La pintura, en Corea , una forma de arte coreano especialmente notable, se manifiesta en las más variadas formas desde murales antiguos conservados en las tumbas del Reino de Koguryo , estandartes budistas con colores intensos, pinturas con letras en tinta, biombos decorativos, incluso pintura como se practica. en el arte contemporáneo . Pintura coreana moderna también incorpora las obras de los artistas coreanos, en todo el territorio de Corea , Norte Corea y Corea del Sur y dentro de la diáspora coreana repartidos por todo el mundo.
Las diversas formas de dibujo, pincel y tinta son formas legítimas de pintura en el Lejano Oriente. La pintura letrada es un arte de calígrafo, que trabaja por trazo y más o menos introduce agua en su pintura. Esta pintura de línea tradicional se utiliza para realizar grabados en madera, para la impresión de libros ilustrados, que se encuentran, aquí, entre los más antiguos del mundo. Por otro lado, el diseño grabado en piedra durante la Prehistoria, como en el caso de los petroglifos de Bangudae , se relaciona, de manera más general, con el arte coreano .
A lo largo de la historia de la pintura coreana, ha habido dos categorías de pintura: pintura de profesionales y pintura de académicos. Las pinturas de los estudiosos , la tradición china desde el X º siglo no se comercializan en principio, pero comercializan o dan como regalos. Están realizados en tinta y con colores discretos ("colores claros"), sobre seda o sobre papel, especialmente papel morera . Los profesionales de la pintura, lo que hizo un amplio uso del color, la tradición más antigua, Corea en el IV ° siglo adornadas algunas tumbas principescas de la época de Koguryo, sino también los edificios de gobierno, casas de notables y templos, y en éstas, las banderas que representan deidades, y fue utilizado en la fabricación de máscaras, utilizado en festivales. Estos profesionales realizaron, al menos al final del período Joseon, encargos de biombos para ciertos literatos, e imágenes con función ritual, estos minhwa , una pintura popular que también se encuentra en las tumbas y en las puertas. Finalmente las pinturas chamánicas, raras por haber sobrevivido a las ceremonias. Además de la pintura propiamente dicha, no debemos olvidar la larga tradición de los grabados en madera, que aportaron ilustraciones en las obras budistas. Estos sirven como referencia a una corriente de arte moderno coreano, Art minjung (in) .
Por tanto, los temas de las pinturas son variados. Como en la pintura china , dentro de la pintura de los literatos podemos distinguir varios géneros: pintura de paisaje, sansuhwa ([montaña y agua], cerca de la pintura de shanshui ), retratos y pintura de pájaros y pájaros. Animales, el yeongmohwa (comparable a la pintura china "flores y pájaros" , pero muy distinto de él). Estos primeros temas, en rollos individuales y en hojas de álbumes o abanicos, pero incluso en linternas de papel (los dos últimos a veces se integran como hojas de álbumes) son producidos por estudiosos, en el período Joseon, y según una jerarquía específica. A Corea que coloca el bambú en la parte superior, luego el paisaje, el retrato y luego los animales, "flores y pájaros". Los profesionales realizan pantallas, que pueden acomodar paisajes, personajes caligrafiados, representaciones de interiores típicos: la biblioteca alfabetizada y muchos otros patrones, a veces acompañados de un patrón geométrico. El minhwa a menudo presenta al tigre y la urraca.
La distinción entre pintura de profesionales y pintura de letras se basa en las diferencias de estatus según la ideología neoconfuciana: pintura de letras , (habiendo recibido una cultura literaria) que se basaba en las cualidades expresivas de la caligrafía y juegos de agua en el soporte. , blanco, usado solo unos pocos colores claros, el uso de colores brillantes habría vuelto vulgar la pintura y habría obstaculizado la imaginación. Por el contrario, en el arte religioso, especialmente budista en ese momento, los edificios de madera a menudo se decoraban con colores brillantes siguiendo las tradiciones de la arquitectura china. Asimismo, las influencias del arte budista e indio impulsaron un uso rico de colores puros.
La pintura religiosa coreana sigue la tendencia general del arte en Asia. Se basa en el arte budista, que representa a Buda o monjes budistas y en el arte confucianista, que representa a los eruditos en reposo o estudiando en las montañas. Los budas a menudo se representan con un rostro coreano, en una posición de descanso. El aura no es necesariamente dorada, se puede representar con colores más claros. La representación de los rostros tiende al realismo destacando su humanidad y su edad. Las caras y drapeado del XV ° siglo, no muestran una "sombra". A continuación, se marcan con el trazo de tinta, pero tonos ligeramente permiten especificar los volúmenes de la XVIII ª siglo. Al igual que con los artistas occidentales de la Edad Media y el Renacimiento, las cortinas y los rostros suelen ser realizados por dos o tres artistas que se han especializado en una técnica de pintura en particular. La iconografía sigue las reglas de la iconografía budista para la pintura budista.
Los retratos, de reyes y eruditos, están representados según los códigos del retrato chino, en colores planos y con trazos de tinta. El traje tradicional ha sufrido solo ligeras variaciones, es el hanbok . Sus vestidos monocromáticos distinguen períodos, siendo de color rosa llevada por los estudiosos en la XVIII ª siglo. Los sombreros de hombre tradicionales ( gat ) son siempre de color negro.
Las tumbas se conservan en el territorio del antiguo reino de Koguryo (segunda mitad del IV ° siglo - 668) ascienden a 15 000, de los cuales un centenar de murales, la mayoría en la cuenca del río Taedong cerca de Pyongyang . En este período la tumba de Anak ( n o 3), sería la más antigua, fechada en 357, pero se cuestiona la autenticidad de esta inscripción en tinta. La comunidad científica ve allí el retrato del rey Kogugwon, que murió en acción en 371. Aparte de esta representación, construida según los códigos de la pintura de la dinastía Han , donde el rey está rodeado por sus lugartenientes y su esposa, la pintura más famosa es el de las escenas de caza en la Tumba de los Danzantes, donde los jinetes partos se ven atrapados en acción. Las tumbas del reino de Koguryo ven complejas referencias conjugadas, más o menos densamente en todas las paredes y techos. Los motivos de las divinidades protectoras de los puntos cardinales, motivos recurrentes, dan la oportunidad de hacer estas combinaciones construyendo estas figuras híbridas y jugar con curvas, entrelazadas a gusto.
Los murales de Hōryū-ji , uno de los tesoros de Japón, fueron pintados por Damjing , un monje de Koguryo.
Pintura mural. La esposa del rey y sus seguidores (?). Probablemente 371.
Un rey de Koguryo. Tumba número 3 de Anak , Hwanghae . Probablemente 371.
Nuwa , diosa de la luna, tumba Ohoe n o 4 . Fin VI º comenzando VII º siglo. Dawangcun, Ji'an (Jilin)
Pintura mural. Cazadores partos . Tumba de Muyong, Koguryo . V º siglo. Ji'an (Jilin) , actualmente en China
Pintura mural La tortuga negra del norte / El guerrero negro, impresión. Tres tumbas de Kangso , aquí Gangseo Daemyo.
La pintura y la caligrafía del Reino de Silla (57 a. C.-935) han desaparecido por completo. Una pared pintada descubierta en el pasillo de una tumba del período Tang (706), la del Príncipe Zhang Huai (Li Xian) representa a enviados de países tributarios, incluido un enviado de Silla, con su característico tocado, una corona cónica con su dos ramas laterales.
Bodhisattva Avalokiteshvara en la luna. Desplazamiento vertical, tinta y colores sobre seda. Goryeo, 1310. Kagami Jinja Temple, Shiga , Japón
Bodhisattva Avalokiteshvara en la luna. 1310. Lo mismo, detalle. Colores sobre seda. Conjunto: 430cm x 254 cm
Sutra del loto . Manuscrito, c. 1340, libro plegable, oro y plata sobre papel morera teñido de índigo . Alt. 11,4 cm . El Met.
Kshitigarbha (Chijang). Desplazamiento vertical, tinta y colores sobre seda. Alt. 84,5 cm . Goryeo primera mitad del XIV ° siglo. El Met.
Los décimos reyes del inframundo. Alt. 61,2 cm.
Buda Amitabha. Conservado en Gyokurin-in, Kioto
Los primeros días de esta dinastía Goryeo están marcados por un período de prosperidad, evidente en la capital por el lujo que allí se desarrolla, un período de pacíficas relaciones económicas y culturales con los Song, y de gran importancia para la cultura coreana de la época. La formación de los funcionarios administrativos se basa en el modelo chino de personas educadas; la poesía es una parte importante de ella.
El budismo tiene un lugar preponderante, incluso omnipresente, allí. Los edificios se multiplican y acogen una inmensa riqueza, equivalente a una acumulación de "méritos", tanto para las personas como para la nación. El rey fundador de la dinastía, Wang Kon, estaba convencido de que su éxito dependía enteramente de la iglesia budista. En los monasterios, la copia de manuscritos corresponde a esta exigencia de las élites, la acumulación de "méritos" encontrando a formalizarse en páginas sobrecargadas, trabajadas con meticulosidad y materiales preciosos y raros. Por ejemplo, una obra que representa al Bodhisattva Avalokiteshvara es particularmente apreciada por su elegancia y espiritualidad. Las pancartas dedicadas a Buda generalmente se cuelgan detrás del altar en el salón principal; las otras figuras, bodhisattvas, arhats , retratos de monjes y los diez reyes del inframundo, se colocan en habitaciones secundarias. Un gran número de imágenes de deidades tutelares, mucho menos sagradas, tienen lugares menos definidos.
El redescubrimiento de pinturas budistas de Corea llevó a cabo en las dos últimas décadas del XX ° siglo. Muchas pinturas de excepcional belleza estaban en monasterios en Japón, desde el XIV ° siglo, y fueron considerados como pinturas chinas. Desde 1978 se han identificado un centenar de rollos en Japón, Corea y Occidente. Los murales, originalmente los más numerosos, son hoy los más raros (templo Pusŏk, Yeongju ). Los pergaminos verticales, pintados según las tradiciones establecidas en China, representan con mayor frecuencia a Amitābha , debido a la gran popularidad del budismo de la tierra pura , y a los bodhisattvas Avalokitesvara y Kshitigarbha .
De la pintura profana, llamada "por supuesto", realzada con colores, apenas queda nada. Una escena de caza, que se dice del rey Kongmin (1352-1374), evoca, en lo que queda de ella, a jinetes mongoles que cruzan un río. Por otra parte, en cuanto a la pintura de los estudiosos , si la llamada pintura china en el norte de Europa - los pintores X ª siglo como Li Cheng y Guo Xi - ha tenido un impacto en algunos pintura coreana porque se puede discernir en las pinturas de estilo atribuidos a Ko Yon hui ( XIV ° siglo), la pintura china del Sur Escuela , durante el Song del Sur (1127-1279) parece haber sido conocido en Corea a pesar de las limitaciones impuestas por la dinastía Jin (1115-1234) , jurchen . Una tinta sobre papel conservada en el Museo Nacional de Tokio conservaría el rastro.
Ceremonia: ofrendas
Ceremonia: ofrendas
Ceremonia: el joven mozo y el caballo
Viejo árbol con brotes jóvenes
Corea Joseon (1392-1910) debe verse como dos períodos muy distintos . Durante la dinastía Joseon, pero incluso antes con la dinastía Goryeo, muchos grandes pintores eran eruditos sin función administrativa y muchas veces apartados violentamente de los círculos de poder, se refugiaban y optaban por la jubilación, por supuesto, lejos del patio. Estos son los seonbi .
Campana de la tarde, en el templo envuelto en niebla . Un estilo Gyeon finales XV ª temprana XVI ª siglo. Un rollo de un par, tinta sobre seda, Al 88 cm. Pone.
Seo Mun-bo. Paisaje. Tinta sobre seda, tarde XV ° siglo. Yamatobunkakan , Nara, Japón
Erudito contemplando el río desde un punto alto . Kang Hui-an (en) , 1419-1467. Hoja de álbum, H. 23,5 cm. Museo Nacional de Corea .
Shin Saimdang (1504-1551) (pintora), Flores e insectos [Chochungdo].
Yi Am . Perritos, flores y pájaros. 1500-1550. Tinta y color claro, papel H. 86 cm. Museo de Arte Ho-Am
Heo Mok (1595-1682), bambúes
Yi Jeong, 1541-1622 Bambú en el viento . A principios XVII ° siglo. Tinta sobre seda, H. 115,6 cm. Pone.
Primer período de Joseon (조선 전기). Durante la XV ª - XVI ª siglo esta dinastía tiende a construir un reino donde la élite sería educado, "un reino de los estudiosos." Es una especie de Renacimiento coreano entre 1400 y 1600 y que va mucho más allá del arte coreano, concierne a toda la cultura coreana. Así como la Europa del Renacimiento mira a los modelos de la antigua Roma, también Corea mira a la China de la era Song. El contacto fue directo a través de la colección de pinturas chinas del príncipe real Anp'yong (1418-1453); el pintor Kang Hui-an ( 1419-1467) hizo el viaje a China y al parecer estudió las principales corrientes. El modelo chino de pintura alfabetizada en Corea brinda la oportunidad de una apropiación real de temas y procesos de origen chino, en los géneros de pintura de paisaje y animal. La iconografía de las cuatro plantas nobles (bambú, iris, ciruela y crisantemo) es también un elemento específico de esta pintura de calígrafos. Ni los colores, claros, transparentes, ni las formas, estilizadas, cambian significativamente de su fuente china; la tinta , en todas sus tonalidades más o menos diluida en agua, ofrece la gama esencial. Las técnicas importadas ocupan un lugar importante, como la pintura sobre papel, que se está generalizando, porque la tinta funciona mucho mejor que la seda, a un precio prohibitivo en comparación con el papel. Pero los ideales de la dinastía Ming a menudo se olvidan en favor de modelos más antiguos, a veces de la era Song , con un paisaje evocado por sí mismo y ya no como fondo de una escena narrativa.
En coreano, la pintura de paisaje china "montaña y agua" ( shanshui , chino : 山水) se convierte en sansuhwa (산수화).
Durante este período, la influencia del confucianismo suplantó a la del budismo, al menos en los centros artísticos reales. La pintura de inspiración budista queda relegada al espacio privado pero sigue evolucionando, apreciando su sencillez. Se siguen manteniendo los centros alejados de la capital. Las pancartas budistas muy coloridas de esta época y en una forma inspirada en el budismo tibetano, podrían alcanzar los 14m x 8m, son kwaebul taenghwa . Luego fueron suspendidos entre dos pilares, como durante la celebración del cumpleaños de Buda. El desarrollo tardío de las pancartas en Corea corresponde curiosamente al período en el que tanto China como Japón adoptaron un estilo de pintura Zen, en tinta.
La guerra de Imjin (1592-1598), contra los japoneses, luego la guerra contra los manchúes , que terminó en 1644, arruinó el país. La reconstrucción llevará casi hasta finales de siglo.
Biblioteca. Pantalla de 6 paneles para la habitación o la oficina de un niño. Colores sobre papel. H. 172 x L.312 cm. Principios del siglo XVIII . Museo Guimet . Colección Lee Ufan
Retrato de Park Mun-su (1691-1756) Desplazamiento vertical, tinta y colores sobre seda. Museo Nacional de Corea.
Monte Inwang después de la lluvia . Jeong Seon (Chong Son), 1676-1759. Tinta sobre papel, 1751. Al 79 x An 138 cm. Museo de Arte Ho-Am
Virūpākṣa . Colores sobre lino. A.301 x L.207 cm. Museo Británico. Guardián a la entrada de un templo budista
Pantalla, detalle. Escenas de género. Firmado Kim Hong-do . Hacia 1768. Tinta, colores sobre seda, H 108 cm, W. cap. panel 49 cm. Museo Guimet
Trilla de arroz. Kim Hong-do (1745-c. 1806/18). Hoja de álbum, escenas de género, tinta sobre papel, H. 27,8 cm. Museo Nacional de Corea
Una mujer en el jardín de lotos ( Gisaeng sosteniendo un saenghwang y una pipa). Tinta, color claro s. seda, H. 29,6 cm. Shin Yun-bok (c.1758-ap.1813). Escena de género : mujeres. 3 hojas de un álbum 7. Museo Nacional de Corea.
Rey Jeongjo (1752-1800). Árbol de plátano . Tinta sobre papel, 84,6 x 51,6 cm. Museo de la Universidad de Dongguk , Seúl.
Kang Sehwang (1713-1791). Hoja del álbum Voyage to Songdo , 1757. Museo Nacional de Corea
La familia del tigre . Colgante de pergamino, tinta y color, papel. H. 262cm. Finales del siglo XVIII . Museo de Arte de Cleveland
Segundo período Joseon (조선 후기). La reconstrucción difícil después de la guerra contra Japón (1592-1598) y en contra de las invasiones de Manchuria (1620-1644) se extiende a lo largo del final del XVII ° siglo. Entonces Corea finalmente podrá atravesar un siglo de paz y alcanzará, sobre bases completamente nuevas, la prosperidad y un “siglo de la Ilustración”. En el XVIII ° siglo que viene a la pintura de los estudiosos, pintura profesional, como en China, la práctica de un estilo decorativo de temas agradables animales a los insectos y las plantas más pequeñas, se observó y cuidadosamente transcribió en el uso de colores mucho más vivos que en la pintura leer y escribir, especialmente en las pantallas. En estas pantallas, especialmente las bibliotecas, pero también la representación de los edificios utiliza la perspectiva caballeresca, pero a veces invertida en las pantallas (los paralelos en lo real, no vertical, divergen en la representación, como una transposición desplazada de la visión occidental) . Sin embargo, se encuentra con excepciones en las que los elementos distinguidos de la perspectiva "occidentales" líneas convergentes, como las bibliotecas de pantalla del museo Guimet, a principios del XVIII ° siglo.
El XVIII ª siglo se considera la edad de oro de la pintura coreana. El colapso de la dinastía Ming debido en parte a la guerra liderada por los manchúes y el acceso de esta dinastía al poder en China, empuja a los artistas coreanos a construir nuevos modelos artísticos basados en una dinámica de investigación nacional. El artista más innovador en este sentido es el pintor Jeong Seon (Chong Son) cuyos paisajes evocan los lugares más bellos de Corea, con un estilo personal "que lo convierte en uno de los pintores más modernos, sin duda alguna. La propia Corea, pero también en el arte del Lejano Oriente ”. En ese momento, China, en parte abierta a los contactos con el mundo occidental transmitidos por los jesuitas, sirvió de estímulo para los artistas coreanos. Ceux-ci s'autorisent à de nouvelles pratiques et des sujets qui marquent leur attachement à une modernité proprement coréenne, inspirée par le mouvement mouvement silhak (ou sirhak, « la science des concrets ») et l'intérêt porté aux paysans et au petit poblada.
Kim Hong-do (1745-v.1806 / 18), nombre del artista Danwon , un pintor con múltiples pasos mientras que asegura que la transición al siguiente periodo, entre el final de la XVIII ª siglo y principios del XIX ° siglo. Dedica un famoso cuaderno ( pintura de género : pungsokhwa o pungsokdo ) a actividades populares, capturadas en un momento preciso, en acción. Una visión que se inserta en el espíritu de la época, como en Japón en la época de Edo , y libros impresos también dedicados a actividades populares.
Así, la pintura de mediados de este período tiende hacia más naturalismo. Kim Hongdo ( Danwon ), en la pantalla del Museo Guimet (1778), en sus álbumes en las escenas de género que apreciaba el Rey Jeongdo, difiere de la corriente similar en Japón, donde las escenas de la vida participan del espíritu Ukiyo -e . Kim Hondo trata el paisaje de la misma manera, con este espíritu relativamente naturalista, con una serie de vistas de impresionantes cristales de basalto del distrito de Gemgang (c. 1788) en las que una pareja mira hacia el mar, cerca de una cabaña aislada. Para otro sitio célebre ( Álbum del año Byeongjin , 1796) cambia su estilo y así reproduce diferentes registros de expresión en su obra de tinta: o más descriptivo, con un toque regularmente preciso en el primer caso, es más evocador y multiplica los efectos de cepillo. Pero de ninguna manera está apegado, en principio, a una visión objetiva. El “retrato” que pinta de su propio jardín, con motivo de una visita que le es querida, da testimonio más de su ideal que de una realidad. Habría tenido, entonces, de hecho, sólo una vida de habitante de la ciudad, pintor de la corte, mientras que se ve a sí mismo en su pintura, en el campo, viviendo relajado, con amigos, al son del gayageum . Kim Hongdo también despliega su espíritu innovador al capturar escenas de la vida cotidiana, un álbum que lo ha convertido en un éxito en Corea. Son campesinos en el trabajo, fiestas populares con sus juegos y sus espectadores, y también esos raros momentos de sorpresa “erótica”, con lavanderas a pecho descubierto y una mirada un poco indiscreta escondida detrás de su abanico. El tema se recoge después por otros pintores, entre ellos Shin Yun-bok (1758 AD. 1813) en las vistas más directos posiblemente bañistas en el inicio de la XIX ª siglo. Los álbumes con escenas de género se multiplicaron en este momento. Una mujer en el jardín de loto ( gisaeng sosteniendo un saenghwang y una pipa), una de las 3 hojas de un álbum de 7 sobre el tema de las mujeres, es un buen ejemplo. En un cuadro de gran tamaño (114 x 45 cm.), Une beauté , la imagen de la belleza femenina, le da a Shin Yun-bok la oportunidad de evocar su fragilidad eligiendo un momento, una actitud, una expresión. Una nota personal en caligrafía demuestra, con humor, que ha asumido el desafío de una evocación tan sutil.
Desde la época del reino de Silla bajo el rey Heonggang (r. 875-886), la tradición de pegar una efigie del Rey Dragón, dios de la viruela, en las puertas, tenía la intención de proteger el hogar de las epidemias, y en particular viruela. durante el período Joseon, las imágenes de tigres y dragones se unieron a esta antigua costumbre. En el Año Nuevo Lunar y a ambos lados de la puerta se colocó una imagen del tigre y el dragón, el primero tenía como misión expulsar a los espíritus malignos, mientras que para el dragón era atraer espíritus favorables. Estas imágenes constituyen el género minhwa .
Serigrafiado entre 1851 y 1900. Munjado (solo algunos elementos de los personajes de piedad filial) asociado a la carpa. H. 76 cm. Museo de Brooklyn
Munjado ( XIX ° siglo con los mismos motivos, pero una estilización diferente)
Dos cuadros de pantalla, aquí loto y peonía. Alt. 176 cm. Museo de Brooklyn
Pantalla tipo Chaekgeori , con muchos símbolos de felicidad. Instituto de Artes de Detroit
Minhwa con el motivo del tigre y la pareja de urracas. Papel pegado en la puerta de un pueblo popular ( minsokchon )
Estas imágenes que llevaban un deseo de felicidad iban acompañadas a diario de otras imágenes que pretendían evocar otros deseos de felicidad. Así, en el arte popular coreano de Joseon se encuentran caracteres chinos que evocaban buena fortuna, éxito y longevidad en otras partes del Lejano Oriente, en forma de ideogramas decorados resultantes del confucianismo, conocidos como munjado ("pintura con caracteres chinos"): el ocho virtudes confucianas de piedad filial, amor fraternal, lealtad, confiabilidad, cortesía, respetabilidad, frugalidad y la capacidad de sentir vergüenza. Otras representaciones son símbolos de felicidad: las pantallas se adornan así con peonías, pero también con flores de loto, fénix y murciélagos. Los descendientes masculinos son evocados por sandías, granadas, uvas o semillas de loto. El deseo de éxito, por amaranto, pluma de cola de pavo real, libros y carpa. Finalmente, los deseos de longevidad se expresan mediante la representación del bambú, la grulla, el sol y la luna, la tortuga, el venado y el hongo de la inmortalidad ( lingzhi ). Tales símbolos continuaron sirviendo como motivos recurrentes en el arte coreano en general y más allá del período Joseon.
El Museo del Palacio Nacional de Corea tiene varias pantallas que comparten, con la pintura popular, los mismos temas que la pintura de peonías.
Retrato de Cho Man-Yong. 1845. Yi Han-ch'ol (1808-?). Colores sobre papel, H. 51 cm. Museo Guimet
Orquídeas "Luces en Seonran, Sumuk, Isla de Jeju " (en el exilio). Kim Chŏng-hui (1786-1857). 난 맹첩. Tinta sobre papel, 27,0 X 22,9 cm. Museo de Arte de Gansong
Lotus y carpa. Serigrafía montada en rollo, H. 96,5 cm. Tinta y colores sobre algodón. XIX XX siglo. LACMA
Un Jung-sik (1861-1919). Himno entre los árboles , tinta sobre papel, 1910
Flores, peces, mudang y chaek'kori . Pantalla, XIX XX siglo. Colores sobre papel,
Alt.101, L.370 cm. Museo Guimet . Colección Lee Ufan
Los palacios orientales, Donggwol-do . 1828-30. Biombo de 16 hojas, colores sobre seda, 274 x 578,2 cm. Museo de la Universidad Dong-A, Busan.
Pintura sobre una pantalla de ocho hojas. Mes de enero. XIX XX siglo. Museo del Palacio Nacional, Seúl
Pintura en pantalla. Mes de enero
Pantalla de 6 hojas. Irworobongdo : Sol, Luna y Cinco Picos. L.270 cm. Palacio Real.
Un Jung-sik (1861-1919). Paisaje en Yeong-gwang . Screen, 10 s., 1915. Ink y col. leve s. seda. L.473 cm. Leeum, Museo de Arte de Samsung .
Aparece también un nuevo estilo de pintura de paisaje: retomando los códigos de representación del espacio arquitectónico integrado en el paisaje observado, de uso en Occidente. A finales de siglo, An Jung-sik (1881-1919), el último pintor de la corte, produjo, entre familias adineradas, paisajes monumentales en un estilo que incorporó la tradición letrada de la tinta, su sutil pincelada y sus colores claros. , a un uso limitado de la perspectiva centrada en Occidente. Lo único que incorpora estos nuevos elementos con gran delicadeza, conservando todo el medio de la tradición escrita hasta 1915, mientras que una pintura mucho más directamente inspirada en la pintura al óleo del oeste apropiado, y vueltas a Japón a principios del XX ° siglo.
Pintura libros con temas de pantalla tiene un gran éxito en el XVIII XX y XIX XX siglos. Más precisamente, este motivo, conocido como chaekgori , desarrolla naturalezas muertas en pantallas y se componen de una selección de objetos utilizados por los estudiosos. Se encuentran así libros pero también el material del calígrafo, jarrones de gran valor, flores y quemadores de perfume y muchos otros objetos raros y decorativos o cuyo valor es más bien simbólico. El pintor se apropia de los efectos de perspectiva que China acaba de conocer a través de los jesuitas en Beijing y transmitidos a través de las embajadas coreanas. Procesos que pueden compararse con la perspectiva arrogante se habían utilizado en el Lejano Oriente desde el período Han. Estos nuevos procesos están en línea con el sabor de las reformas que fomenta el movimiento Silhak , "educación práctica", iniciada por Corea enciclopedistas del XVII ° siglo y apoyó el rey Jeongjo (1752-1800). Estas pantallas pueden evocar así gabinetes de curiosidades pero con productos chinos y occidentales, invirtiendo así la perspectiva, percibiéndose el exotismo desde Corea. Los libros de estos registros similares todas las baterías en el XXI ° siglo, un aspecto sorprendentemente "moderna" o " minimalista ". En estos espacios despejados, los objetos extremadamente raros se hacen eco de las obras cuyo valor intelectual extremo sólo se puede imaginar: “una fantasía abstracta”, según Lee Ufan .
Desde la década de 1880 hasta 1945, los artistas tradicionales vivieron un período difícil. Los invasores japoneses intentaron borrar y eliminar el arte coreano saqueando y destruyendo obras de arte, cerrando las escuelas de arte coreanas y obligando a los pocos artistas que quedaban a seguir el estilo japonés.
Fue a partir de 1910, bajo la ocupación japonesa, cuando el arte coreano entró en estrecho contacto con el arte occidental. Se introduce la técnica de la pintura al óleo con la pintura académica como el estilo moderno, el Impresionismo y el Fauvismo . En ese momento, la exposición de arte anual más importante la organiza el gobierno colonial, los jurados son colaboradores japoneses o projaponeses que favorecen el modernismo, por ello la pintura al óleo y buscan descartar la caligrafía . Estos cambios dejan de lado a los pintores coreanos tradicionales. Por otro lado, la pintura al óleo es poco aceptada porque se ve como una herramienta del colonizador para hacer desaparecer la pintura coreana. Finalmente, la pintura tradicional se modernizó y llegó a parecerse mucho a la pintura japonesa moderna, que se inspiró en gran medida en el arte moderno occidental.
Misul : En 1911, un grupo de pintores-calígrafos coreanos fundó el Instituto de Caligrafía y Bellas Artes ( sohwa misulhoe kangsupso ), la primera escuela de arte; es la primera vez que se utiliza en Corea el concepto occidental de arte, la palabra misul . En 1918 y a pesar de las dificultades del momento, se crea la “Sociedad de Pintores y Calígrafos”. El pintor de tinta An Jung-sik (1861-1919) es su presidente. Los otros pintores son predominantemente pintores de tinta, incluidos Jo Seok-jin, O Se-chang, Kim Gyu-jin, Kim Eung-won, Jeong Hak-kyo y Yi Do-yeong. El pintor moderno Ko Hui-dong aporta nuevas ideas a esta empresa. Abrirá su primer Salón en 1921, titulado Hyeopjeon (Exposición de la sociedad). El interés de los artistas por las nuevas obras no se reflejó en su práctica, estando sujetos al gusto conservador de los potenciales compradores.
La evolución de la pintura de Ko Hui-dong (1886-1965) nos permite percibir los movimientos involucrados, siendo el primero en haber estudiado la pintura occidental. Su padre, de una familia Yangban , estudió en China y se convirtió en el primer coreano en actuar en inglés, luego formó parte de la primera delegación coreana a los Estados Unidos en 1883. Se interesó por la pintura y la poesía. El pequeño Ko Hui-dong estudió en la escuela francesa Hanseong. Estudia pintura tradicional. En 1909, fue a Tokio y practicó pintura con Kuroda Seiki en la Escuela de Bellas Artes de Tokio. Él percibe la tradición china de la pintura como un encierro, en el que tanto los pintores como los patrocinadores, preocupados por su pertenencia a la clase letrada, fueron atrapados. En 1915 representó La laundry à la rivière , una pareja trabajando en un paisaje que se extendía hasta el horizonte, en tinta y colores claros sobre seda (23 x 27 cm.), Mientras regresaba de Tokio donde le enseñaban pintura al óleo. . Sin embargo, como señala Kim Youngna en su raro trabajo sobre el arte coreano moderno y contemporáneo, esta pintura aparentemente tradicional no lo es. En primer lugar, el tema, porque es romper un tabú representar al hombre y la mujer en un mismo espacio público, estando el busto del hombre, además, desnudo. En cuanto al paisaje, introduce los tres planos del espacio occidental, con una distancia azulada. Ko Hui-dong unió fuerzas con varios grupos de artistas y enseñó, entre otras cosas, pintura al óleo. Un hermoso autorretrato al óleo de 1915, atestigua su dominio de la figuración naturalista moderna con sombras verdes en el rostro y azul violáceo en la camiseta, manteniendo sutilezas en el modelado.
Muchos pintores coreanos modernos modernizarán su pintura, al estilo naturalista occidental, con medios tradicionales, colores sobre seda, entre ellos Kim Un-ho en 1923 (tinta y colores sobre papel), Chang Woo-soung, en 1943 (formato monumental, 215 x 171 cm). Otros apuestan firmemente por la ruptura, como Yi Ma-dong, en su retrato de un hombre de 1931, al óleo, una figura sencilla y erguida, con poderosos relieves. Lo mismo ocurre con los retratos de mujeres, en su interior "modernizado" por un gramófono , o en una pose relajada, To Sang-bong en 1933, o la mujer que ejerce una "profesión de hombre" frente a su microscopio, en un estilo preciso (Yi Yu-tae en 1944). Finalmente, más problemáticos son aquellos que eligen motivos de "color local", como Lee In-sung (1912-1950), cuyo enfoque puede atribuirse fácilmente al colonialismo dominante o como una marca de nacionalismo.
El colonizador organizó las primeras exposiciones de artistas, primero japoneses, luego coreanos en 1916, con el supuesto objetivo de despolitizar a algunos de los intelectuales. La primera “Exposición de Arte Joseon”, diseñada por y principalmente para los colonizadores, se llevó a cabo en 1922. Además, la introducción del Desnudo, como género artístico , trastocó los valores y comportamientos confucianos. La mayoría de los miembros del jurado eran entonces profesores o artistas de la Escuela de Bellas Artes de Tokio. Las distorsiones expresionistas, el uso de colores beige son indicadores de una intensa circulación de información en el mundo del arte internacional que llega a Corea. Esto no dejará de pedir algo de la "identidad" del arte coreano (Pai A-soung, Familia , 1930-1935, 140x200 cm.): Friso frontal modelado casi sin composición con efecto de simetría parcial, trajes tradicionales, paleta reducida , tonos apagados. El retrato de familia no puede desviarse del naturalismo y busca, “naturalmente”, una formulación en la que los viejos códigos aún sean evidentes. Por otro lado, muchos coreanos, incluidos algunos artistas, desde el levantamiento del 1 de marzo y su represión en 1919, luego la Segunda Guerra Mundial y luego en el contexto de la Guerra de Corea (1950-1953), intentarán encontrar en Occidente una libertad y una seguridad que les son inaccesibles en su propio país. París da la bienvenida a algunos, extraídos de la década de 1950 por la influencia cultural de la capital francesa en una Europa pacífica. Kim Wanki, cuya pintura evoluciona de una figuración estilizada (años 50) a una abstracción monocromática (años 70), pasa por París de 1955 a 1958.
Personnalité d'exception, Yoo Youngkuk (en) (1916-2002) construit les premières formes d'art abstrait géométrique coréens à Tokyo, lors de sa formation à l'école professionnelle d'art Bunka Gakuin , dans les années 1930, mais en autodidacte Un relief de 1939 (reconstruit en 1979) est composé de 6 rectangles monochromes de peinture à l'huile laquée, se chevauchant en partie pour certains, d'autres n'étant en contact que par un angle, en 6 reliefs distincts, directement en la pared. Allí también aprendió fotografía. De regreso a Corea, dejó toda práctica artística de 1943 a 1955. Luego se convirtió en el promotor de una abstracción del paisaje que fue reconocida internacionalmente en las décadas de 1960 y 1970.
La primera generación de pintores está representada por Kim Jugyong (1902-1981) y Kil Jinsop (1907-1975), quienes usan óleo, estaban entre los pocos privilegiados que habían podido estudiar en Japón. A su llegada a Corea del Norte, se involucran políticamente, Kim es elegido miembro del consejo constitucional y lleva la bandera y el emblema nacional. Kil se convierte en un teórico decisivo en la búsqueda de una nueva estética coreana. De hecho, después del período colonial, la coreanización del arte es de suma importancia.
En la década de 1950, el realismo socialista todavía tenía una gran influencia. Así, la revista Joson Misul ( arte coreano ) de 1959 explica cómo componer el retrato de un trabajador en este estilo: un cuerpo musculoso y sudoroso, una camiseta interior sucia y rasgada y un aire sombrío. Poco después, en la década de 1960, se puso en práctica la ideología Juche : se representaba a los trabajadores limpios, bien vestidos y con una sonrisa en el rostro. Posteriormente, el artículo 45 de la Constitución de 1972 definió el arte juche como nacional en forma y socialista en contenido.
Para los pintores coreanos de la posguerra, la pintura figurativa se renueva con esta generación. La famosa White Beef (1954) de Lee Jung Seob, expresionista, terriblemente más delgada es la imagen del país, de sus habitantes y de este artista que no puede salir de la pobreza. El de Park Soo-keun (1914-1965) se desprende del formalismo de una figuración geométrica, antes de la guerra, introduciendo materiales toscos “cubistas”, en conexión con la representación de las extremadamente difíciles condiciones materiales de vida del pueblo coreano. -período de guerra.
Durante este período, el lugar de París tiende a desvanecerse en favor de la “apisonadora” estadounidense, apoyada por una política exterior agresiva, incluso a nivel cultural. Las revistas de arte estadounidenses de la década de 1950 difundieron rápidamente la imagen de obras que se hicieron mundialmente famosas, imitadas. Es hora de la escuela de Nueva York, con Jackson Pollock convirtiéndose en un ícono. Las nociones de individualismo y riesgo en su pintura presentan características de la cultura internacional moderna con las que el nuevo liberalismo se identificó en la época de la Guerra Fría. Lee Ungno (1904-1989), quien practicó la tradición de la pintura con tinta, estudió en Japón y luego encontró una nueva vida en París en 1958. Su apropiación de la figuración y la abstracción practicadas por el movimiento moderno, y los medios tradicionales, tinta y papel coreanos , converge con el dinamismo de Corea en la década de 1980, años de democratización , y más allá, toda una sección del arte contemporáneo coreano.
La pintura abstracta dominó en la década de 1960, el tema de la pintura fue muy importante. Esta pintura abstracta llega hasta el arte informal o el expresionismo abstracto . Estas tendencias se recogen dentro de la Asociación de Artistas Contemporáneos, alrededor de 1957. Es el caso de Ha Chong-Hyun, entre muchos otros y de Park Seo-bo (1931), en la década de 1950, entre muchos otros. Relieves muy altos, como Soulages en esos mismos años. Park Seo-bo surge entonces, a menudo, de la materialidad del aceite triturado para evocar materiales por medios gráficos ( Escritos , de los 70 a los 2000), en composiciones de trama, casi minimalistas, incluso monocromáticas. (2017). La reducción de los medios plásticos, que se manifiesta en el enfoque de Park Seo-bo, ha sido una tendencia general en el arte desde finales de la década de 1960. Las pinturas de Agnès Martin (1912-2004), en Estados Unidos, son un buen ejemplo . Esta corriente también dará lugar a una visión volcada hacia lo intangible, con colores casi indistinguibles, incluso monocromáticos, como los de Park Seo-bo en 2017.
Un camino completamente diferente, Art minjung , pertenece a un movimiento de regreso a la figuración, un movimiento internacional, revivido aquí en el contexto político coreano de la década de 1980 , bajo el régimen autoritario del general Chun Doo-hwan (en el poder de 1980 a 1988). Los jóvenes artistas de la época, opuestos al capitalismo y la cultura burguesa, reviven las tradiciones de la imagen budista, grabados en madera, pinturas del chamanismo, aún populares, y quieren crear una cultura nacional basada en lo que las masas populares en Corea. Son ferozmente críticos con el concepto moderno de “ Arte por el arte ”. Oh Yoon (O Yun) (1946-1986) es un buen ejemplo, conocido por sus grabados en madera. Por tanto, reactivó las fórmulas de la xilografía moderna ( grabados expresionistas alemanes anteriores a 1918) con motivos culturalmente bien marcados con el sello de Corea. Este es el minjung (en) como movimiento cultural, político y popular en la lucha por la democracia. Este movimiento toma de la tradición nacional lo que se ha devaluado antes: el arte popular , la pintura de género (por ejemplo, los dibujos de Danwon ), los grabados y el carácter narrativo del arte budista, que se caricaturiza fácilmente y se dirige a todos.
La posible distinción entre un arte moderno o contemporáneo, implícito "internacional", y un arte estrictamente "coreano" favoreció el reconocimiento de una pintura en tinta o tinta y colores, conocida como Hanguk-hwa . Esta pintura figurativa, a veces de un realismo detallado pero en otras partes con poderosos juegos de agua o tinta, puede llevar a una evocación de un paisaje casi abstracto, una abstracción del paisaje. Todavía se practica en 2016.
Desde la década de 1960, la tendencia internacional a explotar géneros, pintura, escultura, fotografía, video, performance ... ha creado formas nuevas y, a menudo, híbridas. El arte contemporáneo se beneficia cada vez más de la globalización de la información y los artistas coreanos, como otros, circulan por el mundo. Esto no significa que todo sea igual, pero la noción de arte coreano contemporáneo se aplica a todos los artistas de origen coreano que a menudo están ausentes de Corea, y como los artistas de hoy parecen ajenos a la pintura tradicional coreana. Sin embargo, sus referencias a Corea, su conocimiento del país y su historia nutren su trabajo. Lee Ufan pone una pincelada rápida de azul puro sobre una porcelana de Park Youngsook, evocando muchos vínculos con la historia del arte coreano . Las prácticas del arte contemporáneo se generalizaron en la década de 1970, en todo el mundo, a menudo se volvieron monumentales ( Mono-ha ) y se renovaron a través del contacto con las nuevas tecnologías, como el videoarte . Los artistas enfatizan su enfoque, sea cual sea el medio que hayan elegido. Por lo tanto, la pintura es a menudo solo un medio asociado a menudo con otros para producir un efecto en el espectador. Lee Ufan (1936-) es una figura esencial del arte contemporáneo que utiliza la pintura en esta perspectiva. Participó en los textos fundacionales, en Tokio, de Mono-ha (1968-1975), literalmente "Escuela (-ha) de las cosas (mono)". Reúne diferentes materiales, pero también estos materiales y el espacio circundante. Podría ser, en 2010, la simple colocación de un pincel cargado de materia que se revela del azul más intenso tras su paso en el horno de cerámica, sobre un plato de porcelana del blanco más puro, de Park Youngsook (1947-). Las pinturas del Museo Lee Ufan de Naoshima se crean, en relación con el espacio de la pintura, "con pinceladas que parecen sincronizarse con el ritmo de la respiración tranquila del artista".
El arte contemporáneo, practicado por artistas de origen coreano, pero que a menudo viven en otras partes del mundo, participa en una renovación constante de las formas artísticas en las que la pintura sigue viviendo.