Artista | Parmigianino |
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Con fecha de | alrededor de 1534-1535 |
Tipo | óleo sobre madera |
Dimensiones (alto x ancho) | 216 × 132 cm |
Movimiento | Manierismo |
Dueño | Fernando III de Medici |
Colección | Galería de los Uffizi |
Numero de inventario | 00287693 |
Localización | Galería Uffizi , Florencia (Italia) |
Registro | FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMA / NSIS ABSOLVERE NEQUIVIT |
La Virgen del cuello largo (en italiano: Madonna dal collo lungo ) es un óleo sobre madera, atribuido a Parmigianino , en la Galería Uffizi de Florencia . La pintura es considerada una de las pinturas más importantes y representativas del manierismo italiano, inspirada en una estética anticlásica y rica en alusiones y transposiciones simbólicas.
La pintura se llama popularmente "Virgen de cuello largo" porque "el pintor, en su deseo de hacer graciosa y elegante a la Santísima Virgen, le dio un cuello como el de un cisne". "
La obra fue encargada por Elena Baiardi Tagliaferri para su capilla en la Iglesia de Santa Maria dei Servi en Parma mediante un contrato fechado 23 de diciembre de 1534. Elena es hermana del jinete Francesco Baiardo, amigo y mecenas de Parmigianino, comprador de su taller a la muerte del artista y dueño de Cupido haciendo su reverencia .
Por contrato, el artista se había comprometido, por una suma de treinta y tres coronas pagadas por adelantado, a realizar la pintura en cinco meses, antes del Pentecostés de 1535, bajo pena de penas garantizadas por la hipoteca de su casa. Sin embargo, se superó el plazo y la obra quedó inconclusa debido a la marcha del artista a Casalmaggiore en 1540, donde falleció, dejando la pintura en su estudio. El jinete Baiardi, tomó posesión del estudio del artista en el que hizo un inventario de 22 pinturas y 495 dibujos.
Unos cincuenta dibujos conservados dan testimonio del largo trabajo preparatorio del parmesano; en un dibujo conservado en el Louvre, el pintor representó así un templo que, en el cuadro final, estará representado por un sencillo fuste de columna.
Después de unos años, el cuadro fue finalmente colocado en la capilla en 1542, fecha indicada en una estela que ahora ha desaparecido.
Con motivo de la consagración del retablo, se añadió un texto en la grada derecha ( FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMENSIS ABSOLVERE NEQUIVIT ) para justificar su estado inacabado por un caso de fuerza mayor.
Giorgio Vasari , en 1550, aludió sin demora a la pintura, mientras que en la descripción de la Diócesis de Parma en 1564, Dalla Torre define la obra no perfectam (inacabada), pero sin embargo estimada mirae pulchritudinis et excellentiae . Vasari todavía habla de él en la edición de Le Vite de 1568. En 1671, Barri todavía lo anota entre las obras de la Iglesia de Parma.
En 1674 el cardenal Leopold de Medici , a través de su emisario Annibale Ranuzzi, tramitó sin éxito la compra del cuadro y no fue hasta 1698 que Fernando III de Medici logró adquirir el cuadro y transportarlo a Florencia.
En 1799, siguiendo las muestras napoleónicas, el cuadro fue llevado a París donde permaneció hasta 1815.
La pintura se exhibe en los Uffizi desde 1948.
Hay varios dibujos preparatorios, los principales de los cuales se encuentran:
El cuadro, realizado sobre un panel de madera de 60 × 73 cm , representa a la Virgen ricamente vestida, sentada en un pedestal alto, sosteniendo al Niño Jesús de rodillas.
A su derecha junto a la Virgen hay seis ángeles adorando a Cristo. El rostro del ángel en la parte posterior derecha (desde el punto de vista del espectador) permanece inacabado. El ángel en el medio de la fila inferior se inclina sobre el jarrón que sostiene el ángel a su derecha. Antes de la restauración de la obra, este ángel estaba mirando al Niño Jesús. Es probable que las modificaciones realizadas durante la restauración hayan modificado o reforzado la pintura original, que ha sido modificada durante su historia.
A la derecha (desde el punto de vista del espectador) de la Virgen se desarrolla una enigmática escena, con una columna de mármol y la frágil figura de San Jerónimo cuya representación fue solicitada por el padrino por la vinculación del santo con la adoración de la Virgen. Virgen María.
Parmigianino rompe con los cánones artísticos del Renacimiento. En efecto, en lugar de distribuir simétricamente y en parejas iguales a ambos lados de la virgen, rompe con la tradición y llena el espacio de forma poco ortodoxa, favoreciendo la desproporción, con de un lado los grandes ángeles aglutinados y del otro la singular silueta alargada. del Profeta, cuyo pequeño tamaño apenas llega a la rodilla de la Virgen. Probablemente quería mostrar que la solución clásica de la armonía perfecta no es la única solución posible, buscando deliberadamente crear algo nuevo e inesperado, incluso en detrimento de los cánones de belleza "natural", implementados por los grandes maestros del Renacimiento. .
En este Parmigianino es probablemente uno de los primeros artistas "modernos".
Parmigianino construyó así sus propios conceptos artísticos, creando la típica figura manierista serpentinata . El Niño tiene un gran volumen para un bebé y su posición es inestable sobre las rodillas de Marie como si fuera a caer en cualquier momento. Virgo tiene proporciones humanas, su altura es aproximadamente el doble que la de los ángeles a su derecha y su pie derecho descansa sobre los cojines que parecen tener solo unos centímetros de grosor, coloca su pie de manera que parezca ser "nuestro" lado de la web.
Sus manos delgadas y dedos largos también llevaron al científico médico italiano Vito Franco de la Universidad de Palermo a diagnosticar que el modelo de Parmigianino probablemente tenía una condición genética que afectaba su tejido conectivo: el síndrome de Marfan . Esta hipótesis parece cuestionable, sin embargo, en vista de los muchos otros modelos de Parmigianino que en su mayoría tienen manos y dedos largos.