El objeto de la economía laboral de los artistas es el estudio de las actividades económicas (producción, intercambio, venta, donación) de la categoría social , antropológica e histórica de los artistas , para describir sus mecanismos y sistemas micro y macroeconómicos (comportamientos individuales o considerados como entero).
Contrariamente a una percepción del artista como económicamente desinteresado, incluso practicando solo el arte por el arte , estos autores son considerados aquí como trabajadores en un mercado laboral entendido como un lugar de encuentro con los empresarios . Esta especialidad, en la encrucijada de la economía del trabajo y la economía de la cultura , analiza las respuestas de los artistas a los incentivos económicos e institucionales, además de las formas de contratos que vinculan a artistas e intermediarios del mercado del arte (productores, agentes literarios, editores, etc.) .
El mercado laboral de los artistas tiene cuatro características distintivas:
Como resultado, la forma de remuneraciones y compromisos es claramente diferente a lo que se observa en la economía laboral en general.
Además, están las especificidades de los bienes producidos:
El problema esencial de los estudios artísticos es por un lado la adquisición de las habilidades técnicas necesarias para el arte considerado, y por otro lado la evaluación de los estudiantes en una perspectiva de lista A / lista B imperante en sus salidas.
Un estudio de la década de 1970 destaca cómo el ideal romántico del creador estaba integrado en el diseño de los estudios artísticos. Aunque el estudio no permite generalizaciones, los análisis de Françoise Benhamou sobre el sistema estelar contemporáneo indican que esta lógica sigue siendo dominante. La lógica en cuestión es la de la preeminencia del talento , concebido como innato sobre el virtuosismo técnico.
En el marco de un curso artístico, el talento se expresa así como la capacidad de expresar nuevos problemas artísticos y resolverlos por medios originales.
Ejemplo: Uno de los problemas artísticos de Mark Rothko fue que el retrato , al dar solo la apariencia exterior del individuo, informaba sobre personajes transitorios y no daba acceso a lo que quería capturar, el sentimiento íntimo de la modelo. Su solución fue pintar retratos despojados de cualquier elemento anecdótico, dando acceso a un sentimiento directo de extrañeza del otro.La evaluación de la relevancia de los problemas y la originalidad de la solución se basa, por tanto, en el juicio de los compañeros o formadores, ellos mismos artistas. Sin embargo, esta valoración es diferente a la del público en general: Caves relata experiencias en las que dos jurados, uno de artistas y otro de no artistas, tuvieron que juzgar las mismas obras. El primer jurado favoreció la originalidad, el segundo virtuosismo técnico en un estilo conocido. Este sistema de formación, por tanto, anima a todos los artistas a desarrollar su originalidad en detrimento del desarrollo de habilidades que les permitan asegurar un trabajo alternativo en caso de fracaso. Esto, por tanto, conduce a una sobreinversión en la búsqueda de originalidad y una baja inversión en conocimientos técnicos negociables. Sin embargo, el análisis de este sistema queda limitado por la imposibilidad de saber en qué medida un mayor énfasis en el saber hacer tendría consecuencias significativas en la pérdida de obras originales.
La forma de los contratos en las industrias culturales es significativamente diferente de la que prevalece en la mayoría de los sectores de la economía. Por lo tanto, la remuneración se basa en la mayoría de los casos en la distribución de los ingresos en forma de regalías , una vez que se han cubierto los costos de producción de los distintos actores. El problema fundamental es la unión de actores artísticos, que buscan no solo ingresos, sino también la máxima exposición de su trabajo al público, y actores que responden a una lógica económica más clásica de maximizar sus ingresos o los de su negocio.