Hiroshige

Hiroshige Imagen en Infobox. Retrato póstumo en memoria de Hiroshige pintado por el pintor y amigo Kunisada Utagawa (Toyokuni III, 1786-1864).
Nacimiento 1797
Edo
Muerte 12 de octubre de 1858
Edo
Entierro Tōgaku-ji ( d )
Nombre en idioma nativo 歌 川 広 重
Nacionalidad Japonesa
Actividad Pintor , grabador
Maestros Utagawa Toyohiro , Ōoka Unpō ( d )
Estudiante Suzuki Morita , Andō Tokubei, más conocido como Utagawa Hiroshige III
Persona relacionada Fuchigami Kyokkō ( d )
Lugares de trabajo Edo , Kioto
Movimiento Escuela Utagawa , cultivo de Kasei ( en )
Influenciado por Hokusai
Obras primarias
Cien vistas de Edo
Las cincuenta y tres estaciones de Tōkaidō
Las sesenta y nueve estaciones de Kiso Kaidō

Utagawa Hiroshige (歌川広重, Utagawa Hiroshige , Nacido en 1797 en Edo , los muertos12 de octubre de 1858en Edo ), también llamado Ando Hiroshige, es un dibujante, grabador y pintor japonés . Se distingue por series de grabados en el monte Fuji y en Edo (actual Tokio ), dibujando de manera evocadora los paisajes y la atmósfera de la ciudad, recapturando los momentos de la vida cotidiana de la ciudad antes de su transformación a la era Meiji (1868- 1912).

Autor prolífico, activo entre 1818 y 1858, creó una obra que consta de más de 5.400 grabados.

Está con Hokusai , con quien a menudo se lo compara, para oponerse a ellos, uno de los últimos grandes nombres en ukiyo-e y, en particular, en la impresión de paisajes, que habrá llevado a una cima. xilografía en Japón .

Su serie más conocida, Las cien vistas de Edo , Las sesenta y nueve estaciones de Kiso Kaidō y especialmente Las cincuenta y tres estaciones de Tōkaidō , compiten en notoriedad con la famosa serie de Hokusai, Treinta y seis vistas del monte Fuji (que es posiblemente el grabado japonés más conocido, The Great Wave off Kanagawa ).

El estilo de Hiroshige, sin embargo, es bastante diferente al de Hokusai .

Hiroshige es el humilde intérprete de la naturaleza que, utilizando los toscos medios del grabado en madera, sabe expresar como a través de "una ventana encantada" las delicadas transparencias de la atmósfera a lo largo de las estaciones, en paisajes donde el hombre está siempre presente. La composición de sus obras es sorprendente, caracterizada por un sutil dominio de los colores atrevidos, con predominio del verde y el azul . Su sentido del primer plano será retomado más tarde por Degas , y lo encontraremos en la fotografía .

Poco después de la reapertura forzada de Japón al comercio con Occidente , fue principalmente a través de la obra de Hiroshige que el mundo descubrió hacia 1870 la asombrosa originalidad de las artes gráficas en este país. La influencia japonesa tendrá una influencia decisiva en los pintores impresionistas y luego en el Art Nouveau .

Los diversos nombres de Hiroshige

Los artistas japoneses de ukiyo-e suelen utilizar más de un nombre a lo largo de sus vidas. Quizás el ejemplo más famoso sea el del pintor Hokusai , quien usará más de cincuenta y cinco nombres diferentes a lo largo de su vida, cambiando su nombre de artista con cada nueva obra importante.

En el caso de Hiroshige, primero usa su nombre real, Andō Tokutaro (donde Andō es el apellido), hijo de Andō Genuemon. Entonces, como es de costumbre , Más tarde cambia su primer nombre a Jūemon.

Utagawa Hiroshige fue entonces el nombre que recibió en 1812, solo un año después de unirse a la Escuela Utagawa como alumno de Utagawa Toyohiro , para tomar el nombre de artista Hiroshige . Este nombre de Hiroshige, bajo el cual pasará a la posteridad, está formado por el segundo personaje, Hiro , del nombre de su maestro Toyohiro, seguido de la "lectura alternativa", Shige del primer personaje Jū de su primer nombre Jūemon.

Pero en ese momento recibió una especie de nombre de taller, Ichiyūsai, que modificó en 1830-1831 cambiando una de las sílabas, para tomar el nombre de Ichiryūsai, como su maestro Toyohiro. A veces, más tarde acortaría este nombre a Ryūsai. Ichiryūsai es el nombre que usa principalmente para sus famosas Vistas de la capital oriental .

Finalmente, como es tradición para el alumno más talentoso en un taller, toma el nombre de su maestro a su muerte, y por lo tanto también usa el nombre de Toyohiro II.

Estos "juegos" de nombres dentro de una escuela atestiguan tanto el deseo de perpetuar el nombre del maestro como de rendirle homenaje y mostrar humildad hacia él (conservando el segundo carácter de su nombre en lugar del primero). Finalmente, cada nuevo nombre se usó como un horario que podría cambiarse para diferentes períodos de la vida, lo cual fue un buen presagio.

Biografía

Los principios

Los elementos relacionados con su biografía antes de ingresar al taller de Toyohiro deben tomarse con precaución, las diversas biografías disponibles presentan versiones ligeramente diferentes.

Utagawa Hiroshige, cuyo nombre real es Andō Tokutaro, nació en la estación de bomberos Yayosugashi en Edo. Su padre Andō Genuemon, un samurái de menor rango, era oficial de brigada allí, a cargo hereditario de los bomberos. El cuartel estaba ubicado en el actual distrito de Marunouchi, y era responsable de la vigilancia del castillo del shogun Tokugawa y su gobierno, que estaba al lado. Estos hombres del fuego , como se les llama respetuosamente, se entregan fuera del horario de servicio a los refinados placeres de la ceremonia del té y componen versos en clubes de poesía muy cerrados. El joven Hiroshige se inició así en las artes a una edad muy temprana.

A partir de los diez años, sería Okajima Rinsai (1791-1865) quien le enseñó la pintura kanō tradicional . Se ha encontrado un pergamino titulado Procesión de los isleños de Luchu y algunos expertos lo han atribuido a Hiroshige. En ese momento solo tenía diez años. Lo cierto es que en 1806 el shogunato recibió un embajador de las islas Luchu que había venido a rendirle homenaje. Para quienes lo han tenido en sus manos, el dibujo demuestra un talento particularmente precoz.

Pierde a sus padres muy temprano y casi simultáneamente: primero a su madre, y un año después, a su padre. Hiroshige tenía entonces catorce años. Su padre acababa de legarle su oficio un año antes de su muerte, en 1809, después de treinta y cinco años de servicio. Cumplía su función de bombero sin demasiada dificultad en la medida en que el cuartel debía proteger solo el fuego de los choques del shogun. castillo. Esto le dejó tiempo para su pasión: el dibujo. Trató de ingresar a la escuela de Utagawa Toyokuni (1769-1825), un maestro de grabado, y fue rechazado porque Toyokuni ya tenía demasiados alumnos.

A los catorce años fue aceptado en el estudio de Utagawa Toyohiro (1773-1828), quien se encargó de la elaboración de estampados de paisajes. Allí aprendió los estilos Kanō y Shijō . Un año más tarde (en 1812) fue honrado con el nombre de pincel de Utagawa Hiroshige. Y en 1828, a la muerte de su maestro, se hace cargo del taller con el nombre de Toyohiro II.

Hasta 1829, se dedicó principalmente al retrato, al igual que sus antecesores antes que él: mujeres, actores, guerreros. Tatsujiro Nakamura, en su libro de 1925 Hiroshige Wakagaki ( Las primeras obras de Hiroshige ), muestra grabados de 1822 llamados Uchi to soto sugata hakkei y Goku saishiki imayo utsushiye que representan retratos de mujeres. Sin embargo, su trabajo tiene más la influencia de Eisen que la de su maestro Toyohiro.

El verdadero punto de inflexión de su vida tendrá lugar en 1832 cuando pueda legar a su vez a Nakajiro, su hijo o su tío (nunca se ha establecido la relación exacta) el cargo de bombero y dedicarse exclusivamente a su arte. La muerte de Toyohiro en 1829, y el hecho de que Hokusai ya había allanado el camino para la pintura de paisajes al convertirla en un género por derecho propio, le abrirán nuevas perspectivas. Crece la demanda de representaciones de paisajes.

Comenzó su carrera como paisajista con Famous Places in the Eastern Capital , en 1831-1832, pero fue su serie, The Fifty-three Steps of the Tōkaidō Road , la que lo lanzó y le valió la fama inmediata en 1833-1834.

The Tōkaidō Road, un éxito instantáneo en la pintura de paisajes

Reconocimiento repentino

Las cincuenta y tres estaciones de la carretera Tōkaidō , una colección de cincuenta y cinco grabados, representan las cincuenta y tres etapas que unían a Edo , la capital del shogun , a Kioto , la ciudad imperial (es decir, cincuenta y tres etapas intermedias, a las que pertenece). apropiado para agregar Edo al principio y Kyoto al final).

La edición Hōeidō de Cincuenta y tres estaciones del Tokaido es el bestseller del ukiyo-e con una tirada de más de 10,000 copias y le valió a Hiroshige fama inmediata en Japón como pintor de paisajes (Hiroshige había sido rebautizado por sus contemporáneos: "El pintor de Tōkaidō "), y más tarde, en todo el mundo. Es su obra más conocida y a menudo se ha reproducido o imitado desde entonces. Ante el éxito, surgirán otras versiones (alrededor de una treintena, de muy distinta calidad y duración), algunas representando solo unas pocas emisoras.

El origen de la serie

Cada año, una delegación iba a Kioto para rendir homenaje al emperador ofreciéndole caballos. Por orden del shogunato de Edo, Hiroshige es responsable de acompañar al gobierno de Tokugawa en el viaje, y fija momentos importantes en el papel a lo largo del camino. En el camino, hizo bocetos que tomó de vuelta para imprimir cuando regresara a Edo.

Si la edición Hōeidō, que comprende 55 grabados en total, es con mucho la serie Tōkaidō grabada por Hiroshige que adquiere la mayor notoriedad, la artista, ante el éxito que encuentra, no se limita solo a ella. Rehizo cerca de una treintena de versiones muy diferentes sobre este mismo tema, que a veces solo incluyen algunas copias. Cada una de estas diferentes "ediciones" incluye placas completamente diferentes para cada una de las etapas, y constituyen tantas obras radicalmente distintas de Hiroshige, teniendo solo una cosa en común que se relacionan con el mismo tema de la ruta Tōkaidō.

Así, la primera etapa, Shinagawa, fue ilustrada por Hiroshige de nueve formas diferentes, la segunda etapa, Kawasaki, tiene nueve versiones, y la tercera etapa, Kanagawa, estará representada por Hiroshige de ocho formas diferentes a lo largo de su carrera.

Las razones del éxito

En ese momento, en la década de 1830, el comercio y el tráfico en todo el país estaban creciendo rápidamente. La oferta de medios de transporte como caballos y palanquines , así como la oferta de posadas aumenta constantemente. Las peregrinaciones a Ise , Shikoku , así como los viajes de placer, están aumentando, especialmente a medida que las restricciones gubernamentales se vuelven menos onerosas. Pero sobre todo la ciudad de Kioto es objeto de una creciente admiración . Por tanto, Hiroshige llegó en el momento adecuado.

A esto hay que sumarle el nuevo atractivo de las pinturas de paisajes, y esto en parte gracias a Hokusai.

Finalmente, Hiroshige sabe cómo sublimar la belleza natural del país utilizando el estilo fukibokashi (permitiendo gradaciones por bandas o ausencia de patrón); le agrega un toque de “magia” apelando a atmósferas atractivas que involucran lluvia, nieve, luna y niebla. La dimensión lírica de las impresiones, así como la calidad de impresión, lo completan todo. A partir de este período, multiplicó los viajes y las vistas de paisajes famosos.

Una intensa producción orientada a los estudios de paisaje

Hiroshige siempre se mantendrá fiel a Edo, su ciudad natal: en 1840 o 1841 vive en la calle Ogacho, luego en la calle Tokiwacho y, finalmente, en 1849, se instala en Nakabashi Kano-shinmichi, donde morirá más tarde. Obviamente, no se contentará con viajar solo dentro de Edo. QuizasDiciembre 1841, fue a la región de Kai, en 1852, en las provincias de Kazusa y Awa, y en 1854, fue enviado por segunda vez en misión oficial a Kioto.

De sus viajes, hemos encontrado entre otros sus diarios: Diario de viaje (parte del cual se quemó en 1923), Diario de viaje del templo de Kanoyama y Diario de viaje en las provincias de Kazusa y Awa . Estos diarios, los poemas que contienen, así como cierto humor, prueban que era letrado, a diferencia de muchos artistas de su época.

También sabemos que dibuja ciertos haikus que ilustran sus pinturas de una colección titulada Haikus de maestros antiguos sobre quinientos temas . Esto confirma que aprecia la poesía, disfruta leerla y escribir versos. También se encargó una serie ( Ocho vistas de los alrededores de Edo ) a instancias de un poeta (Tahaido), que financió las ediciones de una serie (privada luego pública) en la que aparecen sus poemas. Este es también el caso de las Ocho miradas de whichmi que van acompañadas de poemas, y un cierto número de otras series donde los textos poéticos responden a la imagen.

Pero sobre todo, extrae de él multitud de grabados que se agrupan en colecciones: Lugares famosos de Kioto , Sesenta y nueve etapas de Kisōkaidō , Ocho vistas del lago Biwa , Cien vistas de Edo , etc. Se encarga de seleccionar las mejores editoriales de la época, los mejores talleres de grabado e impresión.

En la segunda parte de su carrera, hizo más uso del formato ōban en la presentación vertical y la profundidad de campo al colocar a los personajes en primer plano para crear señales espaciales.

Utiliza mucho el estilo fukibokashi permitiendo los degradados de color. En muchas impresiones policromadas, se puede notar el uso del azul de Prusia , lo que le valió el sobrenombre de Hiroshige el azul .

Su trabajo incluye unas 8.000 copias realizadas durante su vida (rango superior de la estimación, incluyendo un buen número de copias en blanco y negro). La cifra exacta es difícil de establecer con precisión debido a ciertas placas en las que se duda en la atribución, incluso si llevan Hiroshige ga , firma tomada nuevamente por al menos dos de sus sucesores durante un tiempo de su carrera (que probablemente no lo hizo). molestar a los editores). Hiroshige se dedica principalmente a dos temas:

  • En general, los paisajes;
  • En particular, Edo, su ciudad, de la que realizó unas mil copias.

Pero Hiroshige es un pintor de talentos eclécticos como lo demuestran su kachō-ga (pinturas de flores y pájaros), su serie sobre peces, sus escenas históricas, etc.

El final de su vida

Hiroshige se ha casado dos veces. Su primera esposa murió enOctubre de 1839, cuando tenía cuarenta y tres años. Toma como su segunda esposa a la hija de un granjero de la aldea de Niinomura, en la provincia de Yenshu. Este, que es dieciséis años menor que él, muere enOctubre de 1876, dieciocho años después de la muerte de Hiroshige.

Al final de su vida, no pobre, pero tampoco demasiado rico, vivía en un apartamento de cinco habitaciones, preocupándose hasta el final de si podría pagar algunas de las deudas contraídas. Sin duda, no le atrae mucho el dinero o no sabe cómo administrarlo. Se ha dicho que Hiroshige es un epicúreo , pero lo único seguro que se sabe sobre este aspecto de su carácter es que disfruta de las comidas en la posada cuando viaja y disfruta del sake , teniendo esta inclinación en común con su segunda esposa.

Hiroshige murió de cólera el12 de octubre de 1858, la epidemia mata a unos veintiocho mil residentes de Edo. Poco antes de su muerte, durante su agonía, escribió su último poema:

Dejo mi pincel en Azuma Viajaré
a las tierras de Occidente
Para observar los famosos puntos de vista.

Su última serie, Fuji sanj rokkei , estaba siendo editada por Tsutaya. La reedición del 6 º  mes de 1859 incluye un texto Sankei Shumba "Hiroshige ha entregado sus últimos diseños para el editor en el otoño temprano, antes de morir, diciendo que era una adición de todos sus talentos artísticos adquiridos durante su vida. "

Sus alumnos

Dedicando algo de tiempo a viajar, Hiroshige no tiene mucho tiempo para dedicarlo a transmitir su talento y formar a jóvenes estudiantes. También cree que los estudiantes de arte deberían aprender por su cuenta.

Sin embargo, hay algunos, que incluyen:

  • Suzuki Morita (1826-1869), su hijo adoptivo y esposo de su hija. Tomó el nombre de Hiroshige II de 1858 a 1865, luego de los de Shigenobu o Ryûsho. Ciertamente participó en la elaboración de algunas de las impresiones del maestro, incluidas algunas de las cien vistas de sitios famosos en Edo .
  • Andō Tokubei, más conocido con el nombre de Utagawa Hiroshige III (1843-1894), que no deja rastros llamativos en sus obras salvo algunos kachō-ga y láminas que muestran la transformación del país bajo la era Meiji.

Contexto y comienzo de la decadencia del ukiyo-e

El ukiyo-e , en francés "pinturas del mundo flotante", nació en Japón en el XVII °  siglo en la cultura urbana y burguesa en la capital de la época, Edo , la actual Tokio en 1868 .

La técnica de realización de estos estampados consiste en un grabado en madera  : el dibujo original a pincel, el shita-e , se dibuja en una hoja de papel resistente muy fina llamada minogami , pegada boca abajo sobre una tabla de madera bastante blanda (cerezo, peral , a menudo cortado en el borde del maletero, para una mayor resistencia a los empates múltiples, lo que explica los límites del formato ōban ). Este tablero de matriz se vaciará con una gubia para dejar solo las líneas del pincel en relieve ( tamaño de ahorro ). A partir de ahí dibujamos tantas hojas en blanco y negro como necesitemos de colores. El artista determina en cada una de las hojas el color correspondiente a las superficies de la ropa, follaje, mares, montañas, etc.

Seguidamente grabamos de la misma forma, a partir de las láminas en negro, distintas planchas correspondientes a cada color futuro. Imprimimos la hoja de papel (papel hōsho ) a estampar aplicándola sucesivamente (en un orden determinado por el artista) sobre cada plancha derivada de la primera, marcada en ella, pero entintada en un color diferente, y frotamos ligeramente húmedos. papel con baren (hecho de fibras y hojas de bambú), lo que requiere mucha experiencia por parte de grabadores e impresores.

Por superposición de colores transparentes (vegetales o minerales), se puede obtener una gran sutileza en los tonos a partir de un número limitado de colores. El amarillo sobre índigo más o menos oscuro produce un verde, si añadimos el tablero de ocres en algunos lugares, estos lugares tomarán un tinte verde oliva oscuro, etc.

A veces, la pizarra se utiliza para el registro de colores, sin estar impresa en negro, lo que produce un efecto de acuarela occidental. Para los efectos de nieve, reservamos el blanco del papel, agregamos mica glitter , realzamos ciertos lugares con una tabla no entintada. Estos efectos son particularmente notables en ciertas impresiones tardías de Hiroshige, donde utiliza por última vez verdes gruesos o rojos de cobertura, por ejemplo, para llevar el follaje al primer plano (p. Ej., Lámina 52, Akasaka kiribatake , des Cent views d 'Edo ), sobre el negro. línea (o de color) en el dibujo.

La habilidad del impresor en presionar más o menos con su sello, produce los efectos de degradados tan a menudo explotados para el mar, el cielo, los grises de los fondos nevados, las brumas. La lluvia a veces estaba representada por franjas negras, a veces reservada, a veces superpuesta con tinta blanca, a veces todavía sugerida por barridos de colores ( shōno , en Las cincuenta y tres estaciones de Tōkaidō ). Esto presuponía un vínculo artístico íntimo entre pintor, grabador e impresor. Los del editor Hoeidô prestaron especial atención a su trabajo durante la primera edición del Gran Tōkaidō y mostraron una gran habilidad.

Hiroshige fue un maestro, como Hokusai y sus contemporáneos en la explotación de estas sutilezas, que complicará incluso después del relativo descuido de los colores vegetales colores frágiles, el uso de colores opacos en tintes de anilina y azo de Occidente, de 1829 (fecha de que el azul de Prusia se importó en grandes cantidades para impresiones).

Estas reproducciones en madera grabada tenían un costo unitario relativamente bajo porque la producción en series pequeñas era bastante fácil. Como los tableros se desgastaron rápidamente, se hicieron varias impresiones en papel minogami con anterioridad , antes de las primeras pruebas “comerciales”, con el fin de volver a grabar nuevas maderas para impresiones posteriores. Esto explica por qué la primera edición, grabada a partir del dibujo del artista, a menudo tiene más delicadeza que las ediciones posteriores, incluso pulcra, re-grabada desde la línea más gruesa, menos "sensible", pruebas de respaldo en blanco y negro, el negro de que a veces ha babeado un poco.

En esta ocasión, antes de la reimpresión, el artista retocaría el grabado para mejorar su composición: por ejemplo Nihonbashi (Hoeido) donde existen dos versiones diferentes, como en algunas otras láminas de la serie. Incluso hay tres variaciones diferentes en algunos casos, y la versión inicial no siempre es la más exitosa. Para satisfacer al mayor número de aficionados, los pintores variaron las formas y los temas: escenas de la vida cotidiana en Edo, vistas de lugares famosos, temas históricos, paisajes, flores y pájaros, ilustraciones eróticas.

Los grabados que más gustaban a los japoneses en ese momento se llaman:

En Japón, el arte toma cada vez más importancia para llegar a su apogeo a finales del XVIII e  siglo y el comienzo del XIX e  siglo .

Pero tras las reformas de Kansei , y ante las presiones extranjeras que empujaban a Japón a abrirse al mundo exterior, se abandonó la política interior y no se dio ningún nuevo impulso para regenerar la cultura y las artes.

Más tarde, con el advenimiento de la era Meiji ( 1868 - 1912 ), Japón se abrió al mundo occidental y, a cambio, comenzó a entrar en Japón. Durante mucho tiempo, los grabados y las pinturas al óleo influyeron en el ukiyo-e , con Okumura Masanobu primero, de 1739, luego Toyoharu y Shiba Kōkan . La llegada de la fotografía y la litografía , acogida con entusiasmo, dio el toque de gracia al ukiyo-e . El regreso solo ocurrió con el movimiento del “nuevo grabado” ( Shin-hanga ), de los años 1910-1920.

Es en este contexto que Hiroshige y sus contemporáneos, Kunisada Utagawa ( 1786 - 1864 ), Utagawa Kuniyoshi ( 1797 - 1861 ), Kikukawa Eizan ( 1787 - 1867 ), Keisai Eisen ( 1791 - 1848 ) y el más famoso de todos Hokusai Katsushika ( 1760 - 1849 ).

Obras

Colecciones de estampados de paisajes
  • Lugares famosos en la capital oriental ( Tōto meisho ) '
  • Veintiocho vistas a la luz de la luna ( Tsuki niju hakkei ), 1832.
  • Las Cincuenta y tres estaciones del Tokaido ( Tokaido gojusan-tsugi ), 1833-1834 para la 1 st  edition, seguido de ediciones diez que van desde finales de 1830 a 1857.
  • Imágenes de sitios famosos en Osaka ( Naniwa meisho zue ), 1834.
  • Las sesenta y nueve estaciones del Kiso Kaidō ( Kiso Kaidō Rokujūkyū-tsugi ), 1834-1842.
  • Ocho vistas de Ōmi ( Ōmi hakkei-no uchi ), tres series en 1834, 1847-1852 y 1857.
  • Vistas de Kyoto ( Kyoto meisho ), 1834-1835.
  • Seis ríos Tamagawa ( Ginsekai Toto Ju-ni-kei ), versiones de 1835, 3837, 1857.
  • Ocho vistas de Kanazawa ( Kanazawa hakkei ), 1835-1836.
  • Vistas famosas de la nieve, la luna y las flores ( Meisho setsugekka ), alrededor de 1846.
  • Restaurantes famosos de la capital oriental ( Tōto komei kaiseki zukushi ), 1852-1853.
  • Las treinta y seis vistas del monte Fuji ( Fugaku-sanjūrokkei ), 1852 y 1858. No confundir con una serie del mismo nombre , publicada entre 1831 y 1833 y producida por Hokusai .
  • Vistas de los sitios famosos de las sesenta y algunas provincias de Japón ( Rokujūyoshū meisho zue ), 1853-1856.
  • Cien vistas de Edo ( Meisho yedo hiakkei ), 1856-1858.
  • Luchas entre montañas y mares ( Sankai mitate zumo ), 1858.
Grabados que representan a personas
  • Ocho vistas que comparan mujeres y sus sueños ( Soto to uchi sugata hakkei ), 1821.
  • Papeles ornamentales según los cien poetas ( Ogura nazora-e Hyaku-nin isshu ), 1845-1849.
Trípticos
  • Vistas famosas de Edo ( Edo meisho ), 1830.
  • Nieve, luna y flores , 1857.
Tres trípticos titulados Vista de Naruto a Awa ( Awa no Naruto fukei ), Luz de luna sobre Kanazawa ( Kanazawa ha'ssho yakei ) y Nieve a Kisoji ( Kiso-ji no yama kawa ). Impresiones de la naturaleza
  • Serie de peces ( Uwo-zukushi ), 1832.
  • Una selección de diez flores ( Tosei rokkasen ), 1854-1858.
Impresiones históricas
  • Tales of Genji en cincuenta y cuatro capítulos ( Genji monogatari gojuyojo ), fecha desconocida.
  • El Almacén de Lealtad ( Chushingura ), 1836.
  • La historia de la venganza de los hermanos Soga ( Soga monogatari zuye ), 1848.
Libros ilustrados ( e-hon )

Selección de algunas obras importantes

Todas las obras, comentadas en detalle en las presentaciones de obras individuales, se conservan actualmente en el Museo de Arte Riccar de Tokio.

La Cincuenta y tres estaciones de ruta Tōkaidō

En 1832, Hiroshige hizo el viaje de Edo a Kioto por la carretera Tōkaidō, como miembro de una delegación oficial que escoltaba caballos para presentarlos a la corte imperial.

Los paisajes que luego atraviesa dejan una profunda impresión en el artista, que dibuja muchos bocetos a lo largo del viaje, así como a su regreso a Edo por el mismo camino. Después de su regreso a casa, inmediatamente comenzó a trabajar en las primeras impresiones para las Cincuenta y tres Estaciones de Tōkaidō . En total, producirá en definitiva cincuenta y cinco estampas de la serie, las cincuenta y tres estaciones propiamente dichas, a las que se sumará la estampa correspondiente al punto de partida y la correspondiente al punto final.

Las 69 estaciones de la ruta Kiso Kaidō

Esta serie, basada en el éxito de Las cincuenta y tres estaciones de Tōkaidō (de las cuales Hiroshige también dibujaría muchas otras visiones, incluso en formato chuban ), muestra las 69 estaciones de otra gran carretera, el Kiso Kaido. Esta ruta fue particularmente conocida durante los días de los shoguns Tokugawa, quienes construyeron cinco ejes principales, conocidos como Gokaidō , para facilitar las comunicaciones en todo el país y, al hacerlo, mejorar su control político.

La carretera Kiso Kaidō, como la Tōkaidō, conecta Edo con la antigua capital, Kyōto (donde aún reside el emperador), pero por una carretera que atraviesa las montañas centrales y ya no por una ruta costera.

La serie de 69 estaciones del Kiso Kaidō fue pintada en parte por Keisai Eisen . Eisen produjo 23 de las estaciones, más el punto de partida, Nihonbashi , Hiroshige hizo el resto de la serie Kiso Kaidō, o 47 copias.

El cuadro de pájaros y flores de Hiroshige, un arte completo

La pintura de pájaros y flores (el arte de representar flores y pájaros) siempre ha sido uno de los temas del ukiyo-e , el número de grabados se había restringido antes de la era Tenpō (1830-1844). Fue solo durante esta época que dos artistas (Hiroshige y Hokusai) realmente elevaron esta disciplina al mismo rango que el bijin-ga o el yakusa-e . Si Hokusai mostró interés por representaciones más realistas, Hiroshige prefirió por el contrario abordar los temas de una manera más lírica, más despojada, yendo a lo esencial ... un poco como un haiku (con el que generalmente acompañaba sus pinturas. aves).

La pintura de enfrente va acompañada precisamente de un haiku  : “El pato salvaje llora. Cuando sopla el viento, la superficie del agua se arruga. Este poema, como los otros que ha utilizado, no es suyo. Además de esta pintura, Hiroshige produjo otras tres ilustraciones de poemas sobre patos salvajes, símbolos de lealtad.

La impresión emerge una impresión de un frío glacial: la caña se dobla bajo el peso de la nieve, el agua y el cielo parecen fusionarse. Si la caña se dibuja toscamente con un bolígrafo, el ave es mucho más detallada, excepto por el plumaje del flanco (plumaje de invierno) donde no se ha aplicado color.

Este estilo de estampados se llama baka-in debido a la firma. De hecho, al mirar con atención, el cuadrado rojo en la parte inferior derecha, vemos que Hiroshige ha firmado un ciervo, shika (a la izquierda) y un caballo, uma (a la derecha), que también se puede leer "  baka  " ( combinando los dos signos) y que significa "idiota".

Las cien vistas de la serie Edo

Junto con Las cincuenta y tres estaciones de Tōkaidō y Las sesenta y nueve estaciones de Kiso Kaidō , Cien vistas de Edo es la tercera serie importante de meisho-e , "vistas famosas" que celebran los paisajes japoneses que forman parte de la abundante obra. . de Hiroshige. Todas las planchas fueron realizadas entre 1856 y 1858 (el artista murió durante la publicación de la serie).

Esta serie se diferencia de las dos series dedicadas a Tōkaidō y Kiso Kaidō, en particular por el uso de grabados enmarcados verticalmente, y ya no horizontalmente, así como la sangría del humano a favor de una mayor abstracción y audacia de composición, con el fin de reflejan la tensa emoción de las escenas. Hiroshige utiliza sobre todo composiciones de violentos contrastes que oponen un primer plano dramáticamente ampliado (proa de barco, rueda de carro, águila, vigas ...) al paisaje del fondo, una forma de sugerir profundidad.

Esta serie influyó en muchos occidentales impresionistas y post- impresionistas pintores , entre ellos Vincent van Gogh que hizo dos copias de dos placas.

La serie Nieve, Luna y Flores

La serie Snow and Moon de Hiroshige incluye varios trípticos de paisajes famosos, pintados por Hiroshige.

Estos trípticos constan cada uno de tres hojas verticales en formato ōban . Fueron realizados en 1857, un año antes de su muerte.

La influencia de Hiroshige en los pintores occidentales

A partir de la década de 1860, el Lejano Oriente, y en particular Japón, se convirtió en una importante fuente de inspiración (colores, perspectivas, composición, temas, etc.) para el mundo occidental y tuvo el efecto de renovar profundamente las artes y la arquitectura de los países europeos. abriendo el período del japonismo . Durante la era Meiji, las relaciones de intercambio se intensificaron con Japón. Un ejemplo frecuentemente citado y de importancia es la participación de Japón en las exposiciones universales de 1862 en Londres y de 1867, 1878 y 1889 en París. En el pabellón japonés, los visitantes descubren numerosas obras de arte, que también están a la venta al final de las exposiciones. El público en general se interesa rápidamente en él.

Pero es a través de coleccionistas privados ( Samuel Bing , Félix Bracquemond y el japonés Hayashi Tadamasa ), literatura (Edmond de Goncourt escribió dos monografías sobre pintores japoneses: Outamaro en 1891, Hokusai en 1896 y había planeado unas once más antes de su muerte, incluida una. sobre Hiroshige) y las “cenas japonesas” (que reúnen a Edgar Degas , Louis Gonse , Edmond de Goncourt , Félix Bracquemond, etc.) que los pintores conocerán sobre las obras japonesas, entre las que se encuentran (entre otras) estampas de pintores ukiyo-e .

Muchos pintores encontrarán allí una fuente de inspiración, reforzando su propia visión (Camille Pissarro: "Los artistas japoneses me confirman en nuestro sesgo") o modificando su visión de la pintura. El estadounidense Whistler ( La Princesse du Pays de la Porcelaine ), Henri de Toulouse-Lautrec (sus carteles, su firma), Paul Cézanne ( La Montagne Sainte-Victoire ), Paul Gauguin (la serie sobre Tahitiennes) fueron influenciados , etc. .

Pero este también será el caso de tres pintores de primer nivel, ellos mismos coleccionistas de cientos de grabados: Vincent van Gogh , el artista más influenciado por Japón, Claude Monet y Alfred Sisley .

La influencia en Vincent van Gogh

Vincent Van Gogh es sin duda el pintor europeo más influenciado por la pintura japonesa. Algunos retratos dan fe de ello ( Agostina Segatori en el café Tambourin , los retratos del padre Tanguy , L'Italienne , sin embargo acomodados a la moda occidental), pero también sus Iris muy fuertemente inspirados en Hokusai ( Iris y cigarra de 1832 , por ejemplo) , sus árboles, etc.

Amante de los grabados, ha coleccionado varios centenares de ellos, doce de los cuales son de Hiroshige.

Durante el verano de 1887 , transcribió literalmente tres grabados japoneses:

  • La cortesana después Keisai Eisen ( 1790 - 1848 ). Estrictamente hablando, la reproducción solo representa a la mujer sobre un fondo ocre, habiendo añadido Van Gogh el grueso borde decorado con un estanque decorado con nenúfares y tallos de bambú. Había encontrado la imagen en la portada de un número de la revista temática Paris ilustrada en 1886 (número preparado por Hayashi Tadamasa ).
  • El ciruelo en flor y Un puente bajo la lluvia después de Utagawa Hiroshige (ver reproducciones al lado), que era de su propiedad.

Admirando y elogiando la destreza de los artistas japoneses, le escribió a su hermano Theo: “Su trabajo es tan simple como respirar y hacen una figura en unos trazos seguros con la misma facilidad, como si fuera tan simple como abrocharse los botones. chaleco. "

Esto se debe a que en la buena sociedad, el efecto de la moda japonesa llevó a vestirse con kimonos , instalar biombos en los salones y aprender sobre la ceremonia del té .

Van Gogh va mucho más allá. Durante su estancia en Amberes, decoró su habitación al estilo de ukiyo-e  ; en París, fue a la tienda del coleccionista Samuel Bing , y en la primavera de 1887 , en el café Tambourin de Montmartre , exhibió una exposición de estampas japonesas coleccionadas con su hermano Theo.

La imitación de las tres obras mencionadas pretendía imbuir el estilo japonés. A partir de ese momento, Van Gogh colocará colores a menudo sin mezclar en sus lienzos y, sobre todo, verá en los grabados una justificación de su propio uso del negro, casi prohibido por otros pintores impresionistas . Reintroducirá el valor propio de la línea para delimitar planos u objetos, y darles fuerza. Además de los sujetos, también se inspirará en el uso del espacio por parte de los pintores japoneses, en la vivacidad que imprimen en el tablero las curvas y los giros (ver los remolinos de Naruto, los giros de los pinos y árboles en general, las nubes, incluso las apariencias rocosas). , esas "venas del dragón" que subyacen en las composiciones de Hokusai como la famosa Ola ), de la dialéctica entre "aquí" y "allá" (particularmente explotada por Hiroshige con sus primeros planos que empujan hacia atrás en la distancia) y la perspectiva aérea oriental, para los pintores japoneses, el espíritu del Zen.

La influencia en Claude Monet

Resulta que Claude Monet se inspiró en gran medida en los pintores japoneses: participó en las "cenas japonesas" organizadas por Samuel Bing , habló de arte japonés con otros pintores y escritores, se codeó con Hayashi Tadamasa , fue a la galería Durand-Ruel en París en la década de 1890 … Y sus cuadros se ven afectados. Una de las pruebas más evidentes es sin duda el retrato de su primera esposa ( Camille Doncieux ) vestida de japonesa (ver ilustración), pero en general, tomó de los artistas japoneses ciertos esquemas de color, ciertos temas, así como el movimiento y el encuadre.

Por otro lado, es dudoso que haya asumido directamente la idea (idea fácil, pero muy extendida) de su "serie" ( catedral de Rouen , pajares , álamos , el Támesis de Londres , Venecia, etc.) de los pintores japoneses. , por la razón de que su ambición era diferente. Donde los japoneses representan un lugar desde diferentes puntos de vista (ver Treinta y seis Vistas del Monte Fuji de Hokusai, por ejemplo), en diferentes momentos, y ponen en juego las horas del día, los elementos naturales (nieve, lluvia, viento, tormenta ), Monet prefiere pintar un lugar desde el mismo ángulo (o casi), enfocándose en la forma de representar la atmósfera, el ambiente, la luz y de transcribir las emociones fugaces sentidas durante la pintura (aunque algunas le llevaran semanas, el la emoción se transcribe a posteriori ).

Monet fue influenciado por los pintores japoneses en general, por supuesto, pero sus dos referencias fueron principalmente Hokusai e Hiroshige. Si se siente la influencia de Hokusai para los nenúfares, si la de Hiroshige emerge en las representaciones de un puente (el modelo "físico" es el puente japonés que Monet había instalado en su jardín en Giverny ) o de álamos (ver ilustraciones comparativas) , no es en estas proximidades de la composición anecdótica donde debemos detenernos: más en general, es el tipo de atención que los pintores japoneses trajeron al mundo, a los paisajes, las plantas, las personas, es la preocupación del clima psicológico, del variabilidad de la visión según el momento y el estado de ánimo que la impregnó. Monet (o Whistler) y los impresionistas en general, a través de la lección de pintores impresos como Hiroshige, a través del ukiyo-e , se vuelven particularmente sensibles a lo que la visión del "mundo cambiante presente" reflejó del ser humano, en preciosos momentos, irreproducibles, pero fijados por el arte. Aprendieron de las imágenes japonesas que podía existir un modo de expresión capaz de renovar su pintura, esta "visión del mundo flotante", un modo de expresión capaz de traducir y fijar, paradójicamente, de una manera nueva. Las sutilezas de las variaciones. del alma humana.

La influencia en Alfred Sisley

En algunas de las pinturas de Alfred Sisley se percibe una marcada influencia del arte japonés. Richard Shone  (en) reúne La Place du Chenil en Marly, efecto de nieve de Sisley de Nuit de neige en Kambara de Hiroshige.

Fuente de información

Notas

  1. El elogio es de su amigo el poeta Tenmei Rōjin, y se titula Cuando pensamos en él, nuestras lágrimas están cayendo ( Omoe kiya raku rui nagara ), Adele Schlombs 2007 , p.  47.
  2. 5.400 obras es el número de copias en color y en todos los formatos generalmente aceptados, pero algunos expertos (Minoru Uchida en particular) plantean una cifra que podría llegar a las 8.000 en total. Al no haberse elaborado un catálogo exhaustivo, es muy difícil verificar esta cifra.
  3. Véase a este respecto Mochizuki , el 26 º  de impresión de Sesenta y nueve Estaciones del Kiso Kaidō , cuyo corte sujeto en primer plano se encuentra en Degas , y también en la fotografía, dando el tema del carácter de una "instantánea".
  4. El nombre de la escuela se coloca primero en japonés, al igual que el apellido.
  5. Los caracteres japoneses de origen chino se pueden pronunciar según su lectura en chino o según su lectura en japonés.
  6. Ver sobre este tema el ejemplo de Kaigetsudō Ando , cuyos estudiantes formaron su nombre de artista a partir del segundo carácter, do , del maestro, excepto Kaigetsudo Anchi, quien también se ha dicho que es -be hijo de Ando.

Referencias

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  3. Adele Schlombs 2007 , p.  47.
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