El ciclo de María de Médicis es una serie de veinticuatro pinturas de Pierre Paul Rubens encargadas en 1621 por la reina María de Médicis , viuda de Enrique IV , para el Palacio de Luxemburgo en París. Rubens debía completar estas pinturas en 2 años para completarlas para la boda de la hija de Marie de Medici, Henriette Marie . Veintiún pinturas representan las glorias y luchas de María, las tres pinturas restantes son retratos de ella y sus padres. Desde 1816, estas pinturas están en exhibición en el Museo del Louvre en París (ala Richelieu - 2 º piso - Habitación 801 - Rubens Medici Galería).
Se especula mucho sobre las circunstancias exactas que llevaron a Marie de Medici a pedir a Rubens que pintara "un proyecto tan grandioso, concebido en proporciones verdaderamente heroicas". El historiador de arte John Coolidge sugiere que este proyecto rivalizaría con una serie de doce tapices sobre la historia de Constantino que Rubens hizo en su estudio durante el mismo período. También se sugirió que a pedido de Luis XIII , hijo de María de Médicis y sucesor al trono, Rubens había preparado una serie de bocetos al óleo, que podrían haber influido en la elección de la reina cuando quiso que se produjera esta serie de pinturas. a finales de 1621.
De hecho, parece que la razón más obvia por la que Marie de Medici eligió a Rubens fue que necesitaba encontrar un pintor capaz de inmortalizar su vida. Sin embargo, no solo Rubens ya se había establecido como un pintor excepcional, sino que también tenía vínculos estrechos con varias personalidades importantes de la época, incluida la hermana de Marie de Medici, Éléonore , esposa de uno de los primeros clientes importantes de Rubens, el duque de Gonzague. .
María de Médicis se convirtió en la segunda esposa del rey Enrique IV en un matrimonio por poder celebrado el 5 de octubre de 1600, bajo la autoridad de su tío, el gran duque Fernando de Toscana . Cuando Enrique IV fue asesinado en 1610, su hijo y sucesor, Luis XIII , tenía solo ocho años. Por lo tanto, fue su madre, María de Médicis, quien se convirtió en regente de acuerdo con las leyes sálicas hasta 1617, cuando Luis tenía más de trece años, edad en la que debería haberse convertido oficialmente en rey. En 1617, a la edad de quince años, Luis XIII finalmente decidió apoderarse del reino y la reina fue exiliada a Blois .
Luis y su madre no se reconciliaron durante seis años, pero finalmente, en 1621, a María de Médicis se le permitió regresar a París. A su regreso, Marie se dedicó a la construcción y decoración del Palacio de Luxemburgo , una gran empresa en la que Rubens jugó un papel clave. Rubens, que era pintor en la corte de Mantua Ducado bajo el gobierno de Vicente I er de Mantua, Duque de Gonzaga , había conocido a María de Médicis por primera vez en su boda en Florencia en 1600. Al año siguiente, ella elige Rubens pintar dos grandes series de cuadros que representan su vida y la de su difunto marido, Enrique IV, destinadas a adornar las dos alas del primer piso del Palacio de Luxemburgo.
Si bien las 21 pinturas que representan de manera muy alegórica la vida de María de Médicis se completaron en 1624, la serie de pinturas dedicadas a la vida de Enrique IV nunca se completó, aunque se han conservado algunos bocetos preliminares (Ver el ciclo de Enrique IV , abajo ). La incompletitud de la serie de pinturas de Enrique IV está relacionada en parte con Marie de Médicis, que fue definitivamente desterrada de Francia por su hijo en 1631 y que se refugió en Bruselas antes de morir en el exilio en 1642 en la misma casa que la familia Rubens. ocupada hace cincuenta años.
Si bien la realización de esta serie de pinturas fue el primer gran encargo de Rubens, también fue un gran desafío para el artista que iba a realizar veintiún cuadros de una mujer cuya vida se reducía a su matrimonio con Enrique IV y al nacimiento de seis niños, uno de los cuales murió en la infancia. En este momento, las mujeres generalmente no recibían tributos tan entusiastas, aunque Rubens estaba perfectamente preparado para el trabajo, dado el gran respeto que tenía por "Las virtudes del sexo opuesto", como lo demuestra el obras que produjo para Isabelle de Austria . Es más, a diferencia de su marido, la vida de María de Médici no estuvo marcada por victorias triunfantes, sino por su implicación en escándalos políticos que prohibían a Rubens hacer una descripción demasiado literal de los acontecimientos de la vida del soberano para no incurrir en la desaprobación del gobierno.
Lejos de desanimarse, Rubens demostró su impresionante conocimiento de la literatura clásica y las tradiciones artísticas, utilizando representaciones alegóricas destinadas a glorificar los aspectos mundanos de la vida de Marie de Medici e ilustrar los acontecimientos menos favorables de su existencia. En el XVI ° y XVII ° siglos, el uso de la iconografía cristiana, así como la del panteón griego y romano, era en efecto un dispositivo comúnmente utilizado por los artistas. Así, Rubens pintó imágenes extravagantes de la Reina Madre rodeada de dioses antiguos y, a veces, incluso deificada, y la ambigüedad de los personajes se utilizó principalmente para presentar a María de Médicis en su mejor luz.
Los logros de Rubens inspiraron a otros artistas, en particular a los pintores franceses Jean-Antoine Watteau (1684-1721) y François Boucher (1703-1770) que hicieron copias del ciclo Marie de Medici.
Inicialmente, las pinturas se colgaron en el sentido de las agujas del reloj en orden cronológico en las paredes de la sala de espera contigua a los aposentos reales de María de Médicis en el Palacio de Luxemburgo . Ahora están dispuestos de la misma manera en el Louvre. Los cuadros que reflejan la vida de María de Médicis se dividen en tres capítulos: su infancia, su vida como reina casada y su regencia cuando era viuda. Todas las pinturas tienen la misma altura, pero su ancho varía para adaptarse a la forma de la habitación en la que se pretendía exponer. Las dieciséis pinturas que cubrían las paredes largas de la galería tienen unos cuatro metros de alto por tres metros de ancho, las tres grandes pinturas colocadas al final de la sala tienen cuatro metros de alto por siete metros de ancho.
Originalmente, el espectador entraba en la galería desde la esquina sureste y las pinturas más visibles desde este punto de vista eran La coronación de Saint-Denis y La muerte de Enrique IV y la Proclamación de la Regencia . El ciclo comenzó en la pared de la entrada con la representación de los años de infancia de María de Médici y su matrimonio con Enrique IV. Cuatro pinturas están dedicadas al matrimonio, tal vez porque era raro en ese momento que tal unión se celebrara con una mujer relativamente mayor, María de Médicis tenía entonces veintisiete años. La galería finaliza con una representación de la coronación de María. La pared que da a la entrada de la galería ilustra el asesinato de Enrique IV y la proclamación de la regencia de María Viuda. La segunda mitad del ciclo de Rubens trata de los temas más controvertidos del reinado de María, por ejemplo, el altercado y la reconciliación con su hijo Luis XIII .
El precio del Ciclo de María de Médicis rondaba los 24.000 florines por los 292 metros cuadrados, o unos 82 florines (o 1.200 euros) el metro cuadrado.
La primera pintura del ciclo, llamada Los destinos que giran el destino de María de Médici (o, a veces, solo El destino de María de Médicis ), es una composición de los destinos en las nubes bajo las figuras celestiales de Juno y Júpiter .
Las Parcas están representadas como diosas hermosas y desnudas, hilando el destino de María de Médicis. Su presencia a los pies de María simboliza su prosperidad y sus éxitos que se representan en las siguientes pinturas del Ciclo. En la mitología griega y romana, una de las Parcas teje el hilo del destino, otra mide su longitud y la tercera corta el hilo. Por otro lado, en la representación de Rubens, las tijeras están ausentes como para enfatizar el carácter privilegiado e inmortal de la vida de la reina.
Las primeras interpretaciones de la pintura explicaron la presencia de Juno en la escena como la diosa del parto, pero más tarde se creyó que Rubens había pintado esta figura mítica para representar el alter ego de María de Médicis. Júpiter es una alegoría de Enrique IV, el esposo alegre.
La segunda pintura del ciclo, El nacimiento de la reina , representa el nacimiento de María de Médicis el 26 de abril de 1573.
Los símbolos y alegorías aparecen en el lienzo. A la izquierda, dos putti juegan con un escudo en el que aparece el símbolo de la ciudad de Florencia, un lirio rojo (llamado Giglio Rosso en italiano), sugiriendo que el cielo habría favorecido a la joven Medici desde el momento de su nacimiento. El dios de los ríos en la esquina inferior derecha es probablemente una alusión al río Arno que atraviesa Florencia, el lugar de nacimiento de María. La cornucopia sobre la cabeza del bebé puede interpretarse como un presagio de la futura gloria y fortuna de María de Medici, con el león simbolizando el poder y la fuerza.
El halo resplandeciente sobre la cabeza de la infanta no debe tomarse como una referencia a la imaginería cristiana, sino más bien como una representación de la iconografía imperial que utiliza el halo como símbolo de la naturaleza divina de la reina y su futuro reinado. Si bien Marie de Medici nació bajo el signo de Tauro , es un Sagitario el que aparece en el lienzo, representando al guardián del poder imperial. Sin embargo, podría ser que sea su signo Ascendente el que esté representado por Sagitario.
La Instrucción de la Reina , también conocida como La Educación de la Reina , producida entre 1622 y 1625, muestra a María de Médicis estudiando.
Su educación le fue dada por la gracia divina en presencia de tres dioses, el dios Apolo asociado con el arte, la diosa Atenea de la sabiduría y Hermes , el dios mensajero. Algunos autores creen que los instructores de María de Médicis serían en realidad Minerva , diosa de las Artes y las Ciencias, con la ayuda de Mercurio , dios de la Elocuencia descendiente del cielo, y Orfeo , poeta y músico, símbolo de una buena pedagogía moral útil para el futuro soberano.
Hermes se precipita dramáticamente al escenario y literalmente trae un regalo de los dioses, el caduceo . Generalmente se acepta que Hermes trae a la princesa el don de la elocuencia, para acompañar el don divino de la belleza. Sin embargo, el caduceo, que se ve en otros seis lienzos del Ciclo, también se asocia con la paz y la armonía. Por tanto, parece anunciar el reinado pacífico de María de Médicis.
Los esfuerzos combinados de estos maestros divinos representan la preparación idílica de María de Medici para las responsabilidades que tendrá en el futuro, las pruebas y tribulaciones que enfrentará como Reina. También se sugiere que los tres dioses ofrecerían su guía como un regalo que permite al alma ser "liberada por la razón" y adquirir el conocimiento del bien, revelando la conexión divina entre los dioses y la futura reina. La pintura representa una visión barroca y embellecida de las relaciones espirituales y terrenales, que se ilustran en un ambiente teatral. También están presentes en esta obra las tres Gracias , Euphrosyne , Thalie y Aglaé que personifican la vida en toda su plenitud, y más concretamente la seducción, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana.
Cronológicamente, la siguiente tabla es la que se llama Enrique IV recibiendo el retrato de la reina o incluso Enrique IV recibiendo el retrato de la reina y dejándose desarmar por el amor .
Para apreciar plenamente esta pintura y la colección en su conjunto, hay que recordar que esta pintura fue realizada en los albores de la monarquía absoluta y, como tal, se consideraba que la realeza estaba por encima de la existencia corporal. Así, desde su nacimiento, María habría llevado una vida más ornamental que mortal.
Como Tamino en La flauta mágica , Enrique IV se enamoró de una imagen pintada. Con Cupido como escolta, Hyménée , dios del matrimonio, muestra una pintura de María Médicis a su futuro rey y esposo. Mientras tanto, Júpiter y Juno se sientan en las nubes mirando a Henry, dando al espectador el ejemplo de armonía marital y mostrando así su aprobación por el matrimonio. Francia está personificada en el personaje que lleva un casco ubicado detrás de Henri y que parece compartir su admiración por el futuro soberano. Rubens tenía una forma muy versátil de representar a Francia. En esta pintura, Francia asume el papel de un hombre y una mujer andróginos al mismo tiempo. Los gestos íntimos del personaje que encarna a Francia pueden sugerir un acercamiento entre Enrique IV y su país. La forma en que se viste este personaje revela su aspecto femenino. Sin embargo, la mitad inferior del personaje, y más concretamente sus botas, es una marca de masculinidad. Este personaje demuestra que los dioses no son los únicos que aprueban el encuentro, el rey también tiene los buenos deseos de su pueblo.
Durante la negociación del matrimonio entre Marie de Médicis y Henri IV, intercambiaron cierto número de retratos. El rey estaba complacido con la apariencia de su esposa, y cuando se conocieron, el rey quedó aún más impresionado que con sus retratos. Esta unión fue ampliamente aprobada, especialmente por el Papa y muchos poderosos nobles florentinos que defendieron este matrimonio y trabajaron para convencer al rey de los beneficios de tal unión. La pareja se casó por poder el 5 de octubre de 1600.
En La boda de la reina o La recepción del anillo , también conocida como El matrimonio por poder de María de Médicis y Enrique IV , Rubens describe la ceremonia de matrimonio de la princesa florentina María de Médicis con el rey de Francia Enrique IV que se celebró en Florencia. Catedral el 5 de octubre de 1600.
El cardenal Pietro Aldobrandini presidió la ceremonia, pero como Enrique estaba demasiado ocupado para asistir a su propia boda, el tío de la novia, el gran duque de Toscana, Fernando I tomó su lugar primero y fue él quien, en la mesa, deslizó un anillo en el dedo de su sobrina.
Todos los personajes circundantes son identificables, incluido el propio Rubens. Aunque había estado presente en el evento veinte años antes, como miembro de la familia Gonzaga en sus viajes por Italia, Rubens parece joven y está detrás de la novia con una cruz en la mano. Es muy poco probable que Rubens tuviera un lugar tan destacado en la boda en sí. Les autres personnalités assistant à la cérémonie sont Christine de Lorraine, Grande Duchesse de Toscane , Éléonore, Duchesse de Mantoue sœur de Marie et, autour du Grand Duc on distingue Roger de Bellegarde , le Grand écuyer de France , et le marquis de Sillery qui conclut matrimonio.
Como en otras escenas del Ciclo de los Medici, Rubens incluyó elementos mitológicos: el dios del matrimonio, Himeneo con una corona de rosas, sostiene la cola de la novia en una mano y la antorcha nupcial en la otra. La escena se desarrolla frente a una estatua de mármol de Dios Padre en duelo por el cadáver de Cristo, en alusión a la Piedad , la escultura de Baccio Bandinelli (1493-1560).
Rubens pintó El desembarco de la reina en Marsella para ilustrar la llegada de María de Médicis a la ciudad foceana después de su matrimonio con Enrique IV en Florencia .
Rubens ha logrado con esta pintura convertir algo ordinario en un evento magnífico y sin precedentes. María de Médicis estuvo acompañada por la Gran Duquesa de Toscana y por su hermana, la Duquesa de Mantua . Son recibidos con los brazos abiertos por un personaje que simboliza Francia, como lo demuestra la flor de lis en oro en su capa azul real. Marie de Médicis está rodeada de su hermana y su tía mientras la Fama toca dos trompetas para darles la bienvenida. Bajo el barco que trae a Marie de Médicis, Neptuno , el dios de los mares, emerge de las aguas después de haberla acompañado durante todo el viaje para asegurar su llegada segura a Marsella.
“Él [Rubens] rodeó [a María de Medici] de tal riqueza de complementos que en todo momento ella casi la relegaba a un segundo plano. Pensemos, por ejemplo, en El desembarco de Marsella , donde todo el mundo tiene ojos sólo para náyades voluptuosas, en detrimento de la reina que es recibida con los brazos abiertos por Francia. "
El cuadro titulado La llegada de la reina a Lyon , o El encuentro del rey y la reina, el9 de diciembre de 1600, describe el primer encuentro entre María de Médicis y Enrique IV que tiene lugar justo después de su matrimonio por poder . Un boceto está en el Museo del Hermitage .
La mitad superior de la pintura representa a María de Medici y Enrique IV como los dioses romanos Juno y Júpiter , acompañados de sus atributos tradicionales. María está encarnada por Juno, equivalente de Hera en la mitología griega y caracterizada por los pavos reales y el carro. Enrique está representado en forma de Júpiter equivalente a Zeus en la mitología griega, con sus símbolos, el águila y el rayo en la mano. Ambos se dan la mano derecha, signo tradicional de unión conyugal. Están vestidos con un estilo clásico que se adapta naturalmente a la escena. Sobre ellos está Himeneo , el dios del matrimonio, que los une. Un arco iris se extiende desde la esquina izquierda, símbolo de concordia y paz.
La mitad inferior de la pintura está dominada por la imagen de los leones (juego de palabras con el nombre de la ciudad de Lyon ). De izquierda a derecha, vemos un paisaje urbano dominado por un solo cerro. Los leones tiran del carro que es la figura alegórica de la propia ciudad de Lyon con la parte superior de sus murallas. Rubens tuvo que ser muy cuidadoso en su interpretación del primer encuentro de la pareja, ya que Enrique IV supuestamente estaba muy involucrado en su relación con su amante en el momento de la boda. De hecho, debido a otros compromisos del rey, la reunión tuvo que retrasarse y María de Medici tuvo que esperar hasta la medianoche durante casi una semana antes de que Enrique finalmente se uniera a su esposa. Al presentarlo como Júpiter, Rubens expone la promiscuidad del hombre con lo divino y, al mismo tiempo, al colocar al rey y la reina juntos, ilustra bien el estatus superior de la pareja.
Esta pintura representa el nacimiento del delfín, primer hijo de María de Médicis y futuro Luis XIII , en Fontainebleau , el 27 de septiembre de 1601.
Rubens diseñó el escenario en torno al tema de la paz política. El nacimiento del primer heredero varón aporta una sensación de seguridad a la familia real porque, en ese momento, tener un heredero era de suma importancia, especialmente si Enrique IV quería mostrar su virilidad y acabar con las dudas sobre la capacidad del Rey para darle un hijo a su reino.
Los modales ligeros de Enrique IV dificultaron la llegada de un heredero legítimo y, según algunos rumores, se pidió a los artistas de la corte que corrigieran esta imagen para convencer al país de que el rey no tenía ningún problema para tener un hijo. Uno de los medios empleados fue personificar a María de Médicis en Juno o Minerva , lo que convirtió a Enrique IV en la encarnación de Júpiter (siendo este último el hermano y esposo de Juno), el rey era percibido como manso a través del matrimonio y al mismo tiempo podía beneficiarse de la destreza militar asociada con el simbolismo de la diosa Minerva.
Rubens incluyó un perro en su pintura, insinuando así la fidelidad en el matrimonio. Además de la idea de paz política, también incorporó a su obra una representación de la Justicia, en la persona de la diosa Astrea cuyo regreso a la tierra es el símbolo de la encarnación de la Justicia que se perpetúa con el nacimiento del futuro. Rey. Luis se nutre de Thémis , diosa del orden divino, en referencia a la primogenitura de Luis XIII de convertirse en rey algún día. El bebé está cerca de una serpiente que es el símbolo de la salud . Rubens también incorporó una cornucopia, una alegoría tradicional de la prosperidad, en la que vemos las cabezas de los niños por nacer de Marie de Medici entre los frutos. Mientras María mira con adoración a su hijo, la diosa de la fertilidad sostiene la cornucopia en sus brazos, un símbolo de la familia plena y generosa que vendrá.
La siguiente tabla del ciclo se titula Los preparativos del rey para la guerra alemana o La rendición de la regencia a la reina, 20 de marzo de 1610 .
En sus descripciones de la vida de María de Médicis, Rubens debía tener cuidado de no ofender ni a María ni al rey Luis XIII cuando describía sucesos controvertidos. Por lo tanto, tuvo que tener tacto y, más de una vez, tuvo que frenar su licencia artística para representar a María de Médicis de la mejor manera. En La rendición de la regencia a la reina , Enrique IV confía a María de Médicis tanto la regencia de Francia como el cuidado del delfín, el futuro Luis XIII , antes de emprender la campaña, con el siempre hay un riesgo en los tiempos. de la guerra de no volver con vida.
Al estilo de la pintura arquitectónica italiana, Rubens retrató a la diosa romana de la sabiduría y la prudencia, Atenea , a la derecha de María de Médicis, pero despojándola de su icónica serpiente para oscurecer los rumores sobre la participación de María de Médicis en la asesinato del rey. También debes saber que Rubens había pintado originalmente Tres destinos detrás del rey, símbolo de su destino, la guerra y la muerte. Pero finalmente se vio obligado a eliminar estas figuras míticas para reemplazarlas con tres soldados.
En esta pintura, también podemos notar la primera aparición del globo terráqueo como símbolo de la autoridad y el poder del estado. Esta particular imagen parece tener cierta importancia en las obras de Rubens ya que aparece en seis de las veinticuatro pinturas del ciclo. El globo alude al orbis terrarum romano (el globo terrestre) que representaba tanto el poder como el territorio del emperador romano, y aparece en la pintura de Rubens como una afirmación sutil de lo que representaba la monarquía francesa. Reclamaba la corona imperial. Si bien Rubens era ciertamente consciente del significado intrínseco de este globo que usó a propósito, parece que Marie de Medici y sus asesores lo vieron principalmente como un medio de agregar majestad alegórica y política a los eventos que rodearon su regencia.
La Coronación de la Reina en la Abadía de Saint-Denis es una de las pinturas del Ciclo que no contiene ningún carácter mitológico. Primera pintura de gran tamaño ubicada en la parte trasera de la galería, es una de las dos obras más visibles al ingresar a la galería. Rubens realizó esta pintura usando tonos rojos para que sea visible desde lejos, por ejemplo para las túnicas de los dos cardenales de la derecha. Esta técnica es bastante similar a la utilizada en otro cuadro, La apoteosis de Enrique IV y la proclamación de la regencia de la reina .
Esta obra representa un hecho histórico en la vida de María de Médicis durante el cual, el 13 de mayo de 1610, la reina fue coronada en la basílica de Saint-Denis .
Considerada una de las pinturas más importantes de la serie con La apoteosis de Enrique IV y la proclamación de la regencia de la reina , estas dos escenas muestran a María de Médicis recibiendo la corona real, el Globo del Estado. Es conducida al altar por los cardenales Pierre de Gondi y François d'Escoubleau de Sourdis , con los señores Maximilien de Béthune y Gilles de Courtenvaux de Souvré a su lado , presidida la ceremonia por el cardenal de Joyeuse .
En el séquito real también están el Delfín , el príncipe de Conti con la corona, el duque de Ventadour que porta el cetro y el caballero de Vendôme con la Mano de la justicia . Las damas de honor de María de Médicis, la princesa de Conti y la duquesa de Montpensier (madre de María de Borbón-Montpensier , futura esposa de Gastón de Francia , tercer hijo de Enrique IV y María de Médicis), llevan el tren. del manto real. Henri IV está ubicado sobre la plataforma, como si estuviera juzgando el evento.
La multitud en la parte trasera de la basílica levanta la mano para vitorear a la nueva reina, mientras que por encima de María de Médicis, están las personificaciones de la Victoria y la Abundancia derramando sobre la cabeza de la reina las bendiciones de la paz y la prosperidad. Además, mientras los perros de María de Médicis se colocan en el primer plano del cuadro, su esposo Enrique IV no está en el grupo central sino que se coloca en el balcón del fondo.
La Apoteosis de Enrique IV y la proclamación de la regencia de la reina , o la Muerte de Enrique IV y la proclamación de la regencia formaban inicialmente parte de una serie de tres pinturas que Rubens había realizado para el Ciclo de María de Medici. Los otros dos, de idéntico tamaño, adornan las salas del Palacio de Luxemburgo. Conocemos dos bocetos, en la Alte Pinakothek y en el Hermitage.
La pintura se divide en dos escenas distintas, pero relacionadas: la elevación de Enrique IV al cielo (había sido asesinado el 14 de mayo de 1610, lo que resultó en la proclamación inmediata de María como regente) y el ascenso de María de Médicis a la corona. .
A la izquierda, Júpiter y Saturno dan la bienvenida al Rey de Francia que fue asesinado el día después de la coronación oficial de la Reina en Saint-Denis. Se le representa como un emperador romano deificado que se eleva hacia el monte Olimpo , mientras que una serpiente que simboliza a su asesino muere en el suelo. Como en todas las pinturas alegóricas de Rubens, la elección de estas dos figuras tiene un significado simbólico. Júpiter es el equivalente celestial del rey, mientras que Saturno, que representa el tiempo finito, representa el final de la existencia mortal de Enrique IV. Es recibido en el cielo por Mercurio y Hércules, cuya imagen había sido recuperada por los Borbones.
El tema desarrollado en este cuadro fue tomado por muchos grandes maestros que fueron inspirados por el carácter atormentado de Bellona , la diosa de la guerra, a la que Rubens representó desarmado y que fue copiado en varias ocasiones por el post-impresionista pintor , Paul Cézanne. (1839- 1906) o incluso Eugène Delacroix que lo absorbió por su Libertad dirigiendo al pueblo .
El lado derecho de la pintura muestra el ascenso al poder de la nueva reina que está vestida con ropa oscura, un símbolo de su condición de viuda. Está enmarcado por un arco de triunfo y rodeado por la gente de la Corte así como por la personificación de Francia que le ofrece el globo real. La Reina acepta el Orbe , el símbolo del gobierno, mientras el público se arrodilla ante ella, lo que sin duda es una exageración de la realidad de los hechos. Rubens insiste en la idea de que la Regencia se le habría ofrecido a la reina, mientras que fue ella quien la reclamó el mismo día en que asesinaron a su marido.
Parece que para la realización de esta parte derecha del cuadro, Rubens podría haberse inspirado en la obra de Caravaggio , La Virgen del Rosario . De hecho, en ambos cuadros encontramos pilares bajo un dosel , telas exuberantes, figuras con los brazos extendidos, pero también objetos como un timón, un globo terráqueo o rosarios. Además, las dos pinturas contienen personajes alegóricos: Minerva , Prudencia , Divina Providencia y Francia en Rubens, Santo Domingo , San Pedro mártir y dos monjes dominicos en Le Caravaggio.
El Concilio de los Dioses , también llamado Le Concert des dieux para los matrimonios recíprocos de Francia y España o anteriormente El Gobierno de la Reina , es una pintura que conmemora la toma del poder por María de Medici como nueva regente, y su deseo de promover paz en Europa a través de matrimonios entre las casas reales.
Esta pintura representa la conducta de la reina y el gran cuidado con el que gobernó su reino durante su regencia, incluida la forma en que superó las revueltas y la agitación política del estado, en continuidad con los ideales de su difunto esposo, Enrique IV. .
A la izquierda, Júpiter y Juno , diosa del matrimonio, representan el amor y la paz en Europa a través de la alianza de Francia y España , simbolizada por dos pares de palomas colocadas en el globo del mundo y unidas entre sí. De hecho, María de Médicis esperaba que su hijo, Luis XIII , se casara con la infanta de España Ana de Austria y que su hija Isabel se casara con el futuro rey de España, Felipe IV , para sellar la alianza entre Francia y España que fue uno de los principales objetivos del reinado de María de Médicis.
Además, la pintura contiene una gran variedad de personajes mitológicos, en particular dioses del Olimpo como, de frente y en el suelo, Apolo y Minerva persiguiendo a los Vicios (odio, furia y envidia) y, arriba, Neptuno , Plutón. , Saturno , Hermes y su caduceo , Pan , Flore , Hebe , Venus que retiene a Marte, el dios de la guerra que quiere ayudar a las Furias , Zeus , Hera , Cupido y Diana con su manojo de flechas.
La captura de Juliers , al final de la cual la ciudad de Juliers en Alemania fue devuelta a los príncipes alemanes protestantes el1 st de septiembre de 1610. Esta ciudad, al ser un punto de paso para cruzar el Ruhr , fue de importancia estratégica para Francia.
Rubens representó esta victoria francesa a través de una escena rica en símbolos que sugieren la grandeza de este glorioso evento y le dan más brillo de lo que realmente tuvo.
La reina, con su casco y el bastón de su jefe en la mano, es coronada con hojas de laurel por la Victoria , victoria que también está simbolizada por la presencia, al fondo, de un águila imperial que ahuyenta a los pájaros más débiles. A la derecha, en el cielo, un personaje que encarna la fama anuncia este logro con su trompeta.
La reina está acompañada por un personaje femenino que se podría creer que es la imagen de la Fuerza , debido a la presencia de un león a su lado, pero que en realidad es la encarnación de la Generosidad o de la Magnanimidad , como lo revelan los objetos preciosos. que sostiene en su palma, incluido un precioso collar de perlas que pertenece a la Reina. De hecho, la figura sigue exactamente la descripción que hace Cesare Ripa de la generosidad.
Rubens juega con el contraste entre, al fondo, la rendición de Juliers pintada en tonos oscuros y, frente a la escena, una María de Medici adornada con un manto extravagante y montada sobre un semental blanco para demostrar que, como el difunto Rey Enrique IV, podía triunfar sobre sus rivales en tiempos de guerra.
Esta pintura, cuyo nombre completo es El intercambio de las dos princesas de Francia y España en el Bidassoa de Hendaya, celebra el matrimonio doble de Ana de Austria , hija de Felipe III de España (derecha) con Luis XIII , y el de la hermana de el Delfín, Isabel de Borbón (izquierda), con el futuro rey de España Felipe IV . El acto, que debía sellar la paz entre Francia y España, tuvo lugar el9 de noviembre de 1615en Hendaya , en una barcaza ubicada entre las orillas del río Bidassoa , en la frontera franco-española .
Las figuras alegóricas de España (a la izquierda), reconocible por el león que aparece en su casco, y de Francia (a la derecha), cuya capa lleva la flor de lis , enmarcan a las dos jóvenes princesas que se abrazan con las manos rectas. Unido. Sobre ellos, a izquierda y derecha, dos putti blanden antorchas mientras Zephyr , la encarnación del viento, sopla una cálida brisa primaveral y esparce rosas. En el aire, en el centro, un círculo de alegres putti gira, como mariposas, alrededor de una encarnación de Bliss con el caduceo y cuya cornucopia derrama oro sobre las futuras reinas.
En la parte inferior del cuadro, el río Andaye se llena de deidades marinas que han venido a rendir homenaje a las novias: el dios del río Andaye apoyado en un barril, una Nereida coronada de perlas ofrece un collar de perlas y coral como obsequio de boda. , mientras que 'un Tritón sopla una caracola para anunciar el evento.
Por último, cabe señalar que María de Medici está ausente de esta mesa, a diferencia de todas las del Ciclo dedicado a su historia.
Esta pintura es particular en el ciclo de Marie de Médicis porque se distingue por su singularidad en la ejecución. Mientras que las otras pinturas se realizaron en el estudio de Rubens en Amberes , La Félicité de la Régence fue diseñada y pintada íntegramente por Rubens en el lugar para reemplazar otra, mucho más controvertida, que representa la expulsión de María de Médicis por su hijo en 1617. titulado el retiro de la reina de París a Blois . Terminado en 1625, es el último cuadro del ciclo realizado por Rubens.
En esta obra, María de Médicis se representa alegóricamente como la personificación de la Justicia . Está rodeada por una procesión de personajes o dioses del panteón griego y romano, como Cupido , Minerva , Prudencia , Abundancia, Saturno y dos encarnaciones de Fama . Todos están representados con sus atributos tradicionales: Cupido con su flecha, Prudence usa una serpiente envuelta alrededor de su brazo en señal de sabiduría, Abundance usa su cuerno de la abundancia, Minerva usa su casco y escudo, Saturno tiene su hoz y la Fama lleva una trompeta a anunciar el evento. Estas personificaciones van acompañadas a su vez de varias figuras alegóricas bajo la apariencia de cuatro putti y tres criaturas malvadas ( envidia , ignorancia y vicio ), así como una serie de otros símbolos que Rubens suele emplear en todas las tablas de ciclo.
Aunque esta pintura es la más simple de la serie, los historiadores a veces discrepan sobre su significado. Más que considerar a María encarnada como juez, algunos afirman que el tema real del cuadro es el "regreso a la tierra de Astrea , el principio de la justicia divina, en la edad de oro". Se basan en notas de Rubens en las que el pintor señala que “este tema no incluye ninguna referencia especial […] al reino francés”. Una carta de Rubens a una carta a Peiresc de13 de mayo de 1625 parece poner fin a esta controversia, sin embargo:
"Creo que te escribí que se retiró un cuadro, que representaba la salida de la reina de París y que, en su lugar, hice uno completamente nuevo que muestra el fluir del reino de Francia, con el resurgimiento del las ciencias y las artes a través de la liberalidad y el esplendor de Su Majestad que se sienta en un trono resplandeciente y sostiene una balanza en sus manos, manteniendo el mundo en equilibrio a través de su prudencia y justicia. "
Dada la rapidez con la que Rubens realizó este cuadro, la falta de una referencia específica a una edad de oro en su carta y la existencia de varias representaciones contemporáneas de María de Medici encarnando a la Justicia, la mayoría de los historiadores se contentan con una interpretación alegórica más conforme. tanto con el estilo de Rubens como con el resto del ciclo.
Si bien uno podría pensar que la pintura original mencionada en la carta que representa la salida de María de París fue rechazada a favor de La Félicité de la Régence debido al tema menos controvertido de esta última, Rubens afirmó en la misma carta:
“ Este tema, que no afecta particularmente la razón de ser de este reino, no se aplica individualmente a nadie; Llovió mucho, y creo que si me hubieran confiado por completo, los demás temas habrían salido mejor sin escándalos ni murmuraciones. "
Esta pintura, titulada La mayoría de Luis XIII o la reina entrega los asuntos al rey , representa un hecho histórico: la entrega del poder por María de Médicis a su hijo, el rey Luis XIII , el 20 de octubre de 1614. De hecho, después de A la muerte de su esposo Enrique IV el 14 de mayo de 1610, María de Médicis fue regente durante la juventud de su hijo hasta que devolvió el gobierno a Luis, el nuevo rey de Francia.
En la obra de Rubens, el barco representa al Estado con Luis XIII a la cabeza y puesto en movimiento por remeros que pueden ser identificados por el escudo icónico que cuelga del costado del barco: de izquierda a derecha, la Fuerza , la Religión , Concordia y Justicia . El barco está adornado con un dragón en la proa y delfines en la popa. Louis mira a su madre, que se inclina ligeramente hacia su gobernante, en busca de su consejo sobre cómo gobernar el barco estatal. En las nubes tumultuosas hay dos famas , una con un buccino romano y la otra con lo que parece ser una trompeta. El personaje que ajusta la vela parece ser Prudence o Temperance . En el centro, frente al poste, un personaje encarna a Francia, con una llama en su mano derecha, un símbolo de firmeza, y el orbe del gobierno en su mano izquierda, que representa el globo del poder.
Esta pintura debe verse en el contexto de la tensa relación entre el joven rey y su madre. De hecho, algún tiempo antes de su coronación, Luis XIII y María de Medici habían tenido una pelea que llevó al exilio de la reina. Rubens, que no lo ignoraba, optó sin embargo por ignorar esta disputa entre Marie y su hijo, prefiriendo enfatizar su compostura en el momento en que ella le transfirió el poder.
La Fuite de Blois , también llamada La reina huye del castillo de Blois en la noche del 21 al 22 de febrero de 1619 es una pintura que muestra a María de Médicis escapando del castillo de Blois donde, tras su huida de París, había sido consignada. por orden de su hijo, el rey Luis XIII .
En esta obra, Rubens retrata a una reina digna que muestra compostura en tiempos de angustia, mientras una multitud caótica de sirvientes y soldados se amontona a su alrededor. Marie de Medici está protegido por una alegoría de cascos Francia, y ella está acompañada a Angoulême por Minerve que encarna la sabiduría y el coraje. En el cielo, sobre ella, se representan la Noche y el Amanecer que sitúan el evento en el tiempo.
Rubens retrató el evento dándole un carácter bastante heroico en lugar de representar elementos exactos y realistas. Por ejemplo, podemos notar que María de Médicis no expresa ninguno de los sufrimientos por los que pasó durante su huida. Según documentos históricos relacionados con la fuga de la Reina, esta pintura no refleja el hecho ya que Rubens omitió una serie de aspectos negativos, sin duda por temor a ir en contra de la Reina. Así, María de Médicis es retratada de manera humilde mientras que la pintura revela su poder sobre el ejército. De hecho, si se desconocen las figuras masculinas en primer plano, las del fondo son soldados cuya presencia en la pintura simboliza la creencia que la reina tenía en su poder de mando.
El Tratado de Angulema , anteriormente llamado La reconciliación de María de Médicis con su hijo en Angers , representa el intento de reconciliación entre la Reina, refugiada en Angulema , y su hijo Luis XIII , quien,30 de abril de 1619, le presenta propuestas de arreglo para que acceda a tener una discusión para poner fin a su enfrentamiento sobre la dirección del reino.
Marie de Medici está sentada en un trono, con Vigilance a su lado. Frente a ella, Mercurio , el dios mensajero descendiente del Olimpo , le entrega una rama de olivo en señal de paz. La reina es asesorada por dos cardenales, François de La Rochefoucauld a la derecha y Louis de Nogaret de La Valette o Cardinal de Guise a la izquierda.
Rubens empleó varios métodos para sacar a la luz a María de Médicis, como guardiana y sabia consejera de su pequeño hijo. Sentada en un pedestal con esculturas de Minerva , que simbolizan la sabiduría, y dos putti sosteniendo una corona de laurel para ilustrar la victoria y el martirio, María de Medici está representada de manera humilde, con una mirada que expresa sabiduría. La presencia de los cardenales da un lado veraz a la escena frente a la deshonestidad de Mercurio que esconde un caduceo detrás de su muslo. El contraste entre estos dos grupos de personajes pretende resaltar la brecha entre las dos partes. Rubens también agregó un perro que ladra, una referencia que se usa para indicar o advertir de la llegada de un extraño con malas intenciones.
En general, esta pintura es la más problemática y controvertida, así como la menos comprendida, de todo el ciclo, ya que da una imagen de María de Médicis reclamando la autoridad real en poder del Rey, mientras que al mismo tiempo ilustra el primer paso hacia la paz. y reconciliación entre madre e hijo.
La conclusión de la paz en Angers ilustra la tregua que María de Medici se vio obligada a firmar el 10 de agosto de 1620 después de que sus tropas fueran derrotadas en Ponts-de-Cé .
Esta pintura representa la búsqueda de la seguridad de María de Médicis con el templo de formas redondas que comprende una placa sobre el nicho en la que está inscrito en latín “Securitati Augustae” (“Por la seguridad de la Emperatriz”). Al mismo tiempo, Rubens simbolizó allí el mal y la inseguridad que rodea a Marie de Médicis, con un cielo en particular brumoso y amenazador. Ella misma está representada con la serpiente del caduceo y es escoltada por Mercurio al templo de la paz , tantos símbolos que ilustran su voluntad de no ser derrotada. En primer plano, Peace, vestida de blanco, quema las armas de la guerra, desafiando el fraude, los celos y la furia ciega, con una cita de Gladiator Borghese .
Esta pintura, cuyo nombre completo es La perfecta reconciliación de la reina y su hijo, tras la muerte del condestable de Luynes el 15 de diciembre de 1621 , se llamaba anteriormente La entrevista de María de Médicis y su hijo en Coussières, cerca de Tours. , 5 de septiembre de 1619 , o La Paix confirmada dans le Ciel .
Tras el enfrentamiento militar entre María de Médicis y su hijo, Luis XIII , que terminó con la victoria de este último, María de Médicis se vio obligada a negociar con su hijo por intermedio del cardenal Richelieu . Así se reconciliaron de nuevo el rey de Francia y su madre, firmando el Tratado de Angers en agosto de 1620. Posteriormente, la muerte del condestable de Luynes , favorito de Luis XIII y ferviente opositor de María de Médicis, facilitó el acercamiento y reconciliación de el Rey y su madre.
En esta pintura, Luis XIII se representa como un adulto y se retrata en forma de Apolo . La muerte de la hidra , que simboliza al condestable de Luynes, no está en la mano de Apolo como cabría esperar, sino que es el hecho de una amazona que encarna a la Providencia. Nos encontramos así con una entidad que, sin la ayuda de Luis XIII, mata a la adversaria de María de Médicis que aparece como una madre amorosa, dispuesta a perdonar todos los males y dolores sufridos.
Dernier tableau du cycle, Le Triomphe de la Vérité ou La Parfaite et Sincère Union de la reine mère et de son fils , est une peinture purement allégorique de la réconciliation de Louis XIII et sa mère, la Reine Marie de Médicis, avant d'accéder En el paraíso. Antiguamente colgado en la pared este de la galería del Palacio de Luxemburgo , ahora está a la derecha frente al cuadro que marca la apertura del ciclo, Les Parques girando el destino de María de Médicis .
La Reina y Luis XIII están representados flotando en el cielo, conectados por el símbolo de la diosa Concordia que representa el buen entendimiento y la armonía, que representa la paz que se ha concertado entre ellos. Abajo, Saturno , dios del tiempo, eleva a la diosa Veritas que simboliza la verdad elevada al cielo y la luz, marcando así la reconciliación entre la reina y su hijo.
La representación de Tiempo y Verdad ocupa casi 3/4 de la parte inferior del lienzo. La parte superior está ocupada por Luis XIII y su madre María de Médicis, que se presenta mucho más alta que su hijo y ocupa mucho más espacio. Su cuerpo es más grande y menos oscurecido, lo que la coloca al frente de la imagen, enfatizando así su importancia. Por el contrario, la representación del hijo es más oscura y su cuerpo está parcialmente oculto por el ala del tiempo. Se arrodilla ante la reina y le presenta el signo de la amistad, con las manos juntas y el corazón en llamas en una corona de laurel. Con esta composición, Rubens da mayor importancia a la Reina en su pintura. Al mismo tiempo, proyecta a madre e hijo hacia el futuro, retratándolos como mayores y más maduros que en el cuadro anterior.
Esta obra marca un cambio en el ciclo de María de Médicis sobre el reinado de la reina madre. Con la muerte del favorito de Luis XIII, Charles d'Albert de Luynes , se reconciliaron madre e hijo. Marie recibió una legitimación definitiva al ser readmitida en el Consejo de Estado en enero de 1622.
Este último cuadro del ciclo coincidió con el interés que Marie de Medici tomó por la vida política tras la muerte de su marido. Ella creía que la diplomacia debía obtenerse mediante el matrimonio y fue el matrimonio de su hija Henriette-Marie con Carlos I lo que precipitó el final del ciclo de los Medici.
Los últimos tres pinturas son retratos de Marie de Medici, su padre François I er (estudio de Copenhague), Copenhague y su madre Juana de Austria . François I er aparece con un manto de armiño forrado con una cruz alrededor de su cuello que simboliza la orden toscana de San Esteban que su padre había fundado. El retrato de la madre de María de Médici la representa con un vestido de tela plateada con bordados dorados, pero no lleva nada que sugiera rango. Esta obra está inspirada en una pintura de Alessandro Allori que luego fue copiada por Giovanni Bizzelli . Sin duda, Rubens admiró estos cuadros que influyeron en su estilo en la representación de la madre de la reina. Sin embargo, sorprendentemente, la versión de Rubens está calificada como menos notable que los modelos originales.
En general, este retrato de Juana de Austria es el de una expresión alguna mujer, Rubens haber descartado la representación de la balanza hieratismo tradicional de la XVI ° siglo para una interpretación casual, la madre de María lleva una cortina sencilla parece hacer que se vea enfermo y débil.
Los dos retratos de los padres de Marie de Medici son estilísticamente muy diferentes, incluso del resto de las pinturas del Ciclo, en relación con las cuales estos retratos aparecen oscuros en comparación, en particular, con el retrato de Marie. Si bien Rubens hizo un gran uso de las imágenes alegóricas en la mayoría de las obras de la galería, los dos retratos de los padres de la reina son de composición simple y están ejecutados de manera clásica.
El encargo inicial para el ciclo de María de Médici incluyó la realización de una galería similar que representa la vida de Enrique IV que nunca se completó, aunque Rubens comenzó a trabajar en ella poco después de completar el ciclo. El ciclo de Enrique IV estaría compuesto por veinticuatro escenas monumentales que ilustran la vida de Enrique, sus encuentros, luchas, sus conquistas y los asedios de las ciudades sobre las que triunfó. Los dos ciclos de Marie y Henri habían sido diseñados para estar unidos en una arcada que habría unido las dos galerías en las que las pinturas se habrían exhibido por parejas.
Parece que Rubens no hizo bocetos para el ciclo de Enrique IV mientras se dedicó a la primera galería. En una de sus cartas, el pintor describió el tema de esta segunda galería como "tan vasto y magnífico que diez galerías bastarían" y si uno se refiere a otro de sus escritos de27 de enero de 1628, todavía no había invertido mucho en la realización de los bocetos antes de esa fecha. Hoy sólo quedan nueve bocetos de todos los realizados para el ciclo Enrique IV, así como cinco lienzos inacabados. La mayoría de los bocetos representan batallas en las que participó Enrique IV.
Cabe señalar que las razones por las que Rubens no completó el ciclo de Enrique IV están íntimamente ligadas a los acontecimientos políticos de la época. María de Médicis había sido desterrada de París en 1631 cuando el cardenal Richelieu tomó el poder de manos de Luis XIII . Como resultado, el proyecto se abandonó por completo ya que la aprobación por parte del Tribunal de los planos de distribución de la galería se retrasó constantemente. Richelieu, que ahora tenía todo el poder sobre la producción del ciclo, se negó a discutir con Rubens la finalización de la galería Henri IV con el pretexto de que estaba demasiado ocupado con los asuntos del Reino. En realidad, las verdaderas razones de Richelieu eran mucho más políticas. En ese momento, Rubens se encontraba en Madrid preparando una misión diplomática a Londres con el objetivo de acercar España e Inglaterra. Sin embargo, como el pintor era un miembro activo de un partido de oposición, Richelieu tenía allí un motivo obvio para frustrar los proyectos de Rubens y, además, buscaba activamente un artista italiano que pudiera haber reemplazado a Rubens, lo que explica por qué este último solo continuó muy esporádicamente. para realizar el ciclo. Tras el destierro de María de Médicis en 1631, el proyecto iba a ser definitivamente abandonado, aunque Rubens todavía parecía optimista, indicando: “Ahora he iniciado el diseño de la otra galería que, en mi opinión, por la naturaleza del tema, resultará aún más espléndido que el primero, de modo que espero ganar [reputación] en lugar de perder. "
Uno de los bocetos más importantes de la colección se llama La reconciliación del rey Enrique III y el rey Enrique de Navarra, realizado en 1628 y que narra un acontecimiento importante en la ascensión al trono de Enrique IV. Tras la muerte del duque de Anjou , hermano del propio Enrique III sin hijos, el heredero al trono parecía ser Enrique de Navarra, el futuro rey Enrique IV. Sin embargo, una bula papal lo privó del trono y lo excomulgó por lo que Enrique de Navarra protestó, lo que dio lugar a la Octava Guerra Religiosa (1585-1598) . Cuando el propio Enrique III fue desterrado de París por haber ordenado el asesinato del duque de Guisa , se reunió con Enrique IV para hacer las paces y reconocerle como heredero legítimo. Aunque Rubens describió esta reconciliación como teniendo lugar en la sala del trono, los testigos en ese momento informaron que el encuentro tuvo lugar en un jardín lleno de espectadores.
El boceto muestra a Enrique de Navarra inclinándose ante Enrique III, lo que, según relatos de testigos presenciales, parece correcto. Rubens representó un putto sosteniendo la corona de Enrique III, con la intención de colocarla en la cabeza del futuro Enrique IV, aunque la transferencia real de poder no tuvo lugar hasta después del asesinato de Enrique III unos meses más tarde.1 st de agosto de 1589. Un paje está detrás de Henri de Navarre sosteniendo su placa personal, un casco de plumas blancas, mientras que un perro a sus pies simboliza la lealtad. Las dos figuras inquietantes detrás de Enrique III son probablemente las personificaciones del fraude y la discordia.
El ciclo Enrique IV consistiría en escenas tomadas de la carrera militar del rey. La violencia de estas imágenes habría contrastado un poco con la relativa tranquilidad y majestuosidad de las escenas del ciclo de María de Médicis.
La batalla de Ivry es una pintura de la batalla más decisiva del reinado de Enrique IV para unificar la ciudad de París. Inicialmente gris, este boceto muestra al rey vestido de terciopelo carmesí para enfatizar que fue "la más famosa de todas las luchas de Enrique IV". Se le representa en el centro de la escena, levantando una espada de fuego, con su ejército victorioso corriendo caóticamente detrás de él. Esta pintura es la contraparte de la pintura de la Coronación de la Reina en el Ciclo de María de Médicis.
La entrada triunfal en París es un boceto que representa la última gran batalla de Enrique IV. Rubens quería que la pintura se instalara en la parte trasera de la galería, ya que debería ser una obra "grande e importante" relativamente avanzada en su ejecución. La pintura muestra a Enrique IV desfilando por París, victorioso como un emperador romano sosteniendo una rama de olivo, símbolo de paz. Sin embargo, dado que Enrique IV nunca entró en la capital de esta manera, se cree que la escena simplemente representa un triunfo simbólico. Además, el supuesto escenario en el que habría tenido lugar la escena (los edificios, el Arco de Triunfo) no existía en París en ese momento, lo que confirma que el boceto no se basa en hechos históricos, sino que es una metáfora clásica. de la voluntad de Enrique IV de seguir siendo rey de Francia. Esta pintura es la contraparte de la pintura La muerte de Enrique IV y la proclamación de la regencia en el Ciclo de María de Médicis.
La Clemencia de Enrique en París corresponde al Concilio de los Dioses en el ciclo de María de Médicis, con un Enrique IV trayendo la paz a la tierra donde María la trajo al Cielo. Esta pintura de Enrique IV representa las escenas que siguieron a la captura de París. El ejército de Enrique IV expulsa a los rebeldes de París arrojándolos desde un puente al río. En la esquina izquierda, sin embargo, podemos ver al nuevo soberano discutiendo con algunos asesores la indulgencia que mostrará.