El dibujo es una técnica de representación visual sobre una superficie plana. El término "dibujar" designa tanto la acción de dibujar, el trabajo gráfico resultante como la forma de cualquier objeto.
El "dibujo lineal" representa los objetos por sus contornos , sus bordes y algunas líneas características; más allá de este límite, el dibujo se desarrolla representando el volumen mediante sombras , muchas veces mediante el rayado , incorpora colores y une, sin transición clara, la pintura .
La palabra se escribe bien "diseño" o "dibujo" de la XVII ª siglo, que implica el concepto de intención, proyecto, en un rango de trabajo más larga, en la arquitectura , en la pintura, el grabado .
El crecimiento de la producción industrial en el XIX ° siglo se distingue estrictamente el dibujo artístico y dibujo técnico , una forma altamente codificada de la línea de dibujo es comunicar información más específica necesaria para la fabricación o el uso de un objeto o la construcción de darle una evocación visual . A partir de mediados del XX ° siglo de diseño , una palabra en Inglés que trae los dos sentidos de dibujo o diseño , significa que uno de sus promotores, Raymond Loewy , appellait diseño industrial .
El significado del término "dibujo" evoluciona con la historia de las artes visuales . La palabra dibujo se toma de dibujar , con la influencia del italiano disegno que significa representación gráfica (1444). El término italiano significaba tanto la práctica como el proyecto o intención. Este doble significado se ha mantenido con la palabra francesa dessein. No fue hasta el XVIII ° siglo, alrededor de 1750, que evoluciona el campo semántico, dibujo (sin correo después ss) significarán más de la disposición. El significado de proyecto o diseño se ha mantenido en el término inglés design , que proviene del italiano designo y del francés dessein. Es necesario considerar los dos significados de la palabra, incluso si el aficionado puede estar interesado en los dibujos producidos como preparación de una obra, así como en aquellos que son válidos por sí mismos ( Jacquet 2010 ).
El dibujo, como proyecto de obra, se ha encontrado en todas partes desde la Edad Media en las artes plásticas, incluida la orfebrería y la moda . Resume y desarrolla el pensamiento plástico del autor, y le permite presentarlo a sus clientes o patrocinadores, de forma más liviana y requiriendo menos tiempo que la realización final. Por lo general, los dibujos no estaban destinados a conservarse; sin embargo, según Paul Valéry , “la preocupación por la persona y el momento sobrepasaban la de la obra en sí y la duración, la condición de terminación parecía […] contraria a la“ verdad ”, a la“ sensibilidad ”ya la manifestación de “genio” […] el boceto valía la pintura ” , y ese gusto se extendía también a proyectos preparatorios, estudios y dibujos. Esta tendencia se inició en Francia a finales del XVIII ° siglo. La primera exposición de dibujos del Cabinet du Roi tuvo lugar en el Louvre en 1797.
El dibujo como arte autónomo, cuyo objetivo no es otro que sí mismo, surge de las discusiones entre artistas y aficionados sobre las cualidades plásticas y los principios que rigen la pintura. La Pelea del color se opone a la XVII ª siglo el color de los partidarios del dibujo. El "diseño" en estas discusiones no depende de la técnica o el medio. Se trata principalmente de la línea de contorno de los sujetos, opuesta a la superficie coloreada y sus modulaciones, como hizo Leonardo da Vinci . Las polémicas se oponen a quienes toman el ejemplo de Poussin para privilegiar el dibujo, llegando a considerar con recelo el atajo , las superposiciones de personajes, las sombras fuertes, a quienes, admirando a Rubens , dan más valor a quienes saben cómo matizar, yuxtaponer, organizar los colores, con un toque visiblemente variado. Este sentido estricto de "dibujo", asociado a la perspectiva lineal , continuará hasta el XX ° siglo. La relación entre dibujo y pintura fluctúa. El impresionismo en general critica al dibujo el carácter intelectual y la encuadernación que le atribuyen las corrientes pictóricas que lo precedieron. El cubismo revive el dibujo, sin la exigencia de presentar, para la perspectiva , una perspectiva única.
Con Flaxman comienza una sucesión de artistas que presentan únicamente dibujo lineal. En el XIX ° siglo, los diseñadores encontraron con la litografía y la prensa dibujo los medios de vivir de su trabajo, sin producir necesariamente nada. Aunque las técnicas de reproducción restringen un poco su estilo, pueden producir con la misma facilidad pinturas dibujadas, haciendo claroscuro por tramado , como dibujos lineales puros, como lo hicieron Picasso , Matisse o André Lhote .
La caricatura del uso de su invento en 1920 asciende a diseñadores.
En la segunda mitad de la XX XX siglo, el cómico sigue aplicarse específicamente a los niños y el dibujo narrativa, técnicas alimentados de dibujos animados, películas, literatura, convirtiéndose en una de las ramas importantes de diseño de arte.
Cuando el proyecto gráfico apunta a la duración, eligiendo su material a tal efecto, hablamos de pintura . El acto de dibujar, sobre piedra o sobre yeso, sobre madera, sobre lienzo , bien puede ser la base: la pintura se define, frente al dibujo, como algo que debe durar.
Si para Leonardo da Vinci el esquema forma parte de la pintura, para Braquemond , cuatro siglos después, "la palabra" dibujo "resume todos los términos del lenguaje de las artes plásticas (...) Expresiones: línea, modelado , color, adorno, forma, línea, valor, efecto, etc. sólo se utilizan para ayudar al análisis del significado de la palabra dibujo ” .
No existe una diferencia fundamental entre el dibujo y la pintura, excepto que, según algunos teóricos del arte, el dibujo es esencialmente monocromo, la pintura coloreada. Pero los dibujos pueden ser en color, ya sea directamente en la línea o coloreando en un segundo paso. Una pintura puede ser lineal y puede ser monocromática como en el caso de las grisallas . La mayoría de las pinturas (especialmente cuando son figurativas) se dibujan de antemano o se dibujan durante el desarrollo. Dibujamos tanto con un pincel ancho como con un lápiz afilado, incluso si el material es diferente. Hablaremos, por tanto, de dibujo cuando los contornos, las líneas, se mantengan visibles, frente a obras donde dominan las manchas de color, las zonas planas de color.
El diseñador Alfred Kubin , que se ocupa del dibujo, no como un proyecto, sino “como un fin inmediato en sí mismo” , escribe: “Este arte responde a un impulso modesto. No compite con los fenómenos de la naturaleza, sino que se contenta con producir signos de ellos. Es simbólico ” . Para él, es esta modestia lo que distingue al diseñador, lo que le lleva a limitar su campo de exploración al papel y la tinta china , pluma y pincel, que estudia en profundidad. “Mi contemplación interior se hizo más clara: mi visión luego se desplazó hacia un ensamblaje de líneas tan riguroso como un sistema económico” ( Kubin 2015 , p. 37).
Los dibujos no deben conservarse ni mostrarse; estos objetivos conducen a procesos que dificultarían su ligereza y espontaneidad ( Jacquet 2010 ). Esto no impide que desde el Renacimiento , los dibujos y notas de artistas venerados como Leonardo da Vinci se hayan conservado como preciosas reliquias . Para los comisarios, lo que caracteriza al diseño es su fragilidad. Exposición al aire y papeles amarillentos claros y tintas decoloradas; la llama lo destruye instantáneamente, la humedad promueve el moho ; sucio, el dibujo es difícil de limpiar; los pigmentos polvorientos de lápices, carbones, tizas y tizas rojas pasan de página en página; el papel se arruga de forma permanente si se manipula incorrectamente ( VTT , p. 1111sq). Los denominados barnices fijadores penetran en el papel y, si se han amarilleado, no pueden retirarse y sustituirse.
La conservación de dibujos sobre papel implica generalmente un tratamiento biocida químico o mediante radiaciones ionizantes ( VTT , p. 1129-1130). En las colecciones de los museos, los dibujos se guardan en salas especialmente diseñadas y solo se muestran ocasionalmente, en salas con iluminación tenue. La mejora del diseño a menudo incluye una gran llave maestra y un vidrio protector; los originales desmontados se presentan en un campo, en una vitrina ligeramente inclinada.
Para organizar y mejorar las colecciones, los curadores aún deben identificar a los autores. Los artistas a menudo no firmaban lo que consideraban documentos de trabajo. Las entradas pueden ser realizadas por comerciantes o coleccionistas que hayan atribuido a un maestro lo que en realidad es una copia.
El dibujo es generalmente más que el borrador de un grabado. Un maestro como Durero podría dibujar sobre madera y dejar que uno de sus compañeros, anónimo, la excave; pero había trazado cada una de las líneas del grabado. En el caso de que el grabado tomara como tema cuadros famosos, la interpretación recaía en el grabador, que a veces le daba, aunque el dibujo era en general coherente con el original, un carácter bastante diferente, como Marcantonio Raimondi para Rafael .
El aguafuerte reproduce directamente (de izquierda a derecha invertida) las líneas que un artista ha dibujado sobre el soporte.
En el XIX ° siglo, litografía sobre piedra granulada permite a los artistas para dibujar a lápiz para la reproducción. Sin embargo, la coacción de la inversión del sujeto, que se reproducirá de derecha a izquierda, la prohibición de colocar la mano sobre el soporte, porque lo marca, llevan a la mayoría a dibujar primero un proyecto en papel, y a algunos a dejar el interpretación sobre la piedra a especialistas. La producción de litografías conoce una primera especialización de los diseñadores; la producción de una litografía de Voyages picturesques et romantiques dans Ancient France puede recurrir a un diseñador de la naturaleza , un litógrafo para el paisaje, uno para las figuras, otro para la letra.
El fotograbado libera al diseñador de la mayoría de las dificultades técnicas; solo necesita conocer los límites específicos de la técnica de impresión para la que trabaja. En los dibujos de prensa y las historietas , el artista generalmente produce una "línea" de dibujo lineal, tinta negra sobre papel blanco; La reproducción fotográfica elimina la colocación del lápiz y las marcas azules. Los dibujos originales, con todas estas marcas donde se siente “la mano y el genio del autor” , se han convertido en piezas de colección.
La técnica del dibujo evoluciona con los soportes y herramientas. Los hombres prehistóricos dibujan en paredes, rocas, huesos, utilizando por un lado la incisión y por otro lado los pigmentos de colores aplicados mediante herramientas rudimentarias. El acercamiento a los diseños actuales aparece con medios como papiro, pergamino, luego papel y herramientas de calco como calame (caña), pluma de pájaro tallada. En Oriente predomina la maleza. Los romanos usaban puntas de metal , antepasados de la mina de lápiz moderna sobre un soporte preparado, recubierto con una mezcla, generalmente compuesta por pigmentos, blanco español, goma arábiga y polvo de hueso.
Al final de la XIX XX siglo Jules Adeline define dibujo como representación de objetos con trazos de la pluma o un lápiz, entre las que destacan los dibujos a los dos y en tres colores , que son tiza negro, tiza blanca y la sangre , sino también de carbón vegetal . También distinguimos los instrumentos auxiliares de dibujo, reglas y brújulas que prescindimos en el dibujo a mano alzada.
El diseño aprovecha el hardware y el software de la computadora actual que, al liberar la implementación del hardware, permite caminos suaves y un sinfín de posibilidades de corrección, si es que ese es el objetivo del artista.
El soporte puede ser papel , lienzo o cualquier otro material: los primeros dibujos conocidos se realizaron en paredes de roca . Dibujamos con mayor frecuencia en hojas o cuadernos de bocetos con lápices, bolígrafos o marcadores.
Las herramientas consisten en todo aquello que pueda dejar huella, depositando material (tiza, lápiz, etc.) o también quitando material del soporte (grafiti, esgrafiado, grabado). Son muy variadas, empezando por los dedos y herramientas específicas como la tiza , el carboncillo , el lápiz , el bolígrafo , el pincel , las estilográficas (bolígrafo, bolígrafo, tubular), las plumas , con tintas negras o de color, hasta la herramienta informática. Entre los materiales de dibujo más comunes se encuentran el lápiz , el carboncillo , el pastel , la piedra negra , la sangre , la tiza blanca y la pluma y la tinta .
No todos los materiales de dibujo están hechos de agua o aceite : algunos se aplican en seco sobre el sustrato, sin ninguna preparación.
El material depositado sobre el soporte es un pigmento seco (tiza, grafito) o mezclado con un aglutinante químico, aceite , agua , varios disolventes para pinturas y tintas .
Según una concepción convencional, el dibujo consiste esencialmente en delimitar mediante líneas los contornos del objeto a representar. Ésta es una de las diferencias esenciales que Heinrich Wölfflin distingue en sus Principios fundamentales de la historia del arte entre lo gráfico (dibujo) y lo pictórico (pintura).
Esto implica un proceso de interpretación y síntesis: pasar de un objeto de volumen a un dibujo plano requiere una elección de representación. O la articulación de los elementos gráficos puede evitar la perspectiva , o ésta puede ser empírica y espontánea, o ésta obedece a un sistema de colocación de las líneas: perspectiva altiva , perspectiva "italiana" conforme a una visión basada en la proyección, como si la Los dibujos eran una ventana sobre el objeto representado como escribió Alberti . Aplicar las reglas de la perspectiva a figuras humanas o animales se llama escorzo ( VTT , p. 66).
El dibujo puede obedecer a conceptos que no tienen en cuenta las leyes geométricas de la óptica o que no las consideran primordiales. Representar una montaña más pequeña que una figura puede parecer completamente ilógico, aunque la perspectiva lo exija. Los personajes a veces se representan en proporción a su importancia en la sociedad. Diferentes civilizaciones han utilizado convenciones de representación que intentan conciliar aspectos que se consideran esenciales. La representación puede no corresponder a una realidad geométrica. El diseño obedece a convenciones y códigos: para los egipcios, un ojo está representado de frente, pero un rostro de perfil, un torso de frente y las piernas de perfil. Jean Fouquet dibuja la Llegada de los cruzados a Constantinopla vista por un espectador central: a la izquierda los jinetes mirando hacia adentro, en el centro de perfil, y a la derecha desde atrás, como si el espectador volviera la cabeza, siendo la carretera derecho. Más cerca de casa, no fue hasta la aparición de la fotografía para representar correctamente un caballo al galope, todas las representaciones pasadas eran anatómicamente "falsas", pero ciertamente más expresivas.
El dibujo puede reflejar los contornos de forma precisa y fiel (considerando que es visto por un sistema óptico como la cámara transparente o la cámara), o la línea puede sufrir deformaciones y distorsiones que acentuarán ciertos caracteres del modelo, posiblemente incluso caricatura , o simplemente expresar los gustos y la sensibilidad del diseñador.
La representación del volumen se realiza generalmente mediante el escorzo, reforzado por las modulaciones de la luz y por tanto las sombras locales del modelo y las sombras proyectadas sobre el fondo y el entorno. Estas modulaciones de luminosidad, a las que llamamos “valor” en el contexto del dibujo y la pintura, se obtienen por trazos sucesivos formando rayados , paralelos o cruzados, rellenando con variación de la presión según la intensidad deseada, matizando en frotamiento a mano o con una herramienta, frote para aclarar, etc. ; algunas técnicas están siendo adoptadas por algunos y desaprobadas por otros.
La velocidad de ejecución caracteriza el boceto , dibujado frente al sujeto. Los bocetos son las primeras ideas para un trabajo importante. Los estudios , generalmente más elaborados, se utilizan para el aprendizaje general o el de un elemento difícil de un proyecto.
El boceto debe capturar lo esencial sin detenerse en los detalles. Sirve como anotación y ejercicio. Su rapidez de ejecución hace del "gesto" gráfico un elemento importante de su carácter.
Los bocetos y bocetos se utilizan en todo tipo de dibujo.
El dibujo artístico utiliza todas las técnicas gráficas posibles con un enfoque o intención artística y está destinado al mercado del arte.
El dibujo técnico se separa del diseño artístico para el desarrollo de la industria hacia el final del XIX ° siglo.
El dibujo técnico, o dibujo industrial, es una disciplina transversal que es la base de la comunicación técnica, el diseño y el análisis sistémico. Se utiliza principalmente en ingeniería mecánica (oficina de diseño, oficina de métodos) y en ingeniería civil (arquitectura).
El diseño industrial conserva el significado original de la palabra diseño : es la expresión de un proyecto, "comunicar sin ambigüedad alguna, en particular entre el diseñador (la Oficina de Diseño) y el fabricante (el taller)" . Cuando el diseñador diseña la apariencia del proyecto, se le llama diseñador . El francés americano naturalizado Raymond Loewy lanzó esta actividad como profesión independiente de los fabricantes bajo el nombre de diseño industrial , nuevamente traducido en 1953 por diseño industrial ; propuso que se llamara estética industrial en francés .
El dibujo es la base de la profesión de arquitecto , incluso si el uso de herramientas informáticas reduce la importancia de las habilidades manuales. Es dibujando, primero en forma de bocetos y bocetos , luego dibujos más elaborados, que el arquitecto encuentra y concreta su proyecto. Este paso preliminar de dibujo a mano alzada se practica casi universalmente. El siguiente paso es organizar los elementos visuales independientes, como las líneas de fluido, y realizar los cálculos de resistencia del material . Luego volvemos al dibujo para dibujar los planos necesarios para los constructores. Este paso ahora se lleva a cabo mediante dibujo asistido por computadora con software específico para la arquitectura. Utilizaba las herramientas del dibujo técnico , el bolígrafo o el lápiz de mina dura, la regla, el cuadrado , el lateral en una mesa de dibujo y un pasaje a la tinta en el bolígrafo y posteriormente con un bolígrafo técnico .
El arquitecto también proporciona al cliente planos de fachada realistas y vistas en perspectiva , en color, con sombras que indican el relieve, y los elementos decorativos que darán vida al conjunto: plantas, personajes, vehículos, etc. Por lo tanto, el arquitecto debe tener un conocimiento profundo de la perspectiva, construida con rigor. Dependiendo del grado de precisión de estos dibujos, los accesorios podrían tratarse de forma simplificada, para no primar sobre lo esencial, la arquitectura. Cada arquitecto podría tener su propia forma de tratar los árboles, los vehículos y las figuras (llamados grouillots en la jerga de los arquitectos). Los arquitectos dibujaron verdaderas obras de arte, a menudo pintadas con acuarelas. Hoy en día, el software 3D prescinde de la parte técnica de este trabajo, mientras que los ilustradores especializados llevan a cabo desde los planos o perspectivas aportados por los arquitectos dibujos de presentación de proyectos aún no construidos, para publicitar e informar a los potenciales compradores.
El dibujo es utilizado por el escultor para realizar su investigación. Su especificidad se debe a que no es un fin en sí mismo, sino una etapa de su trabajo, que le permite visualizar sus proyectos con miras a una realización en tres dimensiones: la interpretación del volumen es, por tanto, preponderante, por áreas sombreadas con o sin degradados, y la ausencia o neutralidad del fondo. No todos los dibujos de los escultores son obras maestras desde el estricto punto de vista de la calidad del dibujo, pero siempre son fieles testigos de la obra de su autor, y algunos son obras de arte por derecho propio.
El llamado diseño de moda se utiliza en todos los ámbitos de la creación, desde la ropa hasta los complementos: zapatos, sombreros, bolsos, bisutería. El dibujo se utiliza para aclarar la idea general y luego refinarla a nivel de diseño, antes de pasar a la realización real. El diseño de moda requiere un conocimiento mínimo de la anatomía basado en el esqueleto, que determina las posiciones y posturas del cuerpo, y en ocasiones en un tratamiento particular de los materiales (textiles y otros). Otro aspecto del diseño de moda es la representación de modelos según el estilo propio del diseñador, sin que él sea el propio creador, que puede ser una de las formas del diseño de prensa.
El diseño también es la base para la creación de patrones para tejidos, estampados o jacquards .
Tras las caricaturas de Mahoma en 2006, Kofi Annan , entonces secretario general de la ONU, organizó una conferencia de dos días, la16 de octubre de 2006, en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York , reuniendo a 12 de los caricaturistas más reconocidos del mundo para "desaprender la intolerancia" . Durante esta conferencia, el caricaturista francés Plantu , del diario Le Monde , también impulsor de la conferencia, lanzó un movimiento cuyo objetivo paradójico era un mejor entendimiento y respeto mutuo entre poblaciones de diferentes creencias o culturas, con la caricatura de prensa, que profesa la simplificación. y la exageración, como medio de expresión de un lenguaje universal. Planeaba reunir a caricaturistas de varios países y promover la libertad de prensa en términos de caricatura en todo el mundo. la26 de mayo de 2008De esta iniciativa nació la asociación Caricaturas por la Paz y que hoy reúne a varios dibujantes de varios periódicos de todo el mundo.
Los cómics combinan el arte de contar historias con el de representarlas a través del dibujo. A menudo, un guionista se asocia con un diseñador. Una editorial de cómics también puede confiar el dibujo y el guión a varios artistas. En este caso, los diseñadores respetan un estilo gráfico y los escritores el carácter de las historias y sus personajes. Así, una serie puede durar, como la de Pieds Nickelés , varias generaciones.
Desde el último tercio del XX ° siglo, tanto en Europa ( Duke 1981 ) en Japón, donde el manga es popular, los dibujantes han tratado de producir un estilo gráfico personal y característico, que contrasta con el borrado del artista para la producción de un estilo definido por los editores, frecuente antes.
La caricatura consiste en reproducir el movimiento realizando sucesivas imágenes cada una representando un instante sucesivo de una acción, como en el cine , con la diferencia de que estas imágenes están dibujadas.
La caricatura es un proceso muy largo e industrial, que a menudo involucra a muchos diseñadores gráficos especializados. Algunos definen los personajes y sus movimientos mediante bocetos a lápiz, limpios con la necesaria calidad de superposición por plotters-gouachers sobre láminas transparentes. Otros se dedican al diseño de las decoraciones.
La caricatura de uso frecuente en el XXI ° siglo, las técnicas de dibujo asistido por ordenador .
El dibujo es a menudo una de las actividades espontáneas del niño. El desarrollo de sus habilidades gráficas sigue un patrón regular que va desde el garabato, durante el cual el niño experimenta el material, hasta el simbolismo, durante el cual representa a los sujetos con rasgos característicos. El niño generalmente continúa su exploración en la dirección del dibujo de observación. Jean Piaget observó y describió notablemente esta secuencia vinculada al desarrollo cognitivo general y a la constitución del individuo. Los docentes observan el dibujo de los ingresos operativos como testimonio de esta evolución.
Desde la etapa de simbolismo, el dibujo permite al niño expresarse. Cuando habla lo suficientemente bien como para comunicarse con quienes lo rodean, el dibujo le permite exteriorizar lo que no puede expresar verbalmente. Por lo tanto, los psicólogos buscan a menudo en los dibujos de los niños pistas sobre los sentimientos del niño.
El carboncillo , la varilla de carboncillo es uno de los instrumentos de dibujo más antiguos. Es muy utilizado en la realización de bocetos y estudios ( Béguin 1995 , p. 252).
Más que lápiz, tiza negra o tiza roja, el carbón se presta a áreas planas y al renderizado de modelado . La línea varía en ancho y oscuridad, se difumina con un dedo o un trapo, se aclara o se corrige con la miga de pan . Se refiere a la siguiente hoja si la toca. Tiene la desventaja de ser frágil, a menos que use un fijador generalmente aplicado con un rociador.
En el dibujo, el " lápiz " designa cualquier instrumento de marcado en seco que tenga la forma de un palito. Hablamos así de un " bolígrafo " ( Béguin 1995 , p. 184).
El lápiz de grafito (antes lápiz de mina ) ofrece un abanico de posibilidades muy amplio, según el tipo de mina , su afilado, la veta del papel y las posibles técnicas, desde el simple contorno hasta las tonalidades de degradados obtenidos por rayado, frotamiento, borrón. El trazo se puede aclarar o corregir con la goma de borrar , aunque el engomado afecta al papel y los trazos posteriores en la parte modificada. Sin embargo, es difícil obtener fuertes contrastes. Los artistas completaron el dibujo a lápiz marcando la línea fuerte con un bolígrafo.
En el cómic , dibujo a lápiz, dicho lápiz está en computadora sin la producción, el primer paso de la producción de un tablero . Luego, el artista, o en ocasiones un asistente, termina el dibujo para que esté listo para su reproducción en línea, en tinta con plumilla o pincel: una vez que la tinta está seca, se puede borrar el dibujo preliminar a lápiz.
La línea del lápiz depende, para una dureza determinada, de la fuerza de presión sobre la mina. El dibujante puede utilizar lápices de grafito de varias durezas en un mismo dibujo.
El diseño de la academia y el retrato son frecuentemente los tres lápices . Si la tiza y la sangre se desvanecen y se desvanecen con un borrador desmenuzado , la línea de tiza negra es definitiva.
También cabe mencionar la técnica del dibujo con lápiz de color. Algunas gamas de lápices de colores son " acuarela ", lo que le permite combinar el dibujo lineal con la técnica de la acuarela.
El bolígrafo , distribuido desde 1950 y autorizado en las escuelas de Francia en 1965, suele ser utilizado por los estudiantes para dibujar en los márgenes de sus cuadernos. También puede ser una verdadera herramienta de arte. Desde simples bocetos para capturar movimiento hasta ilustraciones precisas y dibujos arquitectónicos, el bolígrafo se adapta a todos los géneros.
En el dibujo artístico, el bolígrafo se distingue por el hecho de que no borra; la línea es más o menos uniforme y muy ligera. La línea fuerte se obtiene planchando varias veces.
La pluma ha sido un instrumento tanto para dibujar como para escribir, al menos desde el Renacimiento . Produce una línea fina o gruesa según la presión ejercida. Las líneas de pluma dibujadas con tinta indeleble también se combinan con aguadas y acuarela, que no las molestan.
Se utiliza tanto para el boceto de campo, para lo cual tiene la ventaja de producir un dibujo rápido y contrastante, sólido apenas se seca la tinta, como para los proyectos elaborados, en los que el rayado puede indicar los valores. En un dibujo o un boceto a lápiz, el bolígrafo puede marcar la línea fuerte; a veces se borra el lápiz para guardar solo esta decisión final.
La pluma fue el principal instrumento en el entintado de cómics hasta la década de 1970.
El pincel es la herramienta de dibujo básica en el Lejano Oriente, pero también se usa ampliamente en Occidente. Su flexibilidad permite al diseñador realizar trazos muy finos y zonas planas que son imposibles de reproducir con otras técnicas como el bolígrafo .
El pincel es a menudo la herramienta preferida para entintar cómics. Es muy utilizado por artistas de muy diversos estilos, como André Franquin , conocido por su línea expresiva y nerviosa, o Milton Caniff que jugó con los contrastes del blanco y negro.
Los rotuladores , rotuladores o rotuladores están disponibles en una amplia gama de colores y grosores de línea. Las gamas profesionales le permiten crear sus propios tonos a partir de tintas líquidas y varios disolventes. Encontraron una aplicación específica en la maquetación o en bruto utilizado en publicidad para simular fotografías que se realizarían posteriormente. Utilizamos un papel especial, sin grano y semitransparente, que no difunde disolventes y permite trabajar por transparencia. Los especialistas, o " rufianes ", pueden lograr resultados de calidad pictórica.
Los equipos informáticos proporcionan a los diseñadores herramientas para el dibujo que a veces no tendrán otra existencia que la digital . La computadora se utiliza ampliamente para diseño asistido por computadora y dibujo técnico. Los fabricantes de equipos informáticos han ido produciendo periféricos más adecuados para el dibujo ilustrativo que el ratón , para los que la mirada y la mano son más importantes que las abstracciones del diseño industrial.
Puede dibujar con un lápiz en la tableta gráfica ; esto implica aprender a mirar la pantalla de la computadora mientras la superficie sobre la que se coloca el lápiz óptico está en otra parte. La pantalla táctil resuelve esta dificultad. Los sensores transmiten la posición del lápiz, su inclinación, la fuerza de presión, etc. al ordenador o al panel táctil . Un software de edición de imágenes rasterizadas o vectoriales transforma estos datos en "vectores" generando gráficos con parámetros agrupados por "herramientas" nombradas por analogía con las de dibujo y pintura.
Los pasteles son pequeñas barras de pigmentos que se usan para colorear sobre papel, se usan con mayor frecuencia en artes gráficas. Existen diferentes tipos de pasteles, al óleo o al agua. Los pasteles de iniciación escolar generalmente se compran en conjunto.
El dibujo está sujeto, como otras obras intelectuales, a las normas de propiedad intelectual .
En Francia, también debe obedecer, si se publica y representa a una persona, las reglas de los derechos de imagen . La caricatura "constituye una tolerancia tradicionalmente aceptada para aquellos cuya profesión o negocio les deja asumir su parte de autorización tácita" , pero esta excepción al derecho de publicidad no siempre es reconocida ( Pierrat 2002 , pp. 115-119).
En derecho empresarial, la palabra "dibujo" no designa un objeto material, sino la forma, reconocible por el consumidor, de un objeto ( diseño ).
En la ley francesa que transpone una directiva comunitaria de 13 de octubre de 1998 relativa a la protección de diseños: “[…] cualquier nuevo diseño, cualquier nueva forma plástica, cualquier objeto industrial que se diferencie de sus similares, ya sea por una configuración distinta y reconocible un carácter de novedad, ya sea por uno o más efectos externos dándole una fisonomía limpia y nueva ” .
Luego se beneficia de la protección durante un máximo de 25 años por período de 5 años, siempre que sea "nuevo y tenga un carácter específico" .
La protección comunitaria también existe en beneficio de cualquier diseño original. Un reglamento comunitario de 2001 confiere protección exigible a nivel de la Unión Europea. Para los diseños registrados en la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (EUIPO), la protección es a lo largo del tiempo la misma que en Francia (de 5 a 25 años). En el caso de los diseños (o modelos) no registrados, esta protección surge de la primera divulgación durante un período de tres años.
Finalmente, existe una protección a nivel internacional que es efectiva a partir del registro internacional de diseños industriales en la Oficina Mundial de Propiedad Intelectual.