El arte latinoamericano es la expresión artística combinada de América del Sur , de América Central , el Caribe y México , así como de los latinoamericanos (in) residentes en otras regiones.
Este arte tiene sus raíces en muchas culturas amerindias que habitaban América antes de la colonización europea en el XVI ° siglo. Cada una de las culturas indígenas ha desarrollado disciplinas artísticas sofisticadas, que han sido fuertemente influenciadas por preocupaciones religiosas y espirituales. Su trabajo se conoce colectivamente y se conoce como las artes precolombinas . La mezcla de culturas nativas americanas, africanas y europeas dio origen a una tradición métis única.
Según la Encyclopædia Britannica , el arte latinoamericano engloba las "tradiciones artísticas que se desarrollaron en Mesoamérica , Centroamérica y Sudamérica después de que estas regiones entraran en contacto con los españoles y portugueses , respectivamente, a partir de 1492 y 1500, hasta la actualidad. ” .
Durante el período colonial, una mezcla de influencias tradicionales indias y europeas (principalmente debido a las enseñanzas cristianas de los hermanos franciscanos , agustinos y dominicanos ) produjo un arte cristiano muy especial conocido por el arte indochrétien (en) . Además del arte indígena (in) , el desarrollo del arte visual latinoamericano estuvo fuertemente influenciado por la pintura barroca española , portuguesa (pt) , francesa y la pintura holandesa del Siglo de Oro . A su vez, la pintura barroca fue a menudo influenciada por maestros italianos .
La Escuela de Cuzco es considerada el primer centro de pintura de estilo europeo en América. En el XVII ° y XVIII ° siglos, los profesores de arte españolas han enseñado artistas quechua pintura de imágenes religiosas basadas en estilos clásicos y renacentistas .
En el XVIII ° siglo, en Nueva España , los artistas mexicanos y algunos artistas españoles pinturas de un sistema de jerarquía racial, conocido como los producidos pinturas de castas ( 'casta'). Era casi exclusivamente una forma mexicana; sin embargo, un juego se produjo en Perú. Rompiendo con las pinturas religiosas de siglos anteriores, las pinturas de casta eran una forma de arte milenaria. Una casta de pintura conocida, llevada por un pintor relativamente desconocido Luis Mena (In) , combina las castas con Nuestra Señora de Guadalupe México; esta es una excepción. Algunos de los artistas más destacados de México pintaron obras de castas, incluido Miguel Cabrera . La mayoría de las pinturas de castas estaban en varios lienzos, con una reunión familiar en cada uno. Ha habido algunos lienzos únicos que muestran toda la jerarquía racial. Las pinturas muestran grupos familiares idealizados, con el padre perteneciente a una categoría racial, la madre a otra categoría racial y su descendencia a una tercera categoría racial. Este género de pintura floreció durante aproximadamente un siglo, hasta la independencia de México en 1821 y la abolición de las categorías raciales legales.
En el XVII ° siglo, las Provincias Unidas habían apoderado de la rica zona productora de azúcar de la colonia portuguesa de Brasil (1630-1654). Durante este período, el artista holandés Albert Eckhout pintó una serie de importantes representaciones de tipos sociales en Brasil. Estas representaciones incluyeron imágenes de hombres y mujeres indígenas, así como naturalezas muertas .
Las expediciones científicas aprobadas por la corona española comenzaron a explorar Hispanoamérica donde se ha registrado su flora y fauna. El español José Celestino Mutis , médico y horticultor y discípulo del científico sueco Carl von Linné , dirigió una expedición desde 1784 en el norte de Sudamérica: la expedición se conoce como Expedición Botánica de Nueva Granada (es) . Los artistas locales eran indígenas ecuatorianos, quienes produjeron cinco mil dibujos en color de la naturaleza, todos publicados. La expedición fletada por la corona, cuyo propósito era registrar científicamente la belleza y la riqueza de la naturaleza, se apartó así de la larga tradición del arte religioso.
La expedición científica más importante fue la del naturalista alemán Alexander von Humboldt y el botánico francés Aimé Bonpland . Viajaron durante cinco años por Hispanoamérica (1799-1804), explorando y registrando información científica, así como la ropa y el estilo de vida de la población local. La obra de Humboldt se ha convertido en una inspiración y un modelo para la búsqueda de trabajo científico en el XIX ° siglo, así como para los reporteros viajeros que grabaron escenas de la vida cotidiana.
En 1818, la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro (en) de La Habana , en Cuba , fue fundada por el pintor francés Jean-Baptiste Vermay , convirtiéndola en la academia de arte latinoamericana más antigua.
La Historia del Arte de América Latina generalmente ha sido escrita por personas formadas en los departamentos de historia del arte. Sin embargo, el concepto de "cultura visual" ha llevado ahora a académicos formados en otras disciplinas a escribir las historias del arte. En cuanto a la historia de los pueblos indígenas, desde hace muchos años la atención se centró tanto en la producción artística de la época precolombina ( olmecas , mayas , aztecas , incas ) o en un salto en el XX ° siglo. Más recientemente, el período colonial y el XIX ° siglo se han desarrollado como áreas de interés. La cultura visual como campo trasciende cada vez más los límites disciplinarios. La arquitectura colonial ha sido objeto de varios estudios importantes.
El arte colonial tiene una larga tradición, especialmente en México, con las publicaciones de Manuel Toussaint (es) . Al principio del XXI ° siglo , ha habido un auge en las publicaciones sobre arte colonial, con algunas ideas útiles publicados en los últimos años. Muchas obras tratan exclusivamente de Hispanoamérica.
Las grandes exposiciones de arte colonial dieron lugar a hermosos catálogos que constituyen un archivo permanente.
Anónimo, retrato oficial del virrey Francisco de Toledo ( XVI ° siglo, Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú ).
Felipe Guamán Poma de Ayala , ilustración de la reunión de Atahualpa y Francisco Pizarro ( XVII ° siglo).
Perú entorno Diego Quispe Tito , Virgen del Carmen salvar almas en el Purgatorio ( XVII ° siglo, el Museo de Brooklyn ).
Escuela de Cuzco , El matrimonio del capitán Martín de Loyola con Beatriz Ñusta , detalle (c. 1675–1690, Iglesia de los jesuitas en Cuzco, Perú).
Perú: Anónimo, Nuestra Señora de Belén ( XVIII ° siglo, Museo de Arte de Lima (en) ).
Vicente Albán (es) , española y su esclava negra (1783, Museo de América , Madrid ).
Atribuido a Cristóbal Lozano (d) , mestizo, mestiza, mestizo , pintura de casta (1771-1776, Museo Nacional de Antropología (es) ).
Miguel Cabrera , Pintura de Castas (c. 1763, Museo Historia Mexicana Monterrey).
Albert Eckhout , Danca dos Tarairiú ( XVII ° siglo, Museo Nacional de Dinamarca ).
Albert Eckhout , Mulher Africana (1641, Museo Nacional de Dinamarca).
Aleijadinho , Anjo (c. 1799, Congonhas do Campo).
Alexander von Humboldt (alemán), dibujo de volcanes y zonas climáticas (1807, Biblioteca Central de Zúrich ).
El clasicismo y el realismo enseñados en las distintas academias fundadas por los nuevos estados predominaron después de la independencia de los países latinoamericanos. Entre los artistas de este período se encuentran los argentinos Eduardo Sívori , Prilidiano Pueyrredón , Ernesto de la Cárcova , los chilenos Pedro Lira y Alfredo Valenzuela Puelma , los brasileños Victor Meirelles de Lima y Manuel de Araújo Porto-Alegre o los mexicanos Saturnino Herrán (es) , Santiago Rebull y José María Velasco Gómez , entre otros.
A la vuelta de la XIX ª siglo, cuando todavía se controlan los retratos rígidos y altivo de los aristócratas, el tipo de auto-retratos de pintores nativos también surgieron, lo que lleva a las obras que revelan una cualidad humana más informal y deseados por los artistas rococó . Deseando ir más allá de las comisiones tradicionales de la iglesia y el gobierno, los pintores latinoamericanos crearon cada vez más escenas de la vida cotidiana en la Nueva España durante el medio siglo antes de su independencia.
Uno de los géneros más interesantes de este período es el retrato que examina "tipos" étnicos. Alrededor de 1725, el pintor español Juan Rodríguez Juárez (s) había creado el primer conjunto documentado de “ pinturas de castas ”, que utilizaron 16 escenas diferentes para mostrar los efectos de los matrimonios entre indígenas, esclavos africanos y europeos. Este género ganó popularidad en vísperas de la independencia, cuando diferentes estratos de la sociedad colonial fueron retratados en varias series llamadas castas creadas por artistas que a menudo optaban por permanecer en el anonimato.
La identidad latinoamericana fue explorada más a fondo por los artistas sudamericanos contemporáneos en vísperas de la independencia, y este interés por la cultura latinoamericana fue recogido en España por los costumbristas en el período posterior a la independencia.
La diversidad de condiciones de vida en la América española y portuguesa inspiró las luchas por la independencia. En la segunda mitad del XVIII ° siglo, los reyes españoles borbónicas habían descentralizado cada vez más colonias de gobierno, lo que llevó al poder una nueva clase criolla (personas de origen español nacido en América), que sienten capaces de gobernarse a sí mismos. Posteriormente, las guerras napoleónicas en España y Portugal sentaron las bases para las guerras por la independencia de las colonias americanas: entre 1808 y 1826, todos los territorios españoles y portugueses obtuvieron su independencia.
En los años posteriores a la liberación, los artistas latinoamericanos exploran tanto sus propias tradiciones indígenas como las heredadas de Europa, creando en última instancia un arte latinoamericano influyente y distintivo.
En el XVIII ° siglo, monarquías habían impuesto Neoclasicismo sus principales colonias de América Latina para enlazar a Europa y apoyar el establecimiento de gobierno. Pero después de las guerras de independencia, esta relación se volvió más complicada. El neoclasicismo continuó siendo propagado por algunas academias gubernamentales , aunque el estilo se usaba a menudo para representar temas indígenas. Por ejemplo, el dictador mexicano Porfirio Díaz encargó un monumento dedicado a los emperadores aztecas, erigido en 1887, y artistas de las nuevas repúblicas conmemoran a sus héroes y grandes acontecimientos de su historia utilizando los códigos del neoclasicismo.
En Europa, el romanticismo se convierte en la corriente principal entre el final de la XVIII ª siglo y principios del XIX ° siglo. Caracterizado por el énfasis en lo subjetivo y lo irracional, el romanticismo rechaza el orden y la armonía del neoclasicismo: se privilegian así escenas exóticas y paisajes poderosos, fuerza de efectos dramáticos, de luz y color.
El estilo es introducido en los países latinoamericanos por viajeros europeos. Por ejemplo, el bávaro Johann Moritz Rugendas viaja sucesivamente a Brasil, México y Chile entre 1831 y 1845. Cercano a la técnica, la composición dinámica y los colores vivos del estilo romántico encarnado en Europa por el francés Eugène Delacroix , Rugendas encarna el verdadero espíritu del movimiento romántico en sus pequeños bocetos al óleo en preparación para grandes lienzos, pocos de los cuales fueron finalmente ejecutados. Otros artistas han transmitido la belleza, la emoción y el carácter distintivo de los países recién independizados a un público europeo ávido de imágenes románticas: el francés Jean-Baptiste Debret (en Brasil), el británico Daniel Thomas Egerton (en) ( en) México, en la tradición romántica británica ), el alemán Karl Nebel (d) (que mostró, principalmente mediante sus litografías , la variedad de poblaciones sociales y étnicas en México), el estadounidense Frederic Edwin Church (miembro de la Escuela del Río Hudson en Ecuador) o el estadounidense Martin Johnson Heade. (en Brasil y Jamaica para estudiar la flora y fauna local y pintar el microcosmos).
Los artistas nacidos en América Latina que siguieron este movimiento romántico se llaman costumbristas y, en cambio, documentan las costumbres locales. Por lo general, provienen de familias adineradas y, a menudo, educados en Europa (y en particular en París), comparten el interés de los románticos por el aparente exotismo de las culturas y paisajes latinoamericanos. Buscaron las escenas inusuales y únicas de su país de origen y buscaron mostrar su identidad nacional en el período posterior a la independencia, manteniendo una perspectiva cultural, más europea que local.
En la segunda mitad del XIX ° siglo, las academias de América Latina que buscan romper con el neoclasicismo haber idealizadas y simplifican sus temas y tienden hacia el llamado realismo académico, más realista con más atención al detalle. Los temas privilegiados son los retratos de personalidades importantes, los hechos históricos que han llevado a la formación de las nuevas naciones o las recreaciones de escenas bíblicas. Sin embargo, muchos líderes posteriores a la independencia despreciaron a los artistas nativos de América Latina y prefirieron otorgar comisiones y dar puestos de enseñanza a los europeos.
Intentamos reproducir escenas históricas retratando a nativos disfrazados en estudios o motivos arquitectónicos antiguos basados en bocetos, manuscritos y dibujos arquitectónicos antiguos de templos mesoamericanos que datan de la época de las conquistas.
En esta era de realismo, dos excelentes artistas han ido más allá de la tradición académica realista al hacer que sus temas sean realmente tangibles y accesibles. El uruguayo Juan Manuel Blanes documenta los hechos históricos y los gauchos de las Pampas del Cono Sur enfocándose en sus sujetos y sus actitudes; El mexicano José María Velasco ofrece un “realismo árido” al enfocarse en la estructura misma del paisaje mismo en la década de 1890.
Johann Moritz Rugendas (alemán en Brasil), Roupa típica (“Trajes de Río de Janeiro”, 1823).
Johann Moritz Rugendas (alemán en Brasil), Capitão do mato (“Capitán de la selva”, 1823).
Johann Moritz Rugendas (alemán en Brasil), Capoeira (1835).
Jean-Baptiste Debret (francés en Brasil), La ejecución del castigo del látigo (antes de 1830, Itaú Cultural ).
Jean-Baptiste Debret (francés en Brasil), Le diner. Las celebraciones después de la cena (antes de 1830, Itaú Cultural ).
Claudio Linati (italiano en México), Cacique Apache (1828).
Carl Nebel (alemán México) Las tortilleras en el libro pintoresco y los viajes arqueológica en la parte más interesante de México ( XVIII ° siglo).
Adolphe Jean-Baptiste Bayot (es) (francés), litografía según un dibujo de Carl Nebel (alemán en México), la entrada del general Scott a México en la Guerra México-Estadounidense , en La Guerra entre Estados Unidos y México Ilustrada (1851) .
Frederick Catherwood (británico en México), templo principal de Tulum , en Vistas de monumentos antiguos (1844).
Daniel Thomas Egerton (en) (británico), El acueducto de Zacatecas, México (1838, Museo Franz Mayer (en) ).
Frederic Edwin Church (estadounidense) Paisaje tropical (1873, Museo de Brooklyn ).
Carmelo Fernández (en) (Venezuela), Arriero y tejedora de sombreros de Vélez (“ Arriero y tejedor de sombreros de Vélez”, 1850, Biblioteca Nacional de Colombia ).
Cristóbal Rojas (Venezuela) La taberna (“La Taberna”, 1887, Galería de Arte Nacional (es) ).
Arturo Michelena (Venezuela) La joven Madre (“La joven madre”, 1889, Galería de Arte Nacional).
Ángel della Valle (es) (Argentina), La vuelta del malón (“El regreso del Malón”, 1892, Museo Nacional de Bellas Artes ).
Carlos Morel (es) (Argentina), Payada en una pulpería ( Payada (es) dans une pulpería (es) , sf, Museo Nacional de Bellas Artes).
Prilidiano Pueyrredón (Argentina) Un alto en el campo (“Una parada en el campo”, 1861, Museo Nacional de Bellas Artes).
Juan Manuel Blanes (Uruguay) La paraguaya ("La paraguayenne", 1879, Museo Nacional de Artes Visuales ).
Manuel Antonio Caro (es) (Chile) Abdicación de O´higgins (“La abdicación de Bernardo O'Higgins ”, 1875, Museo (es) Histórico Nacional ).
Alejandro Ciccarelli (es) (Chile) Vista de Santiago de Chile desde Peñalolén (Vista de Santiago desde Peñalolén , 1853, Pinacoteca Banco Santander en Santiago).
Antonio Smith (es) (Chile), Paisaje con cordillera y laguna (“Paisaje con Cordillera y Lago”, sin fecha, Biblioteca Nacional de Chile ).
Juan Francisco González (es) (Chile), Calle de Limache (“Rue de Limache”, Museo Nacional de Bellas Artes ).
José Gil de Castro (es) (Perú), José Olaya (Retrato de José Olaya (es) , 1828, Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú ).
Pancho Fierro (es) , artista (es) afroperuano (s) , Ir a la iglesia - Dama y dueña ("Ir a la iglesia - Dama y dueña", entre 1850 y 1860, Museo Nacional de Bellas Artes ).
Francisco Laso (Perú), Las tres razas o igualdad ante la ley (“Las tres razas, o igualdad ante la ley”, 1859, Museo de Arte de Lima (es) ).
Victor Meirelles (Brasil), Primeira missa no Brazil (“Primera Misa en Brasil”, 1861, Museo Nacional de Bellas Artes ).
Agostinho José da Mota (pt) (Brasil), A fábrica do Barão de Capanema (“La fábrica del barón de Capanema”, 1862, Museo Nacional de Bellas Artes).
José Ferraz de Almeida Júnior (Brasil), Leitura (“Lectura”, 1892, Pinacoteca del Estado de São Paulo ).
Pedro Weingärtner (Brasil), Aderrubada (“Árboles caídos ”, 1894, Museo Nacional de Bellas Artes).
Víctor Patricio (Cuba), Corte de Cana (“Cosecha de caña de azúcar”, 1874, Museo Nacional de Bellas Artes ).
Agustín Arrieta (es) , El Costeño (“El habitante de la costa”, coll. Privada).
José María Velasco (México), Valle de México (“Valle de México”, col. Privada).
El modernismo es un movimiento artístico occidental caracterizado por el rechazo de los estilos clásicos tradicionales. Este movimiento ocupa una posición ambivalente en el arte latinoamericano. No todos los países han desarrollado centros urbanos modernizados al mismo tiempo, por lo que el surgimiento del modernismo en América Latina es difícil hasta la fecha. Si algunos han acogido con agrado el modernismo, otros lo han rechazado. En general, los países del Cono Sur estaban más abiertos a las influencias extranjeras, mientras que países con fuerte presencia indígena como México , Perú , Ecuador y Bolivia se resistían a la cultura europea.
La Semana del Arte Moderno , festival que tuvo lugar en Sao Paulo , Brasil , en 1922, que marcó el inicio del movimiento modernista brasileño, fue un hito para el modernismo - y para el arte en general - en la región. “Aunque varios artistas brasileños realizaron trabajos modernistas antes de la Semana, ayudó a unir y definir el movimiento y presentarlo a la sociedad brasileña en su conjunto. "
En general, el eurocentrismo artístico asociado con el período colonial comenzó a desaparecer a principios del XX ° siglo, cuando los latinoamericanos comenzaron a reconocer su identidad única y seguir su propio camino. A partir de ese momento, el arte latinoamericano se inspiró en gran medida en el constructivismo , que se extendió rápidamente desde Rusia a Europa y luego a América Latina. A Joaquín Torres García y Manuel Rendón (es) se les ha atribuido el mérito de trasladar el movimiento constructivista de Europa a América Latina.
Tras una larga y exitosa carrera en Europa y Estados Unidos, Joaquín Torres-García regresó en 1934 a su Uruguay natal , donde fomentó fuertemente el constructivismo. Atrayendo a un círculo de compañeros experimentados y artistas jóvenes como seguidores en Montevideo , en 1935 fundó la Asociación de Arte Constructivo , que se convirtió en un centro de arte y espacio de exhibición para su círculo. El lugar se cerró en 1940 por falta de financiación. En 1943 abrió Atelier Torres-García, un taller y centro de formación que funcionó hasta 1962.
El muralismo ( muralismo ) es un importante movimiento artístico nacido en América Latina. Está representado por el movimiento muralista mexicano de Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco y Rufino Tamayo . En Chile , José Venturelli y Pedro Nel Gómez fueron influyentes muralistas. Santiago Martínez Delgado (s) defendió muralismo en Colombia , al igual que Gabriel Bracho (ES) en Venezuela . En República Dominicana , el exiliado español José Vela Zanetti (en) fue un prolífico muralista que pintó más de 100 murales en el país. También se destacan el artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín (estudiante de Orozco), el brasileño Candido Portinari y el boliviano Miguel Alandia Pantoja (s) . Algunas de las obras más impresionantes del muralista se encuentran en México, Colombia, Nueva York , San Francisco , Los Ángeles , Chicago y Filadelfia . El muralismo mexicano "gozó de un prestigio e influencia en otros países que ningún otro movimiento artístico estadounidense había conocido", y los artistas latinoamericanos encontraron el muralismo como una forma de arte que les permitió expresarse política y culturalmente, a menudo enfocándose en temas de justicia social vinculados a sus raíces indígenas.
La Generación de la Ruptura ( "generación de la ruptura", a veces abreviada como Ruptura ) es el nombre que se le dio a un movimiento artístico en México en la década de 1960, en el que artistas jóvenes rompieron con el estilo nacional establecido de muralismo . Nacido del deseo de los artistas jóvenes de disfrutar de una mayor libertad de estilo en el arte, este movimiento está marcado por estilos expresionistas y figurativos . Al artista mexicano José Luis Cuevas se le atribuye haber iniciado este movimiento. En 1958, Cuevas publicó un artículo titulado “ La Cortina del Nopal ”, que condenó el muralismo mexicano por ser demasiado político, llamándolo “periodismo barato y arenga” en lugar de arte. Entre los artistas representativos se encuentran José Luis Cuevas, Alberto Gironella (es) y Rafael Coronel (es) .
Nueva Presencia (in) ("nueva presencia") es un grupo de artistas fundado por el canadienseArnold Belkin (in) y el mexicanoFancisco Icaza (in) a principios de 1960. En respuesta a las atrocidades de laSegunda Guerra Mundialcomo elHolocaustoy elAtomic Bomb, los artistas de Nueva Presencia compartían un rechazo antiestético a las tendencias del arte contemporáneo y creían que el artista tenía una responsabilidad social. Sus creencias quedaron plasmadas en el manifiesto de Nueva Presencia , que se publicó en el primer número de la revista de carteles del mismo nombre. “Nadie, y especialmente el artista, tiene derecho a ser indiferente al orden social. "Entre los miembros del grupo estabanFrancisco Corzas (en) (nacido en 1936),Emilio Ortiz (d) (nacido en 1936),Leonel Góngora (es) (1932-1999),Artemio Sepúlveda(nacido en 1936), José Muñoz,Francisco Corzas (es) (1936-1983) y el fotógrafoNacho López (es) .
El poeta francés y fundador del surrealismo, André Breton , después de visitar México en 1938, lo proclamó "el país surrealista por excelencia" . El surrealismo, un movimiento artístico nacido en la Europa de entreguerras , influyó fuertemente en el arte latinoamericano. Aquí es donde la cultura métis, un legado de la conquista europea sobre los pueblos indígenas, encarna la contradicción, un valor central del surrealismo.
La famosa pintora mexicana Frida Kahlo pintó autorretratos y representaciones de la cultura tradicional mexicana en un estilo que combina realismo , simbolismo y surrealismo . Sin embargo, Kahlo nunca se asoció con este movimiento diciendo: “Pensaron que era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad. “ Las obras de Kahlo son pinturas vendidas al precio más alto de todas las pinturas latinoamericanas, y el segundo para una mujer. Otras mujeres surrealistas mexicanas incluyen a Leonora Carrington (una británica que se estableció en México) y Remedios Varo (una española exiliada). El artista mexicano Alberto Gironella (es) , los artistas chilenos Roberto Matta , Mario Carreño Morales y Nemesio Antúnez (es) , el artista cubano Wifredo Lam y el artista argentino Roberto Aizenberg también han sido clasificados como surrealistas.
Desde la década de 1970, artistas de toda América Latina han hecho una contribución significativa al arte contemporáneo a nivel internacional, desde escultores conceptuales como Doris Salcedo (Colombia) y Daniel Lind-Ramos (en) (Puerto Rico) hasta pintores como Myrna Báez ( de Puerto Rico ), a artistas que trabajan en medios como la fotografía, como Vik Muniz (de Brasil).
Los estilos de arte clásico europeo dejaron una impresión duradera en el arte latinoamericano. En el XX ° siglo, muchos artistas de América Latina continuó siendo entrenado en el estilo tradicional de la XIX ª siglo, que tuvo el efecto de mantener el enfoque en el trabajo figurativo. Debido al amplio alcance de la figuración, el trabajo a menudo abarca varios estilos diferentes, como el realismo , el arte pop , el expresionismo y el surrealismo , por nombrar algunos. Aunque estos artistas enfrentan problemas que van desde lo personal hasta lo político, muchos tienen un interés común en los temas indígenas y el legado del imperialismo cultural europeo.
Un movimiento dedicado a la figuración ha sido Otra Figuración (en) , grupo de artistas y municipio argentino fundado en 1961 y disuelto en 1966. Sus miembros, Rómulo Macció (en) , Ernesto Deira (en) , Jorge de la Vega (en) y Luis Felipe Noé (en) , convivieron y compartieron un taller en Buenos Aires . Los artistas de la Otra Figuración trabajaron en un estilo expresionista figurativo abstracto, con colores vivos y collages . Aunque Otra Figuracion es contemporánea de Nueva Presencia (en) , no ha habido contacto directo entre los dos grupos. Las personas a veces asociadas al grupo son Raquel Forner , Antonio Berni , Alberto Heredia (es) y Antonio Seguí .
El arte en América Latina se ha utilizado a menudo como medio de crítica social y política. El diseñador gráfico mexicano José Guadalupe Posada dibujó imágenes duras de las élites mexicanas como esqueletos, calaveras . Esto se hizo antes de la Revolución Mexicana , que influyó fuertemente en artistas posteriores, como Diego Rivera . Una práctica común entre los artistas figurativos de América Latina es de parodiar las pinturas de viejos maestros , especialmente los de la corte española producida por Diego Velázquez en el XVII ° siglo. Estas parodias tienen un doble propósito: hacer referencia a la historia artística y cultural de América Latina y criticar el legado del imperialismo cultural europeo en las naciones latinoamericanas. Dos artistas destacados que han utilizado con frecuencia esta técnica son Fernando Botero y Alberto Gironella (es) .
El figurativo colombiano Fernando Botero, cuya obra presenta figuras 'hinchadas' únicas en diversas situaciones, abordando temas de poder, guerra y cuestiones sociales, ha utilizado esta técnica para trazar paralelismos entre los órganos de gobierno actual y la monarquía española . Su pintura de 1967, La familia presidencial , es un ejemplo temprano. Este cuadro, que se hace eco del cuadro Las Meninas , pintado por Diego Velázquez en la corte española en 1656, contiene un autorretrato de Botero de pie detrás de un gran lienzo. La familia presidencial gruesa e hinchada, ataviada con elegantes galas y mirando el lienzo, parece socialmente superior, llamando la atención sobre las desigualdades sociales. Sin embargo, según Botero, sus figuras hinchadas no pretenden ser satíricas: “La distorsión que ves es el resultado de mi implicación en la pintura. De ella resultan los volúmenes monumentales y, a mis ojos, sensualmente provocativos. No me interesa si se ven grandes o no. Apenas tiene sentido para mi pintura. Mi preocupación es la plenitud formal, la abundancia. Y esto es algo completamente diferente. " También pintó una serie de cuadros de gran alcance, que se basan en las fotografías de torturas a prisioneros iraquíes por soldados estadounidenses en la prisión de Abu Ghraib .
Pintor y collagista mexicano Alberto Gironella (es) , cuya mezcla elementos de surrealismo y el arte pop estilo, también ha producido parodias de pinturas oficiales judiciales españolas. Realizó decenas de versiones de la reina Marianne de Austria de Velásquez a partir de 1652. Las parodias de Gironella critican la dominación española en México incorporando imágenes subversivas : La Reina de los Yugos ("la reina de los yugos", 1975-81, adaptación del cuadro por Velásquez) representa a Marianne con una falda hecha de yugos de buey volcados, lo que significa tanto la dominación española sobre los pueblos indígenas de México como la subversión de la dominación española por estos pueblos. Los yugos se vuelven inútiles por el hecho de que se dan la vuelta. “[Gironella] se caracterizó por el uso de ciertas latas españolas (sardinas, mejillones, etc.) en sus obras, y por los tapones de botellas de refresco clavados o pegados al borde de sus cuadros. "
Las pinturas, grabados, instalaciones, collages y animaciones digitales de la artista cubana Sandra Ramos a menudo abordan temas tabú en la sociedad cubana contemporánea como el racismo , la migración masiva , el comunismo y las injusticias sociales en la sociedad cubana contemporánea.
Los fotógrafos capturaron en película tanto a pueblos indígenas como a distintos tipos sociales, como los gauchos de Argentina . Varios latinoamericanos han hecho contribuciones significativas a la fotografía moderna. Guy Veloso y José Bassit (d) fotografían la religiosidad brasileña. Guillermo Kahlo fotografió edificios e infraestructura coloniales mexicanos, como el puente ferroviario Metlac. El propio Agustín Casasola (en) tomó muchas imágenes de la Revolución Mexicana y ha construido un gran archivo de fotografías mexicanas. Otros fotógrafos incluyen al indígena peruano Martín Chambi , la mexicana Graciela Iturbide y el cubano Alberto Korda , famoso por su icónica imagen del Che Guevara . Mario Testino es un famoso fotógrafo de moda peruano. La ciudadana guatemalteca María Cristina Orive (en) trabajó en Argentina con Sara Facio . El ecuatoriano Hugo Cifuentes llamó la atención y el brasileño Sebastião Salgado ganó fama internacional con sus temas ambientales y humanistas.
En general, las exposiciones sobre arte latinoamericano han sido recibidas con frialdad, y los críticos critican principalmente una elección irrelevante de artistas debido a un sesgo cultural operado por europeos y norteamericanos; en resumen, “qu 'no están diseñados ni producidos por latinoamericanos'. .
Este es particularmente el caso de la exposición de 1966 “ Arte latinoamericano desde la independencia ”, de las universidades de Yale y Texas . Mientras que los curadores occidentales prefirieron los primitivos y los que copiaron el muralismo mexicano , de cualquier país, lo que excluyó a todos los "renovadores genuinos" como Anita Malfatti y Tarsila do Amaral de Brasil, Lino Enea Spilimbergo (es) , Argentina, Pedro Nel Gómez , Colombia, Marcelo Pogolotti (en) , Cuba, y José Cuneo Perinetti (es) , Uruguay - como se muestra en un famoso catálogo de obras latinoamericanas conservadas por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943, el gusto cambió en 1966 y los curadores prefieren "abstraccionistas sin imaginación o calidad ”, según Álvaro Medina.
Esta exposición, sin embargo, sirve de base para una nueva exposición organizada en Londres en 1989 por Yale: “ Arte en América Latina ”, que presenta obras latinoamericanas durante un período de 160 años. En 1987, se organizó en Indianápolis la exposición "Arte de lo fantástico: arte latinoamericano, 1920-1987" antes de viajar a Nueva York, Miami y México. Su tema naturalmente excluye a ciertos artistas, como el mexicano José Clemente Orozco , expresionista con un humor mordaz, pero debería incluir a otros artistas, como el venezolano Jacobo Borges , según Medina. Según él, la exclusión de ciertos artistas revela "que los curadores de la exposición no entendieron que lo que queda del arte latinoamericano, casi siempre ha ocurrido al margen de las tendencias artísticas imperantes en los circuitos. Centros comerciales y museos en Europa". y Estados Unidos ” .
Medina deplora la tendencia a buscar la anécdota y lo pintoresco, hasta el punto de "hacer" artistas que se correspondan con el cliché deseado. Así, la exposición de París " Los magos de la tierra ", que reunió a grandes nombres y desconocidos en el Centre Pompidou y en las Halles de la Villette en 1989, refuerza esta caricatura, utilizando el realismo mágico , que impregna la creación latinoamericana. Sin embargo, esta exposición, definida como internacional, "solo se refiere a países europeos y dos países de América del Norte, Canadá y Estados Unidos, excluido México" . Medina agrega que el curador sorprendentemente omitió a un grupo de artistas latinoamericanos formado en París en 1984, llamado Magie-Image.
De 11 de noviembre de 1992 a 12 de enero de 1993, el Centre Pompidou presenta una importante exposición retrospectiva sobre arte latinoamericano: “Arte latinoamericano 1911-1968”. Representando a 12 países con más de 400 obras de más de 90 artistas, esta ambiciosa exposición está programada originalmente para ser presentada en la Exposición Universal de 1992 en Sevilla, España, con motivo de los quinientos años del descubrimiento de la América . Esta exposición es objeto de gran controversia: el curador Waldo Rasmussen, del MoMA , es acusado de presentar el arte latinoamericano desde la perspectiva hegemónica de Estados Unidos y Europa, reprimiendo la opinión de los latinos. Los estadounidenses y la falta de contextualización sobre lo social y realidad política del continente.
(es) Este artículo está tomado parcial o totalmente de la página de Wikipedia en inglés titulada " Arte latinoamericano " ( ver lista de autores ) .