| Orígenes estilísticos | Música concreta , la música electroacústica , la música electrónica , la improvisación , el dadaísmo , el futurismo |
|---|---|
| Orígenes culturales | Principios de la década de 1910 ; Europa |
| Instrumentos típicos | Guitarra eléctrica , bajo , batería , voz |
| Popularidad | Varía mucho |
| Escenas regionales | Japón |
Sub géneros
Ruido áspero , electrónica de potencia , la pared de ruido áspero
Géneros derivados
Géneros relacionados
Electrónica de potencia (música) , falla , grindcore , música industrial , ruido pop , ruido rock , onkyokei , ruido de potencia
La música de ruido , la música de ruido inglesa es un sello amplio que puede combinar varios géneros musicales bajo varias grandes familias musicales: el electro , la música improvisada , el jazz , la música industrial y el rock . Se caracteriza por el ensamblaje de sonidos comúnmente percibidos como desagradables o dolorosos, y toma contra las definiciones más comunes de música , basadas en su dimensión estética, para enfocarse en otros aspectos de la obra musical.: Su estructura, su significado, su efecto en el oyente, o las diferentes características del sonido.
Bruitism apareció a principios del XX ° siglo , como parte del movimiento futurista italiano : la9 de marzo de 1913, el pintor y compositor Luigi Russolo publica el manifiesto L'arte dei rumori ( El arte de los ruidos ), que sienta las bases conceptuales del ruido: según él, la Revolución Industrial habría aumentado la capacidad del hombre para apreciar sonidos complejos. Es una importante revolución conceptual para la música contemporánea: podemos ver en ella los inicios de un pensamiento funcional donde la obra musical parece menos condenada a crear vínculos estructurales inéditos (inauditos) que destinada a "funcionar" para cada individuo. La esencia de lo musical reside entonces menos en lo que se percibe que en lo que se hace de lo percibido. Además notamos que al mismo tiempo, en el campo de la pintura los supremacistas futuristas ( Malevich , Rodchenko ...) estuvieron en el origen de un nuevo formalismo , el constructivismo , primera manifestación de la pintura abstracta donde la sustancia liberaba la función del arte.
Por lo tanto, la música busca, al integrar datos de sonido en bruto en su material, construir funciones perceptivas más sustanciales (cualquier forma que permanezca aceptada por su relación con el material). Más allá del marco de tonos ambiguos heredados del romanticismo wagneriano , los futuristas italianos intentaron fundar una nueva construcción de lo musical sobre elementos que aún no estaban calificados como objetos sonoros (ver música concreta ), pero que como “ruidos” de la vida cotidiana tenían por naturaleza una función dedicada a nuestro medio ambiente. Russolo diseñó una gran cantidad de instrumentos de ruido y montó una orquesta para tocar su Gran Concierto Futurístico ( 1917 ). Esta composición recibió una acogida muy hostil y violenta, como había previsto su autor.
Sus ideas fueron retomadas en la década de 1920 por Edgard Varèse , quien introdujo elementos de ruido en su música a través de instrumentos mecánicos. John Cage compuso por su parte en 1939 su serie de Paisajes imaginarios ( Imaginary Landscapes ), que combinan elementos como sonidos grabados, percusiones , la radio ... Otros compositores contemporáneos como Pierre Schaeffer , Iannis Xenakis , Karlheinz Stockhausen o Pierre Henry son parte de esta continuidad, y realizan experimentos basados en sintetizadores , cintas magnéticas y radios, produciendo las primeras formas de música electrónica . Esta investigación da origen a dos nuevas formas de música contemporánea : la música concreta o acústica y la electroacústica .
Mientras que la revolución electrónica ofrece un instrumento maravilloso al mayor número, los precursores del movimiento industrial son los primeros en salir del "ruido", aunque el término todavía no existe en ese momento, del campo de la música académica. Desde mediados de los sesenta , influenciada por ciertas experiencias de Nueva York, la Nihilist Spasm Band de London, Ontario , exploró los límites del musical inventando presentaciones semanales utilizando instrumentos inventados y varios accesorios de sonido. Ninguno de ellos es músico capacitado, y el muro de ruido que levantan es "sólido". En 1975 , Boyd Rice , bajo el nombre de NON , comenzó a experimentar con las posibilidades que ofrecía el sonido crudo: durante sus primeras actuaciones en público, conectaba un ventilador a una guitarra eléctrica, o bien utilizaba un limpiabotas como instrumento. Crea "paredes de sonido" extremadamente fuertes y reproduce conversaciones grabadas, noticias o música justo por debajo del umbral de comprensión. Sus piezas pueden combinar paisajes sonoros con poesía o combinar elementos de ruido en piezas rítmicas armoniosas.
Por otro lado, en Francia, más directamente influenciado por L'Art des bruits , Vivenza , hacia 1980 , mostrando un deseo sistemático por el uso estricto y estrecho de ruidos mecánicos reales, aunque comenzó a trabajar en 1976 con el grupo Glace entonces en 1979 con Mécanique Populaire, que vive en Grenoble en el corazón de una región muy "industrializada", reajusta las tesis de Luigi Russolo del que dice ser, y capta los sonidos de la industria pesada de su entorno inmediato ( industria del hierro y el acero , presas , acerías, etc.) para producir piezas acústicas radicales, destacándolas e imponiéndolas a través de un discurso teórico relativamente establecido y estructurado, el término mismo de "ruido", para convertirlo en un género particular y original en el mundo. música industrial de la época.
Otros artistas forman parte de este linaje, marcado por la búsqueda de extremos omnipresentes en la música industrial: esta tendencia se distingue por su obsesión por el ruido, por la destrucción del sonido, dirigida tanto a impactar como a causar daño a los cómodos con un nihilismo auditivo real. . Whitehouse , a principios de la década de 1980 , se distingue por imágenes extremas asociadas con partes vocales saturadas y cantadas, destinadas a llevar al oyente a sus límites. Proyectos como Controlled Bleeding , Le Syndicat, The Haters o Smell & Quim siguen su ejemplo.
En este juego de investigación sobre "el sonido desde el punto de vista", Japón demostrará ser particularmente dotado, hasta el punto de merecer el término japonés : bajo la influencia de Whitehouse , Merzbow o Yoshihide Ōtomo , pero también Masonna , Dissecting Table , KK Null , The Gerogerigegege o Hanatarash dieron forma a esta escena. El sonido japonés se caracteriza por una potencia extrema, paredes de ruido blanco , ritmos , diálogos, loops muestreados . En este contexto, también hemos visto el surgimiento de una forma más tranquila de improvisación electroacústica libre , utilizando sonidos puros y espaciales, característicos de artistas como Sachiko M , Yoshihide Ōtomo , Toshimaru Nakamura , Shigeru Kan-no o Taku Sugimoto .
En los últimos años ha aparecido una versión europea denominada electrónica de potencia, representada principalmente por alemanes como Genocide Organ o Dagda Mor .
También el artista Jacques actúa en el escenario improvisando, en vivo, con la ayuda de varios objetos, vidas afines a la música electrónica. Se construyen acumulando efectos de sonido en bucle gracias a un pedal de bucle.
El primer intento de hacer ruido en la familia del rock se debe al ex Velvet Underground Lou Reed , que lanzó el álbum Metal Machine Music en 1975 : este sonido OVNI podría ser tanto una broma como una forma de deshacerse del contrato entre Lou Reed y RCA Records . De todos modos, afirma haber compuesto este álbum en su totalidad a partir de comentarios de guitarra tocados a diferentes velocidades.
Poco después, el concepto de ruido se integró por completo en la escena punk rock de Nueva York , que desarrolló el movimiento sin ondas a partir de 1977 . Esta escena combina el amateurismo del punk con un rechazo a los patrones del rock y enfatiza la improvisación, la disonancia y la desestructuración. Es en este caldo de cultivo que la juventud acústica está formada , cuya música tiene una influencia fundamental en la formación de una escena que reivindica el término “ruidoso”: grupos como My Bloody Valentine o Spacemen 3 también están calificados como “ shoegazing ”. En referencia al hecho de que estos grupos a menudo jugaban con la mirada fija en el suelo.
Sin embargo, es una vez más Japón el que da al término todo su sentido, al integrar los aportes del ruido industrial: Boredoms y Melt-Banana son los nombres emblemáticos de esta fusión. Sus temas completamente caóticos son muy cortos y rápidos, marcados por guitarras extremadamente saturadas, aullidos y arrebatos rítmicos. Finalmente, en el mismo período aparece en escena el metal sobre el grindcore , grupos como Anal Cunt desarrollan un estilo similar al noise rock llamado noisecore , lo que da lugar a muchas colaboraciones entre artistas de ambos escenarios.