante, requiere un gran dominio del gesto rápido y sin arrepentimiento. La pintura así producida conserva la huella del gesto del cuerpo, su energía y su movimiento. Estas características son permanentes en la pintura china independientemente de su medio.
Ya en los Han en el siglo I a.C., la pintura (tinta y colores) ya cubría las paredes de palacios que ya no existen, las paredes de las tumbas a menudo las han conservado parcialmente. La realización de lacas pintadas sobre madera también ha permitido conservar antiguos testimonios de pintura antigua, con las cualidades gráficas propias de este medio .
Los artistas también pintaron sobre rollos de seda , un tafetán de seda y posteriormente sobre hojas de papel , posiblemente ensambladas para constituir una gran superficie de papel ...
Durante la dinastía Qin , el extenso trabajo arquitectónico y de jardinería realizado por Qin Shi Huang (o Shi Huangdi, 221-206 a. C.), el Shanglinyuan , dio un nuevo impulso a una antigua tradición de jardines. Desde los primeros jardines privados oficiales de los aristócratas, desde el siglo III E , pero especialmente con la Canción , el jardín se convirtió en una práctica codificada. Desde Tang en adelante , la jubilación se celebra a menudo en poemas y pinturas. El jardín es un lugar de placer y de autocultivo. Se convierte en un problema ideológico y cultural real bajo el Yuan . Los literatos, como funcionarios instalados temporalmente en puestos más o menos distantes de la corte o habiendo optado por retirarse para no colaborar con estos "extranjeros" mongoles, harán de una práctica artística, un arte , en el sentido pleno y entero que es el tema de tratados, donde cada elemento es significativo en su relación con el conjunto. Los literatos encuentran su inspiración en las mismas representaciones taoístas que encontraron el arte de la caligrafía, cuyos múltiples aspectos desarrollaron en la pintura filosófica de paisajes (ver arriba: la dinastía Yuan). Y como no se puede concebir una pintura con letras sin colofón, sin caligrafía, no se puede concebir un jardín letrado sin inscripción, en piedras o en tablas, o en letreros, puertas, etc. que comunican al caminante una emoción, un sentimiento, un pensamiento del lugar. Durante el período Ming donde los jardines y floreció bajo la dinastía Qing vieron la creación de impresionantes jardines de esplendor de los jardines de Suzhou a XVI ° y XVII ° y al final del Imperio, para la emperatriz Cixi , el jardín de la Armonía conservado , o Palacio de Verano .
Las rocas calizas (Yang) del lago Tai , excavadas en innumerables vacíos, signos del paso del agua (Yin), son la forma más singular. El Vacío que los penetra por todos lados participa en la evocación del "Vacío Mediano" en el taoísmo chino, que pone en juego la energía vital dentro del corazón mismo de la materia, la montaña en particular. Y la montaña, real o representada en el jardín, resiste el desgaste, como la piedra, y se eleva mientras cambia. Si la piedra revela cavidades que parecen órbitas de esqueletos de dragones , también evoca el aliento que pasa con el agua en el valle, en el corazón de la montaña.
En el jardín chino diseñado por los eruditos, como en la pintura de los eruditos , el bambú es la planta más popular. Simboliza la amistad duradera y la longevidad. Evoca los valores a los que los eruditos, en particular durante la dinastía Yuan , están más apegados, porque se identifican con el bambú. No solo por su proximidad a la línea caligráfica, con la huella del pincel, sino también porque es flexible, se dobla bajo tensión, sin romperse y resiste (!) El bambú se encuentra a menudo entre los " tres amigos del invierno ": bambú, pino (por su “rectitud” y “firmeza”) y flor de ciruelo por su sensualidad y renovación permanente.
Lo que parece unirse a este pensamiento citado y traducido por François Cheng: Lao-tzu [Lao-tseu] (cap. XXII):
“Inclínese para permanecer honesto; inclinarse para mantenerse erguido; vaciar por una plenitud; marchitarse para un avivamiento. "El budismo en China es poco a poco filtraciones finales I er siglo después de Cristo por la ruta de la seda . Las prácticas artísticas que ofrecen soportes materiales para la devoción , colectiva o privada, el arte budista constituirán una parte importante del patrimonio artístico de China. Los oasis de la Región Autónoma Uigur de Xinjiang en la era de los reinos independientes ( II e - VII th siglos) de la cuenca del Tarim ( Miran , Tumchuq, Kucha , Karasahr , Turfan ) y Dunhuang y contienen un tesoro artístico inmensa conservados en cuevas talladas en un acantilado y los restos de los dos mayores budista santuarios Xinjiang: las pinturas y esculturas de este largo período ( III e en el XIV ° siglo) proporcionar elementos para apreciar la historia de los intercambios culturales y artísticos con el mundo indígena y el arte budista de la India origen.
En términos de escultura, como lo subraya Thierry Zéphir: "la imagen china más antigua del Buda, un bronce dorado que representa a Sâkyamuni meditando, atestigua el impacto del arte de Gandhârian , transmitido por los oasis de Asia Central en un tipo. Contratista cuyas cuevas en la segunda mitad de la V ª siglo Yungang , en Shanxi , ofrecen muchos monumentos ejemplos " .
Por el contrario Dunhuang geográfica, esta vez hacia el este, Shanxi , el sitio de Yungang ( V º - VI th siglos) es la antigua capital de Wei del Norte de la IV ª siglo. Su rico patrimonio de esculturas budistas permite comparaciones por una parte con los de Dunhuang y Longmen ( VI e - X ª siglos), el otro con esculturas hechas anteriormente en el imperio de Gupta ( IV e - V ª siglos) y finalmente con la Budas de Shandong (el VI th a la XI ª siglo) expuestos a museo Cernuschi en 2009. Además el sitio de grabados rupestres de Dazu , en Sichuan , ofertas un hermoso conjunto en el periodo comprendido entre el IX e al XIII ° siglo.
El personaje del arhat Tamrabhadra, representado en la imagen opuesta (escultura de terracota vidriada " tres colores "), sería el sexto arhat Bhadra. Los quinientos arhats alcanzaron, en contacto con el Buda, la perfecta comprensión de su enseñanza. Participaron en el Primer Concilio y, como los Bodhisattvas , hicieron el voto de no entrar al nirvana mientras hubiera seres infelices en este mundo. Esta obra da testimonio del sentido de la animación y de la vida que es particularmente evidente entre los artistas de las dinastías extranjeras de la China Song, en la actual China septentrional. Finalmente, entre las imágenes devocionales más populares, las que representan a Guanyin , en su forma femenina, han dado a los artistas la oportunidad, tanto en la escultura como en la pintura y en la cerámica, de jugar con curvas y contracurvas multiplicando cintas, vestidos y joyas en un cuerpo a veces majestuoso, a veces esbelto y flexible, según convenciones y modas, a lo largo de los siglos.
Arte y prácticas ascéticasLa pintura de los monjes pintores del budismo Chan es una práctica ascética . La espontaneidad que Occidente le ha retenido no se encuentra allí de forma sistemática. Por otro lado, es muy aparente y calculado en el gesto de la tinta salpicada que sugiere en la mancha el movimiento de la mente. Este es el caso de dos pintores de la dinastía Song , Liang Kai y Mi Fu . La extrema sencillez, el despojo de las composiciones atribuidas a Mi Fu participan de toda una tradición alfabetizada propia del arte chino de la pintura donde se manifiesta una visión espiritual en el gesto del pincel, ya se trate de paisajistas o de calígrafos y que son de tradición budista y / o taoísta. Después de Liang Kai y Mi Fou, este camino pictórico “excéntrico” es aún más el de los pintores de las dinastías Ming y Qing , en particular Zhu Da y Shitao , por mencionar solo a aquellos grandísimos artistas cuyo arte manifiesta su vida espiritual.
Los chinos son las primeras personas en el mundo (y por más de un milenio, la única) para haber dominado las técnicas de fabricación de la porcelana de la dinastía de los Han del Este ( I st y II ª siglo ).
A partir de esta fecha, la técnica de la porcelana no dejará de desarrollarse y mejorar en China, a lo largo de las dinastías Tang ( porcelana Xing ), luego bajo el Song con porcelana Qingbai , el Yuan (y especialmente el Ming ) con porcelana "azul y blanca" , luego finalmente bajo la dinastía Qing , con la multiplicación de los tipos de porcelana más refinados, alcanzando además el pico de las exportaciones a Europa, con las porcelanas Qing del Kangxi "Azul y blanco" , de la "familia rosa", o el " familia verde ".
Sólo al comienzo de la XVIII ª siglo que Europa va a dominar la técnica, a su vez, en parte también debido a las revelaciones hechas por el padre de Entrecolles en 1712 sobre las técnicas utilizadas en la capital china de la porcelana, Jingdezhen .
Las lacas chinas proceden del trabajo de una goma derivada de Rhus Successdanea "la" laca. Este árbol del Lejano Oriente aporta una goma resinosa que, aplicada en capas sucesivas, confiere a muebles, mamparas y cajas lacadas un brillo incomparable y una resistencia extrema en el tiempo. En algunas obras fue necesario aplicar veinte capas de laca para obtener el brillo. Muchos objetos de madera artísticamente elaborados fueron cubiertos parcial o completamente con laca hace más de 3.000 años. En los ataúdes de la época de los Reinos Combatientes, las lacas de colores evocaban las formas inspiradas en el trabajo de bordadores y tejedores. Pero la producción de lacas ha aumentado considerablemente en los IV ª siglo aC y en los siglos siguientes, con lavavajillas funeral y pinceladas de energía más responsable en el gesto de evocar las nubes, dragones y las "respiraciones", las metamorfosis, el paso de las aves. Las pinturas murales los acompañaron a las tumbas en la época Han.
Las increíbles propiedades aislantes y protectoras de las lacas, su solidez en el tiempo y en el uso, iban a dar a este material (caro y peligroso para trabajar) un éxito universal que se beneficiaba de la flexibilidad del trabajo del pincel. Por lo tanto, era posible mantener algunas pinturas de laca que data de la V ª siglo, con personajes y textos en laca caligrafía como una pintura sobre seda contemporánea. Varias incrustaciones, en conchas, oro y plata, han enriquecido la paleta de los artistas de laca.
El dragón, el más famoso de los híbridos chinos , es una forma específica del dragón oriental que se encuentra en todo el Lejano Oriente. En China , tanto en los cuentos más antiguos como en el arte figurativo tradicional, los dragones ocupan un lugar destacado. Son seres fabulosos con una fuerza extraordinaria pero tienen personajes que los distinguen entre sí. Así, el dragón Shen-long, alado con escamas azules, es una figura protectora, benévola y vivificante que simboliza el poder del emperador (desde los Han en adelante) y su supremacía sobre los enemigos de China. Una fantástica representación de este legendario ser se puede encontrar en la Ciudad Prohibida de Pekín: aparece en bajorrelieve sobre placas de cerámica policromada. Es un motivo omnipresente en las artes figurativas, cada vez con significado según el contexto.
Máscara Cuenca del Tarim , II e millennium av. ANUNCIO , encontrado cerca de Lop Nor . Museo Nacional de Tokio .
Elementos de cinturón con fantástica decoración de animales. Arte de las estepas , xianbei I st Century- III ª siglo. Oro. Hebilla: L. 9.3 cm . Museo de Mongolia Interior, Hohhot .
Pareja ricamente vestida. Escena de la predicación del Buda. Kucha, Duldur-āqur. Xinjiang. Mural, a partir de la VI ª siglo. Museo Guimet , París.
Donantes kutcheanos , con cabello y ojos claros. Elemento mural de la VI ª siglo desprendido de las cuevas de Kizil . Museo de Arte Asiático de Berlín .
Baile de Vajrayoguini . Tíbet chino al este de Lhasa , XV ° siglo. Cobre dorado, 28,58 × 24,77 × 7,62 cm . Museo de Arte del Condado de Los Ángeles .
Dakini baile, cobre dorado con restos de policromía, XVIII ° siglo (?), El Tíbet chino . Museo Guimet , París.
Palacio Blanco de Potala , 1649. Tíbet chino .
Chörten entre Ganden y Lhasa . Tíbet chino .
Mausoleo de Abakh Khoja , 1600-1640. Decoración envolvente de loza , esgrafiado en iwan . Curvos minaretes . Kashgar , Xinjiang .
Pilares y techo con decoración geométrica policromada de la mezquita. Mausoleo de Abakh Khoja . Kashgar , Xinjiang .
Miao bebé portador . Bordado y tejido tujia modeladas en trenzas que enmarcan un cuadrado de impresiones de la cera ( batik Miao). Museo de las Nacionalidades de Yunnan (en) , Kunming .
Ropa femenina, de la etnia Dai . Bordados, colores, materiales y técnicas diversas compuestas. Museo Provincial de Yunnan (en) , Kunming
Cuestionar la diversidad de formas de arte en China requiere tomar en consideración los grupos étnicos de China y las fronteras fluctuantes de China a lo largo de la historia. Si el grupo mayoritario Han es objeto de estudios precisos al estudiar el arte chino, otros grupos étnicos generalmente no se mencionan, si no marginalmente, en particular en el estudio del arte chino Arquitectura china . Pero otros ángulos de análisis, la religión, por ejemplo, permiten abordar ciertos aspectos: el arte budista , el arte islámico o el animismo . También podemos abordar estas cuestiones, incluida la arquitectura vernácula y las artes de la vestimenta, estudiando las prácticas artísticas populares de regiones autónomas como la Región Autónoma Uigur de Xinjiang o regiones periféricas de la República Popular China, como Yunnan . El notable Museo de Yunnan en Kunming presenta los logros del arte textil popular de los grupos étnicos Dai , Miao …) y Tíbet y sus bordados . Estos han sido objeto de exposiciones en Occidente debido a sus cualidades estéticas y su diversidad, donde el bordado a menudo se integra en otros medios de realce y expresión textil. Allí se expresa la comunidad en cuestión, a través de la función de cada objeto, y el artista-artesano a través de sus elecciones. La mayoría de las veces son las mujeres las que fabrican estos textiles. La diversidad de procesos de tejido asociados con las técnicas de impresión que utilizan los efectos de la cera, y similares al batik , han hecho famosos a los bordadores Miao .
Además, a menudo es la historia antigua la que brinda la oportunidad de importantes desarrollos relacionados con el arte de estos grupos étnicos, ya que las formas artísticas que se practican actualmente son mucho menos conocidas en Occidente. Por lo tanto, en Xinjiang es a través de la historia antigua que descubrimos los muchos sitios antiguos, incluidas las famosas momias de Tarim , pero también testigos de las culturas de las estepas de Asia Central y Asia Oriental , incluidos los Tokharans. Y, por lo tanto, los Yuezhi , fundadores de Kushan. Imperio en la antigua India y Afganistán. El arte de estas tierras que atravesaron las fronteras actuales comienza a estar bien documentado. El momento del gran avance del budismo, contemporáneo con la tierra de la Ruta de la Seda , permitió el surgimiento de un arte en el que destacan los intercambios con el arte de Gandhara en el actual Afganistán, la influencia del arte helenístico mucho tiempo después. Alejandro Magno y el Arte indio de los Gupta . El arte producido por estos antiguos intercambio cultural se puede ver más claramente con el Buda de Keriya (primera mitad del III ° siglo), los de las cuevas de Kizil ( III º siglo - IX ° siglo), y las de Mogao ( Dunhuang ) ( IV ° siglo - XIV ° siglo). Estos tres lugares se consideran "perlas en los márgenes del desierto de la cuenca del Tarim ". Más cerca de nosotros, los monumentos de la cultura islámica anclados firmemente en una rica tradición local también dio formas singulares a Kashgar ( Mausoleo de Abakh Khoja , entre otros) y para Tourfan (el minarete de la mezquita Emin), en el décimo octavo siglo. Siglo.
Las artes tibetanas y su forma contemporánea , por su importancia y sus características históricas y estéticas, necesitan ser estudiadas en el conjunto cultural tibetano que va mucho más allá del marco del arte chino.
: documento utilizado como fuente para este artículo.
Mundo chino : vea también museos de arte contemporáneo en la página de arte chino contemporáneo . Lista de museos en la República Popular China: Lista de museos en China .
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