Musica minimalista

La música minimalista es una música contemporánea actual surgida en la década de 1960 en Estados Unidos , que es una parte importante de la música clásica en este país . En Francia, a la corriente se le llama frecuentemente música repetitiva , y más específicamente designa todas las obras que utilizan la repetición como técnica de composición. Los principales compositores de música minimalista son La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass y John Adams . La obra considerada fundadora del minimalismo es In C de Terry Riley , compuesta en 1964 . La música minimalista a veces se denomina bajo la etiqueta más amplia de música posmoderna .

Más que un retorno a la tonalidad , la corriente se caracteriza principalmente por el uso de una pulsación regular y la repetición de patrones cortos que evolucionan lentamente. Más allá de un movimiento de reacción al serialismo , entonces dominante en Europa, la música minimalista marca el surgimiento de la música estadounidense innovadora, desatada de sus lazos europeos. Los compositores minimalistas también han vuelto a la emoción más musical, en lugar del enfoque esencialmente intelectual de la música en serie , o el enfoque conceptual de la música experimental como la práctica de John Cage . Tras difíciles inicios fuera de los circuitos tradicionales de la música clásica , la música minimalista ha adquirido el apoyo de un público determinado, en ocasiones procedente de diferentes universos como el jazz , el rock , la música improvisada o la electrónica . La televisión y el cine han utilizado ampliamente esta música, especialmente las obras de Philip Glass, contribuyendo a su difusión entre el gran público. También se han expresado violentas críticas desde el mundo musical hacia la corriente minimalista, acusándola de producir música de consumo, superficial y desalmada.

General

Presentación

El término música minimalista se utiliza generalmente para referirse a una corriente de música contemporánea que apareció en la década de 1960 en Estados Unidos con los compositores La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass. El movimiento se desarrolla principalmente en las dos regiones de los Estados Unidos tradicionalmente más abiertas a las innovaciones artísticas y las influencias de culturas no europeas: Nueva York y la Costa Oeste . El minimalismo también tiene seguidores en Gran Bretaña ( Michael Nyman , Gavin Bryars ), Holanda ( Louis Andriessen ), Francia ( Renaud Gagneux , Bruno Letort ), pero sigue siendo sobre todo un fenómeno americano.

El término se usa a veces de manera más general para incluir a ciertos compositores de música experimental o de música posmoderna . En particular, a veces se hace referencia a Arvo Pärt y Henryk Górecki como compositores minimalistas, aunque poseen preocupaciones muy diferentes de las de los repetidores estadounidenses.

La música minimalista marca una ruptura con las vanguardias y un retorno a la música tonal , o en ocasiones modal . También se caracteriza generalmente por una cierta sencillez y economía de medios. Dependiendo de los compositores, se utilizan varias características: el uso de procesos compositivos sistemáticos, estructuras repetitivas y pulsaciones regulares para repetitivos estadounidenses, una influencia de la música religiosa y medieval para Arvo Pärt y Henryk Górecki, el retorno a ciertas formas clásicas ( cuarteto , sinfonía …) Para John Adams .

El año 1976 marca un pico del movimiento minimalista en su conjunto con las creaciones concomitantes de Music for 18 Musicians de Reich, la ópera Einstein on the Beach de Glass, De Staat de Louis Andriessen, de Für Alina, la pieza fundadora de Arvo Pärt. estilo tintinnabuli y la Tercera Sinfonía de Henryk Górecki. Todas estas obras tienen en común, además de la fecha de sus estrenos, que representan un pivote en la carrera de sus compositores, ya sea por ser la culminación de una obra teórica o por constituir el inicio de un nuevo estilo de escritura que traen consigo un "soplo de aire fresco" en el mundo de la música clásica del XX °  siglo .

Fondo musical

La música contemporánea de los años 1950 a 1960 está dominada por el serialismo pleno y vanguardista europeo en torno a Pierre Boulez , Luigi Nono , Bruno Maderna , Luciano Berio , Karlheinz Stockhausen ... Los compositores están experimentando con las nuevas tecnologías electrónicas y funden así el bases de la música electrónica y la música concreta , bajo el impulso en particular de Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen y Pierre Henry .

En Estados Unidos , la figura de John Cage domina, en un enfoque esencialmente conceptual, cercano a suceder , con la indeterminación como hilo conductor. También es el momento de la creación del movimiento artístico Fluxus , con el objetivo de traspasar los límites de la noción misma de obra de arte, que también influye en los minimalistas. Los años 1950 a 1960 también vieron el nacimiento y desarrollo bajo la influencia de John Coltrane y Ornette Coleman, el free jazz que marca particularmente a los compositores estadounidenses de la época.

La música popular tampoco puede ignorarse en el contexto musical. El surgimiento de la dominación del rock , el descubrimiento en Occidente de la música extra-occidental , y en particular la música india , también ejerció una influencia sobre los minimalistas.

En el término minimalista

El origen del término "minimalista" para calificar el movimiento minimalista sigue sin estar claro. Al compositor británico Michael Nyman se le atribuye generalmente su libro Experimental Music: Cage and beyond de 1974 .

Sin embargo, ya en 1968, Nyman había utilizado el término "mínimo" en un artículo titulado Minimal Music sobre el trabajo de los compositores Cornelius Cardew y Henning Christiansen .

Nyman utilizará más tarde el término “minimalista” para describir no solo la corriente estadounidense, sino también la producción de música experimental inglesa (incluidos los compositores Gavin Bryars , Christopher Hobbs , Michael Parsons …).

El crítico musical Tom Johnson también utilizó el término en marzo de 1972 en relación con un concierto de Alvin Lucier . Johnson usará el término minimalista para describir las composiciones de Steve Reich , pero el vocabulario está cambiando y, a veces, usa "música hipnótica" . En 1977 , el periodista escribió un artículo titulado “¿De qué se trata realmente el minimalismo? En el que el término "música minimalista" ya está bien establecido.

También están los términos de la música de pulso , música sistemas , procesan la música , la música trance , música hipnótica , o en francés música repetitiva , que es ampliamente utilizado en Francia, y es el término que Steve Reich encuentra el "menos malo" .

El adjetivo minimalista, y más aún el adjetivo minimal, introduce confusión sobre la naturaleza de la música minimalista. Aunque este último utiliza material musical parsimonioso y cierta economía de estructura musical, el término describe mal la naturaleza de la música. De hecho, las piezas pueden ser muy largas, requieren muchos músicos y la orquestación puede ser bastante compleja. También puede percibirse como peyorativo, en el sentido de que la música mínima sería inferior a la "música normal" y habría requerido poco esfuerzo compositivo. Otra confusión surge del hecho de que el minimalismo es un término tomado de los historiadores del arte, y que la música minimalista no siempre comparte similitudes con el minimalismo de las artes visuales.

Los compositores generalmente no están del todo satisfechos con la denominación. Solo La Monte Young encuentra adecuado el término, y solo para sus primeras obras. Philip Glass prefiere el término "música sin intención" o "música con estructura repetitiva" .

Orígenes

Un precursor e influencia: Erik Satie

Los inicios de la música minimalista se pueden encontrar en ciertas obras de Erik Satie , en particular a través de su uso de la forma repetitiva en ostinato visto como un "sobrepaso extático del tiempo en la repetición, en la obsesión contemplativa con el mismo" y que sirve de base para varias composiciones. La Première Gnossienne (1890) es la primera pieza que escribió según un patrón repetitivo, que experimentó más con su obra mística Vexations (1892-1893). Este último consiste en repetir el mismo motivo 840 veces seguidas, siendo la pieza la duración de hasta veinte horas. Vexations se representará por primera vez por iniciativa de John Cage en 1963 en Nueva York , es decir, en los años del nacimiento del minimalismo. Meredith Monk , a menudo asociada con la corriente minimalista, participará en una actuación de Vexations en un festival de Satie en 1966, y Gavin Bryars y Christopher Hobbs harán lo mismo en Leicester en 1971.

Satie es citada por los minimalistas como referencia, especialmente por Steve Reich . También se le rinde un homenaje en forma de guiño con la composición de Philip Glass , Pieza en forma de cuadrado , una referencia a Tres piezas en forma de pera , así como sus obras Música con piezas cambiantes y Einstein en la playa: adoptan una forma de progresión de movimientos arqueados del tipo ABCBCA que utilizaba anteriormente Satie. Para Michael Nyman , Satie es "indispensable por varias razones" , y lo considera el único compositor pre-experimental cuya obra es indispensable.

Serialismo

Más sorprendentemente, Anton Webern , alumno de Arnold Schoenberg y miembro de la Segunda Escuela de Viena , también ejerció una influencia en el movimiento minimalista. En particular sobre La Monte Young , que cita las secciones estáticas de Six Bagatelles para cuarteto de cuerda (1913) y la Sinfonía, op. 21 (1928) como obras que le ayudaron mucho en la transición del serialismo al minimalismo. El hecho de que Webern sea también una gran influencia del post-serialismo que se desarrolló al mismo tiempo en Europa, pero con concepciones musicales radicalmente diferentes, es a veces señalado como "paradójico" por los musicólogos.

Figura del serialismo y de la escuela de Darmstadt , Karlheinz Stockhausen tiene sin embargo vínculos con el movimiento minimalista. Obras como Stimmung , Mantra e Inori utilizan material minimalista y reparten el tiempo. La Monte Young fue a estudiar con Stockhausen en Darmstadt , y lo consideró en ese momento como el más grande compositor vivo. Terry Riley también tiene un gran interés en las obras de Stockhausen, en particular las complejidades rítmicas de Zeitmasze, así como en Arnold Schönberg .

De manera más general, todos los minimalistas han estado expuestos al serialismo, Steve Reich como estudiante en Mills College , quien inmediatamente sintió que tenía que alejarse de él lo antes posible, o Philip Glass, que compone obras atonales hasta los 18 años antes de cambiar de estilo. .

Vanguardia americana

John Cage ejerció una gran influencia en los años de nacimiento del minimalismo. El compositor de música experimental y de vanguardia más importante de Estados Unidos , sus ideas repercuten, directa o indirectamente, en la obra de los minimalistas. Algunas de las piezas de Cage pueden parecer ligadas al minimalismo, destacando sus primeras composiciones, o el famoso 4′33 ″ que data de 1952 , la composición más mínima posible, ya que está compuesta íntegramente por silencio. Sin embargo, Cage es muy crítico con el minimalismo, y su técnica preferida, la indeterminación (o no intención), es decir, el uso de la aleatoriedad , en las obras o en el proceso de composición en sí, será fuertemente rechazada por los minimalistas.

En su libro Experimental Music: Cage and beyond , Michael Nyman plantea claramente el minimalismo en un contexto post-Cage, como una reacción a la indeterminación querida por este último. Sin embargo, los musicólogos han notado similitudes con el trabajo de Cage, en particular en el interés por la estructura más que por el material, el hecho de que la música se crea mediante procesos compositivos y la expresión musical evitando el ajuste por delante de la personalidad del compositor, confiando en la experimentación para ir más allá de la imaginación del compositor.

Otro compositor estadounidense de la generación de Cage vinculado a los minimalistas es Morton Feldman . Feldman también utiliza la indeterminación y el azar en sus obras, pero se siente atraído por sonidos duraderos y paisajes sonoros tranquilos y planos. Aunque generalmente no se le considera un minimalista, algunas de sus piezas, en particular Piece for Four Pianos (1957), pueden parecerse a las piezas posteriores de Steve Reich utilizando el cambio de fase . Reich también reconocerá su admiración por Feldman.

Música extra-occidental

En las décadas de 1950 y 1960 , Europa occidental y Estados Unidos descubrieron la música extra occidental . Esta música, generalmente basada en modas, influirá en todos los compositores minimalistas.

Viviendo en la costa oeste , La Monte Young descubrió la música india en 1957 en el campus de UCLA . Cita a Ali Akbar Khan ( sarod ) y Chatur Lal ( tabla ) como particularmente llamativos. La música india tendrá una influencia decisiva en Young, y particularmente en el descubrimiento de tampoura , que aprendió con Pandit Prân Nath . El avión no tripulado papel de la tampoura fascina Young, y empuja su interés hacia los sonidos de larga duración. Young también reconoce la influencia de la música japonesa y, en particular, el gagaku . Esta influencia se ejerce en la obra considerada la partida de nacimiento del minimalismo, Trio for Strings (1958).

Terry Riley descubrió la música extra occidental durante su estancia en Europa, en particular la música marroquí , así como la música india, a través de La Monte Young. También colaboró ​​con Prân Nath para el CD Music from Mills (1986).

Para Steve Reich , fueron las lecciones de William Austin en Cornell las que lo introdujeron a la música del mundo. Austin hace que sus estudiantes escuchen música africana y balinesa , lo cual era bastante raro para la época. Por recomendación de Gunther Schuller , Reich estudió el libro Studies in African Music de Arthur Morris Jones , que le causó una fuerte impresión. En 1970, decidió ir a estudiar percusión en Ghana durante el verano , lo que tuvo el efecto de confirmar sus intuiciones sobre el rico sonido de los instrumentos acústicos (a diferencia de los instrumentos electrónicos) y su gran interés por la percusión. La obra Drumming ( 1971 ) es en parte el resultado de este viaje. Los músicos Russell Hartenberger y Robert Becker de Nexus , miembros regulares del conjunto instrumental de Reich, también estudiaron percusión africana. Durante los veranos de 1973 y 1974, Reich también fue a estudiar el gamelan balinés en la costa oeste de los Estados Unidos. Reich declaró en 1973 que "la música no occidental es actualmente la principal fuente de inspiración de nuevas ideas para los compositores y músicos occidentales" .

Para Philip Glass , fue su encuentro con Ravi Shankar en París en 1965 lo que lo introdujo a la música india. Descubre un principio de acumulación de pequeñas unidades musicales para formar otras más grandes que influirán fuertemente en su forma de componer. Glass también realizará numerosos viajes a India en diferentes partes del país para descubrir su música y cultura.

Jazz

El jazz es de gran importancia para el minimalista. Todo el mundo reconoce su influencia, y en particular el jazz modal de John Coltrane , el free jazz y Ornette Coleman .

La improvisación es fundamental para Terry Riley , como en La Monte Young . Este último es saxofonista y tiene experiencia en el jazz como instrumentista, ejercida principalmente durante sus años de bachillerato y universidad. En Los Ángeles , tocaba en grandes bandas y en pequeñas formaciones, en particular con Eric Dolphy , Don Cherry , Billy Higgins , y estaba considerando dedicarse al jazz. La influencia del jazz es claramente visible en sus obras, en particular en su forma de tocar el saxofón sopranino , o su interés por las formas de improvisación. Riley es pianista y estudió ragtime con Wally Rose , y lo tocó para ganarse la vida como estudiante universitario y mientras estaba en Francia. Riley también quedó impresionado con John Coltrane, que inspiró, entre otras cosas, su aprendizaje del saxofón soprano .

Para Steve Reich , el jazz también es una influencia significativa. Reich es baterista de formación y ha actuado en grupos de jazz en la escuela secundaria y en la Universidad de Cornell . John Coltrane lo marcó extremadamente, fue a verlo muy a menudo en conciertos y cita los álbumes My Favorite Things y Africa / Brass como particularmente llamativos. Para Reich, es impensable que su música pudiera haber visto la luz sin el jazz, en particular el ritmo , la flexibilidad y el sentido melódico del jazz, que le parecen influencias fundamentales.

A diferencia de sus compañeros, Philip Glass , de formación musical más exclusivamente clásica, no ve el jazz como una de sus influencias, aunque reconoce haber estado fascinado por el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane.

Movimiento minimalista

El movimiento minimalista apareció en la década de 1960 con la obra de La Monte Young y Terry Riley , considerados precursores. Steve Reich y Philip Glass ampliarán sus ideas y desarrollarán procesos de composición que resultarán muy exitosos.

Sin embargo, el minimalismo sólo concierne a una parte de las obras de estos compositores, y se considera que el minimalismo, tal como se define generalmente, finaliza a mediados de la década de 1970. Elementos musicales más ricos, más melodía y armonía, incluso contrapunto . La incorporación de estos elementos, sin romper con su trabajo anterior, trae una clara evolución. A veces hablamos de posminimalismo, en particular para John Adams . Philip Glass dice explícitamente que, para él, el minimalismo termina en 1974, debido a su plena implicación en el "teatro musical" a partir de ese momento.

Personalidades, a veces denominadas "minimalistas místicos" , como Arvo Pärt , que apareció a finales de la década de 1970, no son, en cambio, los herederos directos de las repeticiones americanas sino que también se incluyen bajo la bandera del posminimalismo, o más generalmente del posmodernismo.

Compositor precursor: La Monte Young y Terry Riley

En general, se considera a La Monte Young como el iniciador del movimiento minimalista, en particular con su pieza Trio for Strings ( 1958 ). Young se inspiró en ese momento en Webern y creó un universo sonoro casi estático con notas largas sostenidas durante varios minutos y muy poca evolución. Esta pieza también servirá de base a Young para su futuro trabajo con drones , y es uno de los orígenes del llamado movimiento musical de drones . Young, sin embargo, sigue componiendo utilizando el sistema de 12 tonos , aunque se diferencia de él por el uso de notas sostenidas y prefiere los intervalos basados ​​en acordes perfectos y séptimas mayores . Trio for Strings produce música como ninguna otra de la época, creando una atmósfera meditativa y "de otro mundo " .

Fue Terry Riley quien introdujo dos elementos fundamentales del minimalismo: el regreso a la música tonal y la repetición de motivos musicales. En String Quartet (1960), Riley se acerca a la clave, mientras se basa en gran medida en La Monte Young, con el uso de notas largas y sostenidas. Fue en String Trio (1961) donde Riley introdujo por primera vez una estructura basada en la repetición de patrones. El uso de la repetición proviene en parte de los experimentos que Riley realizó con cintas en el San Francisco Tape Music Center .

Pero es sobre todo In C ( 1964 ) el que marca una etapa importante en la definición de música minimalista. El título puede verse como particularmente provocador para la vanguardia serial, ya que anuncia un regreso a la música tonal, en la tonalidad más simple posible, Do mayor . En C está escrito para cualquier número de músicos e instrumentos. La pieza tiene 53 motivos musicales, que cada intérprete repite tantas veces como desee, siguiendo unas recomendaciones. In C generalmente se considera la obra fundacional del minimalismo, que incluye todos sus elementos: pulsación regular, música tonal y un conjunto de patrones cortos repetidos, elementos que crean un universo musical por derecho propio. El trabajo fue grabado por Columbia Records , que lanzó un CD en 1968. Fue ampliamente distribuido e interpretado, en particular por Toru Takemitsu en Japón y Cornelius Cardew en Inglaterra.

Compositores que repiten: Steve Reich y Philip Glass

Los experimentos de Riley con cintas e In C tienen una influencia fundamental en Steve Reich . Éste participa en la creación de In C como músico, y reconoce que la pieza, al reunir elementos de la música africana, aportes de John Coltrane y los ensayos de cintas magnéticas, lo ayudó fuertemente a encontrar su propio camino, especialmente para Va a llover ( 1965 ). Steve Reich desarrolla a partir de esta pieza una técnica llamada cambio de fase / cambio de fase . Aplicada primero a las cintas magnéticas, el compositor experimenta luego la técnica en instrumentos acústicos, que dará en particular las piezas Piano Phase ( 1967 ), Violin Phase ( 1967 ). Reich continuaría usando el proceso de cambio de fase hasta 1971 y Drumming ( 1971 ) lo consideró un trabajo de transición. El término "música de fase" se utiliza a veces para designar la música escrita a partir de esta técnica que constituye en la obra del compositor su período llamado "minimalismo temprano" . Después de este período, Reich se alejó de las técnicas simples de fases para escribir obras más ambiciosas en términos de tamaño instrumental, duración y técnicas, desarrollando principalmente su investigación hacia la armonía y la pulsación rítmica. Este período del llamado “minimalismo maduro” culminó con las piezas Música para 18 músicos ( 1976 ) o Música para un gran conjunto ( 1978 ). Un tercer período de composición comenzará con piezas como Tehillim ( 1981 ) pero especialmente The Desert Music ( 1984 ) y Different Trains ( 1988 ) que están marcadas tanto por el uso de voces como de palabras como medio de escritura. De una “melodía de discurso ”, pero también el claro compromiso filosófico y espiritual del compositor en sus posteriores composiciones.

Philip Glass , después de un período de prueba y error en su investigación estilística de finales de la década de 1960 caracterizada por el uso simple de procesos de repetición / acumulación (como en Two Pages y Music in Fifths ), logró un gran avance en términos de timbre y armonía. con la composición Music with Changing Parts ( 1970 ) que marca el inicio de sus composiciones denominadas de “minimalismo maduro” . Continuará en esta dirección con la culminación de sus nuevas bases de escritura en la pieza Música en doce partes ( 1974 ). Un punto de inflexión en su carrera se produjo en 1973 con la reunión del director Bob Wilson, quien le pidió que compusiera la música para la ópera-maratón Einstein on the Beach ( 1976 ). Esta obra constituirá la primera parte de su famosa trilogía lírica, completada por Satyagraha ( 1980 ) y Akhnaten ( 1984 ), en la que aparecen paulatinamente los motivos temáticos tan característicos de las composiciones de Glass. A partir de mediados de la década de los ochenta, avanzó hacia la escritura masiva de seis cuartetos , nueve sinfonías y seis conciertos , variando los temas y ritmos que ahora representan su marca registrada, inmediatamente identificable, pero alejándose de toda nueva investigación formal dentro del movimiento minimalista. Por otro lado, está ganando popularidad entre el público en general, en particular gracias al mundo de la música pop y el cine que utiliza en gran medida sus creaciones más o menos originales, a diferencia de Steve Reich, que es una autoridad y figura de referencia en la música clásica. mundo.

Muchos otros compositores participaron en el desarrollo de la música minimalista en la ciudad de Nueva York en las décadas de 1960 y 1970 . Philip Glass insiste particularmente en el hecho de que hubo una gran vitalidad y variedad de ideas, a las que contribuyeron fuertemente Meredith Monk , Frederic Rzewski , Pauline Oliveros , James Tenney , Charlemagne Palestine , Terry Jennings , Philip Corner , David Behrman , Jon Gibson . , Phill Niblock , Rhys Chatham , Ingram Marshall . Glass lamenta que estos compositores no tuvieran la misma exposición mediática que él o Steve Reich. En dehors de cette communauté new-yorkaise, des travaux se rapprochant du minimalisme, ou directement inspirés par les œuvres des américains, se développent en Europe  : Louis Andriessen en Hollande, Gavin Bryars et Michael Nyman en Grande-Bretagne, Renaud Gagneux et Bruno Letort en Francia.

Posminimalismo y posmodernismo

El posmodernismo musical es una actitud de rechazo frente al aislamiento y el posserialismo hermético, compositores posmodernos que reclaman el mestizaje y la mezcla forma una técnica de collage, el préstamo y la cita. Donde el posserialismo tuvo que hacer un “barrido limpio del pasado” para usar la expresión de Pierre Boulez , el posmodernismo lo toma como referencia. Así, John Adams considera que su música se nutre "no sólo del minimalismo, sino de Alban Berg , Stravinsky , rock'n roll , árabe , música judía , etc." " . Por su retorno a las formas melódicas y tonales, al uso de un lenguaje repetitivo, al uso del collage y la cita, en todas estas características el minimalismo es la corriente más radical del posmodernismo en su ruptura con el posserialismo.

El posminimalismo también preocupa a los primeros compositores minimalistas. Tras Drumming ( 1971 ), Reich enriqueció la instrumentación de sus piezas e hizo evolucionar sus métodos rítmicos y armónicos hacia una mayor complejidad. Asimismo, Philip Glass comenzó a componer para "teatro musical" y ópera a partir de 1974, con inquietudes que se alejaban del minimalismo, en particular del uso de la armonía como en la ópera. Einstein on the Beach ( 1976 ) que marca esta evolución. Por tanto, el posminimalismo se distingue del minimalismo por ser menos radical y experimental.

Los "minimalistas místicos"

Estos compositores a veces se agrupan y se asocian con el movimiento minimalista debido a su uso de ciertos principios compositivos de este estilo (repetición, sonidos prolongados, silencios, cierta simplicidad) y una influencia religiosa cristiana o espiritual abiertamente reclamada en sus vidas. en sus composiciones. Alan Hovhaness es visto a veces como un precursor de esta tendencia, pero son sobre todo el estonio Arvo Pärt , el polaco Henryk Górecki y el británico John Tavener quienes generalmente se asocian con los "minimalistas místicos" . En términos más generales, Giya Kancheli y Sofia Goubaïdoulina a veces también se conservan en esta rama del minimalismo.

Las obras de Pärt y Górecki se caracterizan por el uso de la tonalidad, un material musical sencillo de uso repetido y una composición influenciada por compositores de la Edad Media y el canto llano gregoriano . Ambos, fuertemente marcados por la represión política y espiritual en sus países bajo régimen comunista, comenzaron a componer en la década de 1960 en estilo neoclásico antes de avanzar hacia el serialismo provocando su censura por parte de las autoridades. Pärt recurre entonces a una música de silencio y contemplación al componer Für Alina ( 1976 ), Fratres ( 1977 ) y Spiegel im Spiegel ( 1978 ), fundando obras de este movimiento interno en el minimalismo que sentará las bases de un estilo específico. él describe como tintinnabulum . Este estilo se caracteriza por el uso simultáneo de dos voces, una arpegiando sobre una tríada tónica denominada “tintinnabulante” y la otra descansando sobre un bajo que evoluciona de forma diatónica. Su trabajo, por tanto, se orienta hacia la escritura casi exclusiva de música sacra , la mayoría de las veces coral, desarrollando una "luminosidad de las canciones" . Górecki por su parte hizo su transición entre la música serial y el minimalismo sagrado en 1976, en particular con la escritura de su Tercera Sinfonía que tendría un gran impacto unos años más tarde en Europa Occidental y Estados Unidos, estableciendo así su notoriedad internacional.

Descripción musical

El cuerpo de obras catalogadas como música minimalista está lejos de tener una unidad de estilo o tener características musicales totalmente idénticas. Aunque una clasificación es siempre reductiva, no obstante, se acepta generalmente que la estética de la música minimalista se basa en tres características:

Sin embargo, esto aglutina trabajos con perfiles muy diversos, y el uso de diferentes técnicas musicales. Del mismo modo, las obras de los llamados compositores minimalistas no pueden considerarse minimalistas, en particular las últimas obras de Steve Reich y Philip Glass , o las primeras piezas (a menudo no musicales) de La Monte Young .

Entre la teoría y la intuición

Los pioneros del minimalismo La Monte Young y Terry Riley experimentaron con una amplia variedad de técnicas de composición. La Monte Young produce en particular una amplia variedad de obras: piezas inspiradas en el serialismo y Webern , piezas conceptuales cercanas a John Cage , grupos de improvisación inspirados en la música india y el jazz , piezas basadas en su investigación formal sobre los rangos naturales . Terry Riley es mucho más empírico, experimenta con cintas magnéticas y usa mucho la improvisación .

A finales de la década de 1950, La Monte Young utilizó el serialismo de forma indirecta para crear un nuevo estilo, hecho de largos períodos cuasi estáticos, compuestos por notas largas y sostenidas. La elección de los intervalos también hace que sus composiciones sean características. Ya en 1957 y Variaciones para viola, flauta, fagot, arpa y trío de cuerdas , Young usó principalmente cuartas y quintas justas , así como séptimas mayores , que se encuentran en muchas composiciones como para Brass ( 1957 ). y especialmente Trio for Strings ( 1958 ), considerada la pieza principal del período minimalista de Young.

El lenguaje armónico de Young se basa en parte en estos intervalos, así como en la evitación de la tercera mayor , que dice no expresa los sentimientos que desea. Young aísla cuatro acordes que denomina “  Dream Chords  ”, que se convierten en la base de su lenguaje armónico. El abandono del tercio mayor recibe entonces una justificación teórica con su investigación formal en escalas naturales . A partir de 1961, La Monte Young utiliza la improvisación en el saxofón sopranino , repitiendo secuencias modales a gran velocidad, acompañadas de un dron , donde se nota la influencia de John Coltrane y la música india.

Una parte importante del trabajo de Terry Riley concierne a las cintas magnéticas , en las que se graba a sí mismo al piano, graba discursos, risas, sonidos particulares o programas de radio, y los utiliza como un bucle, es decir, en forma de breves patrones repetidos. Experimenta con varias técnicas para manipular estas cintas, usando un dispositivo para generar efectos de eco por repetición retardada, cambia la frecuencia de los sonidos cambiando la velocidad de las cintas, de forma gradual o repentina, corta al azar trozos de cintas y las pega, esperando para generar fenómenos interesantes. Es esencialmente la repetición de patrones lo que está en el centro de los experimentos de Riley, la repetición de patrones que él también hace tocar a instrumentistas, como en In C ( 1964 ). El enfoque de Riley es más intuitivo y experimental que estructurado, sin embargo el compositor intenta producir una “experiencia abstracta” para el oyente, en la que los sonidos inicialmente reconocibles se distorsionan gradualmente hasta que ya no son identificables.

Otro sello distintivo del trabajo de Riley es el énfasis en la improvisación y el jazz . El compositor a veces usa estándares de jazz , como Autumn Leaves , y desarrolla un estilo particular de improvisación de piano, influenciado en parte por el ragtime . La mayoría de sus piezas posteriores a In C ya no están calificadas, y son en parte improvisadas, en parte construidas a partir de un conjunto de motivos musicales preestablecidos, que se repiten a voluntad, como en el Estudio de teclado n ° 1 y el Estudio de teclado n ° 2 . Los patrones se reproducen rápidamente, sin pausas, para obtener un flujo continuo de notas átonas. Riley también improvisa con el saxofón soprano , sobre todo en Dorian Reeds y Poppy Nogood and the Phantom Band , en el que utiliza patrones repetidos y cintas magnéticas para crear un eco y generar complejos efectos de contrapunto mezclando las voces.

Proceso de marcación audible

Al contrario del enfoque muy intuitivo de Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass definirán procesos de composición rigurosos, que les ayudarán a estructurar sus obras. En general, se considera que Reich es el más talentoso y el más riguroso en la definición de tales procedimientos.

En su ensayo de 1968, La música como proceso gradual , Steve Reich explica su intención de que el oyente escuche un proceso musical. Si retoma la idea de composición creada por un proceso, se opone a John Cage , algunas de cuyas composiciones se basan en procesos aleatorios de construcción de la composición. Reich quiere hacer audible el proceso mismo de construcción de la obra. Otro elemento importante de la disociación con Cage es el rechazo de la indeterminación: los procesos de Reich son puramente deterministas, la aleatoriedad no juega ningún papel.

Estas ideas conducen a un proceso de composición que Reich llama "  phasing  " (cambio de fase en francés). Este proceso de composición, que puede acercarse a la forma clásica del barril, proviene de su trabajo con varios magnetófonos de mala calidad, que perdieron gradualmente su sincronicidad. El phasing se construye a partir de patrones musicales cortos, repetidos ad libitum por varias voces, y consiste en introducir gradualmente un cambio entre estas voces, creando un cambio de fase. La progresión del cambio de fase entre las voces a medida que avanza la pieza crea nuevas estructuras musicales, complica o simplifica los ritmos y armonías, dando efectivamente la impresión del proceso físico de mezclar las voces deseado por el compositor. La superposición de voces por cambio de fase es a veces tan compleja que escuchar la pieza puede dar lugar a diferentes percepciones del sonido entre dos personas, e incluso entre dos experiencias de escucha de una persona. A partir de Violin Phase ( 1967 ), Reich comienza a explotar lo que él llama los “subproductos psicoacústicos” (o patrones resultantes) del cambio de fase, es decir, los patrones que se forman espontáneamente mediante una combinación de patrones básicos. También complica la situación al introducir motivos resultantes específicos, para ser interpretados explícitamente por los instrumentistas, que se añaden ocasionalmente a los que se forman de forma natural, o líneas melódicas que no siguen la división temporal de los motivos básicos.

El trabajo de Philip Glass también se basa en un proceso de composición sistemática, audible para el oyente. Glass define a partir de 1968 un proceso basado en la suma / resta de patrones básicos, que se subdividen en dos o más patrones. La partitura define los patrones y luego solo anota sus extensiones / contracciones. Las cifras resultantes de esta agrupación de patrones deben repetirse un número indeterminado de veces. Asimismo, no se especifican la instrumentación y las calificaciones .

A diferencia de Young o incluso de Riley, Reich y Glass rechazan firmemente cualquier interpretación de su música como hipnótica o meditativa, y rechazan cualquier término "trance musical" , considerado peyorativo. Por el contrario, consideran que la escucha debe ser especialmente activa y alerta, para conocer los detalles de los procesos implementados.

Caracteristicas musicales

El ritmo

Una de las principales preocupaciones de los minimalistas es el ritmo. La mayoría de las composiciones tienen un ritmo regular y se construyen entrelazando unidades rítmicas básicas. Estas consideraciones rítmicas están particularmente marcadas en Steve Reich y se realizan a través de la intermediación de la técnica de cambio de fase . Drumming ( 1971 ) marca la culminación de la fascinación de Reich por el ritmo, expresada a través de fases. Con Philip Glass, el trabajo sobre el ritmo está presente desde sus primeras piezas minimalistas utilizando su proceso de composición aditiva, destacando en la pieza 1 + 1 ( 1968 ).

El ritmo es así el primer elemento analizado sistemáticamente por los minimalistas, antes de la futura reintegración de la armonía y la melodía.

Armonía

Las primeras obras de los minimalistas son atonales , Young's Trio for Strings (1958), Riley String Quartet (1960), aunque la evolución extremadamente lenta y la baja densidad de notas dan una ilusión de tonalidad, eliminando casi todo movimiento. Incluso en Do , que generalmente se considera el trabajo de volver a la tonalidad, no es estrictamente tonal, sino una composición atonal sin firma de tonalidad , aunque la composición es en gran parte diatónica .

El abandono paulatino de las cintas magnéticas en favor de los instrumentos acústicos favorece el desarrollo de la armonía. Con Steve Reich, de Piano Phase , se establece un perfil tonal o modal al inicio de la obra, pero sigue siendo ambiguo. El diatonismo resultante de los procesos escalonados no se elige a priori, sino que viene impuesto por la experiencia.

Registro y dinámico

En Young and Riley, el bajo juega un papel de dron , inspirado en la música india. Con Steve Reich, no hay bajo, y los tonos generalmente pertenecen al registro medio ( Piano Phase no tiene una nota debajo de E 4 , Patrones de fase debajo de C 4 ). La ausencia de graves produce ciertas ambigüedades que Reich busca preservar, sin saber definirlas con precisión. Del mismo modo, los minimalistas no utilizan en absoluto técnicas extensivas de ejecución , que están muy presentes en otras corrientes de la música contemporánea .

Los tonos generalmente varían muy poco, si acaso. El nivel sonoro suele ser muy alto, por ejemplo en determinadas piezas de La Monte Young, y en Glass, donde percibimos la influencia del rock .

Ejecución

Fácil de escuchar, la música repetitiva parece engañosamente fácil de interpretar. Los procesos de cambio de fase del Reich requieren una gran concentración por parte de los instrumentalistas. De manera similar, Glass informa que varios directores que no estaban preparados para los ensayos se dieron cuenta demasiado tarde de la dificultad de sus partituras. En ausencia del compositor, las partituras no siempre son fáciles de descifrar para los intérpretes, requiriendo inventiva ante la falta de indicaciones o su falta de claridad.

Vínculos con las artes visuales

Baile

La danza, que por naturaleza siempre ha estado íntimamente ligada a las creaciones musicales de su época, no escapa a la influencia de la música minimalista, especialmente en torno a la noción y uso de la repetición. En cierto modo, el origen del impacto de la música minimalista en la danza se remonta a las colaboraciones de John Cage con la coreógrafa estadounidense Merce Cunningham a principios de la década de 1950 durante el nacimiento de la danza moderna . A través de él, Cunningham también conoció a Morton Feldman, quien compuso música para él para sus innovadoras coreografías como Untitled Melody para Merce Cunningham en 1968 . Además, un grupo formado en primer lugar por las bailarinas Simone Forti , Yvonne Rainer , Trisha Brown y los otros compositores Terry Riley y La Monte Young se forma alrededor de Halprin entre 1960 y 1962 para lograr actuaciones, incluida la Judson Church en Nueva York . Sin embargo, es Trisha Brown quien seguirá explorando el principio de repetición y acumulación sucesiva de movimientos coreográficos durante este período de la danza moderna. Meredith Monk , quien también es bailarina, se incorpora posteriormente a este grupo donde puede combinar tanto su investigación musical como sus creaciones coreográficas en interpretaciones orientadas a un movimiento más refinado y un cierto trance espiritual.

Tras los primeros años del minimalismo, se tejió una estrecha relación entre la danza y este movimiento musical gracias a Lucinda Childs , una de las alumnas de Cunningham, que, tras unir fuerzas con el grupo de Anna Halprin, colaboró ​​intensamente con Philip Glass a finales de los 70 para su ópera Einstein en la playa (1976). Posteriormente interpretará dos de sus coreografías Dance (1979) y Mad Rush (1981) sobre las composiciones homónimas ( Dance y Mad Rush ) encargadas al compositor neoyorquino. El trabajo de Lucinda Childs se interesa por diferentes aspectos de la investigación sobre el minimalismo con una amplia colaboración en el campo de los decorados e imágenes producidos con la artista plástica Sol LeWitt , una de las campeonas del minimalismo pictórico . Twyla Tharp también con frecuencia utiliza las composiciones de cristal en la que se puso en servicio su 4 ª Sinfonía llama "Héroes" en 1996 por su ballet del mismo nombre. Del mismo modo, Laura Dean trabajó con Steve Reich entre 1971 y 1975, especialmente en la primera coreografía de la composición Drumming . Sin embargo, estas coreografías, aunque utilizan elementos y turnos repetitivos, no pueden calificarse del todo de minimalistas, siendo la música el soporte de una creación coreográfica relativamente tradicional y rica.

La influencia directa de la música minimalista en el proceso de creación coreográfica está realmente asociada con el descubrimiento y uso de las obras de Steve Reich por la coreógrafa belga de danza contemporánea Anne Teresa De Keersmaeker , durante sus estudios en la Tisch School of the Arts de Nueva York. . De 1980 a 1982, creó su pieza fundadora Fase, cuatro movimientos con la música de Steve Reich en los que teorizó aún más la contribución de la música de fase a la danza al mostrar realmente los principios de cambio de fase / cambio de fase desarrollados por Reich en sus primeras composiciones Piano Fase , Fase de violín , Música de palmas y Salir . Por lo tanto, el estrecho vínculo entre De Keersmaeker y la música de Reich se renovará perpetuamente en numerosas creaciones del coreógrafo belga durante las siguientes décadas, en particular con el ballet Drumming (1998) sobre la composición homónima Drumming and Rain (2001) sobre Música para 18 músicos . Steve Reich compondrá especialmente la pieza Dance Patterns en 2002 para la creación Counter Phrases de De Keersmaeker que a su vez le rendirá homenaje abriendo las ceremonias de Nueva York que celebran los 70 años del Reich en 2006 con una creación especialmente dedicada titulada Steve Reich. Tarde .

Además, el coreógrafo sueco Mats Ek se inclinó durante un tiempo hacia el "minimalismo místico" al componer en 1995 el dúo Smoke para Sylvie Guillem que utiliza las composiciones Für Alina y Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt . Más recientemente, el coreógrafo británico Christopher Wheeldon ha hecho un uso particular de las composiciones de todos los grandes nombres del minimalismo para sus obras escritas en estilo neoclásico.

Artes plásticas

Los compositores minimalistas han mantenido una estrecha relación con los artistas visuales, en particular los del movimiento minimalista y el arte conceptual . Steve Reich y Philip Glass tenían muy buenas amistades con Richard Serra , Sol Le Witt , Bruce Nauman , Michael Snow o Nancy Graves . Reich escribió su ensayo Music as a Gradual Process (1968) que se incluyó en el catálogo de una gran exposición sobre minimalismo junto a sus amigos plásticos en el Whitney Museum en 1969 y durante el cual ofreció conciertos con Glass. Por otro lado, una obra como Pendulum Music de Reich en la que participan Serra, Nauman y Snow como intérpretes es más una interpretación que una música real. Steve Reich reconocerá una “actitud común” , entre los artistas plásticos y sus creaciones, caracterizada por el aspecto “geométrico y metafórico” de sus respectivas obras pero sin influencias recíprocas directas. Dice: “estábamos nadando en la misma sopa” . En 1977, algunos artistas participaron en una venta de sus obras para rescatar deudas resultantes del montaje de Einstein on the Beach by Glass. Finalmente, Glass fue asistente personal a tiempo completo de Richard Serra en 1969. Sin embargo, Glass no establece un vínculo directo entre su trabajo como músico y el trabajo de sus amigos artistas plásticos.

La Monte Young mantuvo breves vínculos con el movimiento Fluxus durante su período de creación de piezas conceptuales. Sus obras de 1959 a 1961 se presentaron en festivales Fluxus, y algunas de sus piezas, incluido Trio for Strings , fueron publicadas por el movimiento. Sin embargo, Young se alejó de Fluxus en 1963. Por otro lado, trabajó regularmente con su esposa, la artista visual Marian Zazeela , quien proporcionó instalaciones visuales, en particular para The Well-Tuned Piano o Theatre of Eternal Music .

Audiovisual

El cine y, en general, el sector audiovisual han tomado prestadas desde principios de la década de 1980 las obras de compositores minimalistas como portadores de sonido para películas, documentales, videoarte, comerciales de televisión y créditos. Philip Glass y Arvo Pärt son sin duda los dos compositores que más permitieron el uso de sus piezas como bandas sonoras para películas , e incluso compusieron especialmente a petición de un director. Así le debemos a Philip Glass las bandas sonoras realmente originales de las tres películas de la Trilogía Qatsi de Godfrey Reggio (de 1982 a 2002), Mishima: A Life in Four Chapters de Paul Schrader (1985) y Kundun de Martin Scorsese ( 1997 ). . También hizo a posteriori la música de la película Drácula de 1931 y colaboró ​​en numerosas ocasiones con la música de las películas y documentales de Errol Morris poniendo a disposición y reorquestando sus composiciones anteriores. Además, Glass también ha trabajado intensamente con el director Bob Wilson para la creación de espectáculos ambiciosos, mezclando ópera, video, teatro, especialmente en Einstein on the Beach (1976) o The CIVIL warS (1984) patrocinado. Para las ceremonias de apertura de la Juegos Olímpicos de Los Ángeles . Concernant l'Estonien Pärt, il ne s'agit pas de compositions originales pour le cinéma (bien qu'il ait composé au début de sa carrière de très nombreuses bandes originales mais pas dans un style minimaliste) mais d'autorisations d'utilisation de sus obras.

Además, Steve Reich ha trabajado en numerosas ocasiones en una relación íntima con su esposa, la videoartista Beryl Korot , en la creación conjunta de una obra integrando desde el momento de su escritura musical el uso de la imagen. reproducción de vídeo según el principio de repetición. A partir de esta investigación, que comenzó a principios de la década de 1990 , resultó en dos video-óperas ( La cueva en 1993 y Tres cuentos en 2001) que incluyen la representación teatral (para ambos) y la grabación (solo para la segunda). de los videos asociados.

Otras musicas

El uso de la repetición como estructura también se utiliza en la música popular, con la publicación en 1967 del disco banana de Velvet Underground , el famoso grupo de música pop producido por Andy Warhol . Las ideas provienen directamente del minimalismo, John Cale y Angus MacLise colaboraron con La Monte Young y el Theatre of Eternal Music antes de su participación en Velvet Underground.

Gran parte del trabajo de Philip Glass está relacionado con el rock . Se involucró en la producción con el mundo del rock y adquirió una reputación allí. Su música influirá en algunos grupos de rock experimental , en particular el alemán: Kraftwerk , Cluster o Neu! . David Bowie y Brian Eno también están influenciados por Glass, incluso por Steve Reich, y la influencia del minimalismo es claramente perceptible en el movimiento Ambient que crea Eno. Asimismo, el álbum de Eno con Robert Fripp , No Pussyfooting (1973) está fuertemente influenciado por Music with Changing Parts ( 1970 ). Robert Fripp desarrolla en los tres álbumes que marcan el regreso de King Crimson en 1981, Discipline , Beat y Three de una pareja perfecta , un rock post-progresivo influenciado por el lenguaje minimalista, que mezcla con sonidos new-wave, electrónicos, y étnico.

Desde 1976, Glass colaboró ​​con los clubes de rock de Manhattan y el movimiento punk rock y post-punk , en particular a través del Philip Glass Ensemble . Bandas como Theoretical Girls o compositores como Rhys Chatham también están influenciados por la experiencia de Glass con el rock. En 1995 compuso una versión orquestal de Icct Hedral de Aphex Twin , uno de los principales autores de la música electrónica . En la década de 1990, Philip Glass se inspirará a cambio en los álbumes Low (1976) y "Heroes" (1977) de David Bowie para componer dos de sus sinfonías ( Symphony No. 1 y Symphony No. 4 respectivamente) enfatizando así el mutuo interacciones recíprocas entre los dos artistas de diferentes orígenes.

Reconocimiento y popularidad

El minimalismo nació como un movimiento experimental y se desarrolló fuera del mundo tradicional de la música clásica . Los primeros conciertos se dan principalmente en galerías de arte o museos, y deben ser organizados por los propios compositores. Son sobre todo las grabaciones las que permitirán una amplia distribución de la música minimalista, incluso hasta Europa, donde la recepción es bastante buena. También fue Europa la que proporcionó a los minimalistas sus primeros grandes signos de reconocimiento, con un encargo del Estado francés para Philip Glass , y un éxito récord con una audiencia no restringida a los amantes de la música contemporánea , con la grabación de Música para 18 músicos de Steve. Reich , para el sello alemán Edition of Contemporary Music .

Entonces se produce una distribución mucho más amplia con la reanudación por parte del cine y la televisión del trabajo de los minimalistas, o de la música inspirada en gran medida en ellos.

Comienzos difíciles

Los primeros conciertos de minimalistas tienen lugar fuera del circuito tradicional de representación de la música clásica. Los compositores presentan sus obras en galerías de arte ( Park Place Gallery ), museos ( Solomon R. Guggenheim Museum ), en casas particulares (loft de Yoko Ono ) o en universidades. Los artistas visuales están particularmente abiertos a la música de Philip Glass y Steve Reich, y reconocen un parentesco con su propio trabajo.

Los primeros conciertos más oficiales en salas de conciertos de música clásica fueron motivo de escándalos. Una actuación de Four Organs de Steve Reich en el Carnegie Hall en 1973 provocó protestas públicas contra la naturaleza hipnótica de la obra. Philip Glass es sometido a algunos lanzamientos de huevos durante las actuaciones. Durante una gira por Europa con Richard Serra , el público reaccionó desfavorablemente a las obras de Glass, especialmente en Amsterdam .

La recepción de las críticas es mixta. Tom Johnson de Village Voice y Michael Nyman escriben críticas positivas de los primeros conciertos, pero también son compositores, cercanos al movimiento minimalista. Otros periodistas son mucho más duros, en particular Donald Henahan del New York Times sobre la labor de Reich. Harold Schonberg de The Times se sorprende con un concierto de Terry Riley con A Rainbow in Curved Air , y Poppy Nogood y la banda fantasma . El crítico reconoce el carácter hipnótico obtenido por la repetición de patrones, la proximidad a la música india , pero califica el resultado de "monótono y desagradable" .

La acogida de los músicos también es mixta, La Monte Young es denigrada por sus profesores y sus piezas son en gran parte incomprendidas.

Reconocimiento y éxito

Terry Riley fue uno de los primeros compositores en obtener reconocimiento por su trabajo, tras el éxito de In C ( 1964 ). En 1967, la Real Academia Sueca de Música le encargó la producción de una obra para orquesta y coro, Olson III . En 1969, la Fundación Dilexi le encargó que escribiera la partitura de un vídeo sobre la obra del escultor Arlo Acton , que más tarde se convertiría en Música con bolas . También colabora con la televisión sueca y danesa.

El director estadounidense Michael Tilson Thomas juega un papel importante en la difusión de la música minimalista, organizó en 1971 y 1973 los primeros conciertos en importantes salas ( Carnegie Hall en 1973), a cargo de la Boston Symphony Orchestra . En 1971, Reich y Glass hicieron una gira por Europa juntos, donde su grupo conjunto interpretó Four Organs , Pendulum Music , Piano Phase , Reich's Phase Patterns y Glass's Music with Changing Parts . La acogida de conciertos en París y Londres es alentadora, más mixta en Alemania.

Son sobre todo las grabaciones las que permiten a los compositores aumentar su circulación. Ya en 1967, Come Out de Steve Reich e In C de Terry Riley se grabaron para Columbia Records , en un álbum que comprende una veintena de obras contemporáneas. el álbum fue criticado en la prensa musical, así como en la revista Time . It's Gonna Rain y Violin Phase de Steve Reich en 1969, y The Church of Anthrax de Terry Riley en 1970, se graban, todavía con Columbia. En 1971, Philip Glass creó su propia compañía discográfica, Chatham Square Productions, con la que lanzó Music with Changing Parts , Music in Fifths , Music in Similar Motion . Las grabaciones también son producidas por un sello francés, Shandar. También es de Francia de donde vendrá un verdadero reconocimiento de los minimalistas. En 1974, Michel Guy , entonces Secretario de Estado de Cultura, encargó Einstein on the Beach a Philip Glass. La creación y la gira de la obra por Europa en 1976 fue un éxito, al igual que las representaciones en Nueva York el mismo año.

El reconocimiento discográfico vendrá de Alemania, con en 1974 la grabación en el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon , de Drumming , Six Pianos , Music for Mallet Instruments, Voices y Organ de Steve Reich. En 1978, fue la grabación de Music for 18 Musicians , lo que realmente hizo que la música de Steve Reich fuera conocida internacionalmente y entre una amplia audiencia. Es el sello alemán Edition of Contemporary Music , dedicado al jazz y la música improvisada , el que produce el disco, y que permite a un público mucho más amplio que el de las vanguardias descubrir la música minimalista. Por el contrario, el rechazo al compromiso por parte de La Monte Young frente a las discográficas o las salas de conciertos hace que su producción discográfica sea rara y, de hecho, su obra es menos difundida y conocida.

Fue a partir de las décadas de 1980 y 1990 cuando la televisión y el cine copiaron y difundieron masivamente la música minimalista. Los compositores de música para películas y comerciales de televisión copian en particular trucos de Philip Glass . También imitan a Steve Reich y Meredith Monk . Una cierta renovación del movimiento minimalista estadounidense parece estar emergiendo con una nueva generación de compositores como Nico Muhly , que trabaja en particular con Philip Glass o Dustin O'Halloran , pero también en Europa con, por ejemplo, el francés Sylvain Chauveau , el alemán. Max Richter , o el luxemburgués Francesco Tristano , que a veces se clasifican en un movimiento llamado “post-minimalista” .

Crítica y análisis

Se han expresado críticas extremadamente fuertes hacia el minimalismo, principalmente de compositores o musicólogos cercanos a las vanguardias , o de filósofos. El compositor estadounidense Elliott Carter ha expresado reiteradamente su fuerte rechazo al minimalismo y más en general a la repetición en la música, considerada la muerte del compositor. En particular, establece una analogía con la publicidad , que no es solicitada, es intrusiva y se repite hasta el punto de sentir náuseas. El calificativo de fascista incluso se ha utilizado explícitamente, al igual que la comparación del uso de la repetición como método de lavado de cerebro con la práctica de la publicidad o los discursos de Hitler .

Una crítica frecuente es acusar a la música minimalista de superficialidad o incluso de antiintelectualismo. Se considera que “no lleva a ninguna parte”, niega el lenguaje musical y es solo un “tapiz sonoro” . Es especialmente la música de Philip Glass la que concentra a los críticos que en ocasiones la califican de "mentira" o "regresión" . Los calificativos de "monótono" o "aburrido" a menudo aparecen en las críticas de La Monte Young y Terry Riley. Los críticos están muy divididos y generalmente se plantean como "a favor" o "en contra". En Francia, las primeras reacciones a las obras de John Adams no fueron muy favorables. En 1990, la revista Télérama escribió sobre Nixon en China  : “es el grado cero de la música. Una especie de producto típicamente estadounidense, como Coca-Cola , Disneyland y el Nuevo Orden Internacional ” .

La crítica del minimalismo a veces se confunde con la del posmodernismo . El compositor de vanguardia Brian Ferneyhough rechaza la posmodernidad y critica en particular a John Adams , en quien denuncia una ausencia de ética ligada al desprecio de la cultura musical.

Para algunos musicólogos, en cambio, el minimalismo encaja perfectamente en la modernidad. Además de las influencias definidas del serialismo, en particular de Schönberg y Webern , en La Monte Young y Terry Riley , que condujeron directamente a las primeras obras del minimalismo, como Trio for Strings ( 1958 ), la aplicación de rigurosos procesos de generación musical, como los desarrollados por Reich y Glass, pueden compararse con las limitaciones del serialismo integral o los procesos aleatorios de John Cage . En particular, la aceptación de los resultados que proporciona el proceso de fases (aunque sea determinista, el proceso escapa parcialmente al compositor) se puede comparar directamente con la aceptación de productos musicales generados por casualidad en Cage.

Para el musicólogo Keith Potter, otro argumento a favor de la modernidad del minimalismo es la “desfamiliarización” , término propuesto por el teórico formalista Victor Chklovski para significar la pérdida de impacto de elementos actuales, disminuidos en su significado por el hábito. Según Chklovski, el objetivo del arte es dar este significado a las cosas a las que uno se habría acostumbrado demasiado. Potter señala que este redescubrimiento de elementos familiares ya lo habían hecho Cage y los serialistas, pero que los minimalistas lo perciben de manera muy diferente. En lugar de lo inaudito, parten de un material musical extremadamente simple y familiar y lo estudian en profundidad mediante el uso intensivo de la repetición. El primer parámetro así estudiado es el ritmo , el enfoque sistemático produciendo piezas cercanas al estudio, y dando a estas primeras piezas un carácter real de música experimental . Esta exploración se extiende luego a otros parámetros ( alturas , armonía ).

Keith Potter dice:

“El minimalismo obliga a los oyentes a reinterpretar lo familiar, no solo a través de sus propias percepciones y sensaciones, sino también a través de las energías generadas por los mismos principios (pulsación regular, y la sensación de avanzar hacia una meta), que han subrayado el acercamiento de Música tonal occidental durante los últimos siglos. "

Obras imprescindibles

Notas y referencias

Notas

  1. ¿Qué es realmente el minimalismo?
  2. En C se traduce al francés como En C mayor
  3. El compositor prefiere este término para diferenciarlo de la música puramente repetitiva
  4. En francés, Dream Accord

Referencias

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Apéndices

Artículos relacionados

Bibliografía

enlaces externos