La pintura de la Antigua Grecia cubre todo el período de la Antigua Grecia desde la Edad del Bronce y la Arcaica , Clásica y Helenística . En este tiempo, la X e en I er siglo antes de la era común , se ha transformado en todas las formas que ha adoptado, ya sea la pintura de cerámica - que sigue siendo la parte mejor conservada de esta práctica artística - en paneles o mural y algunas veces en las estelas . La pintura griega, por tanto, no se limita al soporte bidimensional, ya que lo esencial se encuentra en la cerámica, con, para cada una, un volumen particular en el que se inscribe la pintura y con pequeños relieves que, en ocasiones, la completa.
Las pinturas helenísticas que se descubren constantemente en las tumbas de la élite en el norte de Grecia revelan a artistas destacados que dominaron la representación de los volúmenes y la luz a través del claroscuro y la ilusión de la perspectiva .
Las huellas de pintura que quedan en las esculturas y las decoraciones arquitectónicas permiten representar, con las técnicas actuales, el efecto de la pintura sobre los volúmenes en la Antigüedad. Pero este enfoque todavía es experimental, en algunas muestras estudiadas en el laboratorio. Este estudio involucra la historia antropológica, estética, social y religiosa del mundo griego antiguo.
La pintura, en paneles y en la pared, era considerada por los propios griegos como "la esencia misma de la belleza y la base del arte". La Pinacoteca , cuando llegamos en la Acrópolis de Atenas, a la izquierda, después de cruzar el Propileos , fue construido en el centro de la V ª siglo para exponer varias obras maestras, específicamente una galería de imágenes, donde los paneles pintados se colgaban por encima de un panel de soporte. Fueron la admiración de todos aquellos a los que les gustaba quedarse allí, a lo largo de la Antigüedad, en particular Pausanias , el autor latino de un diario de viaje en Grecia que se ha mantenido famoso por las detalladas descripciones de ciertos cuadros de los que conservamos el recuerdo gracias a él. En el Ágora, la Stoa Poikilè - también “Pœcile” en la traducción de Pausanias - presenta varias pinturas de gran tamaño.
La historia ha conservado varios nombres de pintores gracias a los elogiosos comentarios de los propios griegos o viajeros en la antigüedad. El más famoso de la época clásica eran Polignoto (470-440), Apolodoro (alrededor activa 408), Zeuxis (464-398), Timantes (finales V º - comenzando IV º siglo) Protogenes y Apeles (tanto la segunda mitad de la IV ° siglo). Los textos griegos y latinos que evocan la pintura antigua, en particular la de los griegos, fueron recopilados, traducidos y agrupados por Paul Milliet (1844-1918), luego por Adolphe Reinach (1887-1914) y publicados en francés en 1921, luego reeditados. en 1985. Las minuciosas descripciones permiten representar no solo la acción sino también hasta la expresión de las miradas, al drapeado, cómo cubre o descubre el cuerpo según el momento en la imagen. Pero las pinturas, murales y paneles, se pierden. Sin embargo, los descubrimientos que se suceden desde 1977 y hoy, de las tumbas reales y de la élite helenística en Macedonia, revelan el talento de artistas destacados. Estos pedidos excepcionales solo podrían ser encomendados a los mejores artistas, serían aquellos cuyos nombres nos han sido transmitidos por los textos. Pero su firma aún no aparece, en 2017.
A esta lista debe agregarse la lista mucho más amplia de pintores de cerámica. Algunos de ellos están grabados en la cerámica. Todos los demás son identificados por investigadores y se les da un nombre, arbitrariamente, relacionado con el alfarero, o con un jarrón notable la mayor parte del tiempo. Su producción se puede reconstruir sobre criterios estéticos. Quizás porque Grecia tenía muchos depósitos de arcilla de calidad excepcional, los talleres de cerámica florecieron allí durante toda la antigüedad. Y debido a su relativa pobreza en otras áreas, el comercio de cerámica fue la principal fuente de enriquecimiento de Atenas durante el período clásico. La tierra roja del Ática y eso, color beige claro, de Corinto son particularmente notables. Pero la mayor parte de la producción no estaba decorada: ánforas comerciales, cerámica común y culinaria para el "consumo" diario.
Las inscripciones en la cerámica también nos informan del clima de franca rivalidad que reinaba entre los talleres de los ceramistas, y que no tiene equivalente en el campo, menos documentado, del mural o sobre tabla, como en lo que se refiere a la escultura griega antigua. Además, el idioma griego no distingue entre nuestros "artesanos" y nuestros "artistas", solo hay " tekhnitai " ("fabricantes").
Restauración de colores residualesTambién cabe señalar que la pintura siempre se ha utilizado en esculturas. El Prof. Vinzenz Brinkmann es especialista en esta antigua policromía en la Universidad de Bochum y en la Fundación de Arqueología de Munich, que montó la exitosa exposición " Color Gods (in) " como en la decoración arquitectónica. La pintura encáustica se aplica al menos a la IV ª siglo las grandes esculturas de mármol, como lo demuestra un jarrón del Museo Metropolitano y la elección de Praxíteles . En el medio de la IV ª siglo, la sensualidad de su " Afrodita de Cnido " iba a ser acentuada por la pintura, hecha por el pintor Nicias . Éste utilizó, según Plinio el Viejo , "la técnica del circumlitio , donde se trabajaban especialmente los efectos de la sombra y la luz".
Tanto en la pintura griega como en la escultura, el motivo que domina, y con mucho, todos los demás, es la figura humana. El motivo del cuerpo "desnudo", mucho más el del hombre que el de la mujer, es un motivo constante y recurrente en todo el arte griego antiguo. El tratamiento aparentemente cada vez más "naturalista" del cuerpo humano, un tema dominante en las representaciones figurativas, se manifiesta en numerosas series de variaciones del desnudo en la antigua Grecia .
Es en la extensión de estas variaciones sobre el motivo del cuerpo más o menos desnudo que el arte griego estableció e influyó profundamente en todo el arte occidental. Un ejemplo de ello lo encontramos en el intento de recomponer pinturas desaparecidas según su descripción antigua: este es el caso de " La calumnia de Apeles " de Botticelli, durante el Renacimiento, en Italia . Este es también el caso de pinturas inspiradas en copias romanas, como "Encuentro de Hércules y Telephus en Arcadia", que es una copia romana después de un original griego. Que sirvió de modelo a Ingres para la pose de Madame Moitessier sentada . Después de su visita a los museos y sitios arqueológicos de Roma, Florencia, Pompeya, Herculano y Nápoles, en la primavera de 1917, Picasso volvió a la diversidad de pinturas del Renacimiento o la Antigüedad (por ejemplo, "Mujeres jóvenes jugando a los huesecillos", Copia romana después de Alexandros de Atenas).
A Picasso también le gustaba referirse a la pintura griega, en un registro más extenso, que sobre la cerámica y la representación animal. Se puede tomar como ejemplo la cerámica realizada en Valauris, donde se encuentra entre 1946 y 52 un motivo sujeto indefinidamente a variaciones por parte de los pintores de la cerámica griega: el búho, atributo de Atenea y símbolo de Atenas.
Muchas de las grandes pinturas sobre paneles o pared, estaban dentro de los templos y otros edificios públicos, hasta que la V ª siglo, y cada vez más en los edificios privados. La Pinacoteca [literalmente: "tablas de depósito"] (en el centro de la V ª siglo antes de la era común ), a la izquierda de los Propileos , la entrada monumental de la Acrópolis de Atenas, sirvió para instalar una galería de imágenes, donde los paneles pintados colgados encima de un panel de soporte. Aunque Pausanias (siglo II d . C.), en su Descripción de Grecia , habla de imágenes "que el tiempo no había borrado", sí se trata de tablas, dos tablas de Polygnotus . La Pinacothèque se creó para albergar banquetes públicos con 17 camas. Además Atenas tenía otro espacio que presentaba pinturas: sobre el Ágora, la Stoa Poikilè , (también Pœcile en la traducción de Pausanias) un pórtico que presentaba varias pinturas de pinturas, incluida una pintura realizada por Polygnote y ofrecida por él a la ciudad. de Atenas. Otras colecciones, privadas, han surgido más tarde.
Entre las pinturas documentadas por Pausanias, las pintadas por Polygnot en la Lesche des Cnidiens , en Delphi, han sido objeto de numerosos estudios según el conocimiento de que disponen los investigadores. Un estudio reciente, en 2000, de Catherine Cousin, vuelve a estas pinturas bajo el título "Composición, espacio y paisaje en las pinturas de Polygnot en la lesche de Delphi". Según Pausanias, las pinturas, [muy probablemente sobre madera], estaban, en simetría, una a la izquierda, la otra a la derecha al entrar.
En Atenas, estos artesanos, los technitai , constituyen un medio. Están mucho más aislados en otros lugares. Alrededor de un maestro alfarero, algunos empleados montaron un taller. A veces hay barrios de alfareros, como en Atenas y Metapont , pero queda por hacer el estudio de estos asentamientos.
El arte griego se ha transmitido a través del saber hacer (la profesión, a veces a lo largo de varias generaciones) y a través de los estilos: los talleres de unas pocas ciudades productoras. Esto asegura una gran continuidad y una secuencia de fases creativas. No hay ruptura, vanguardia. Pero el espíritu de competencia entre artesanos y entre ciudades asegura esta secuencia de fases creativas, su dinamismo.
Un estudio histórico global de las producciones artesanales (pinturas de vasijas, figuras de terracota, bronce o marfil, relieves arquitectónicos, estelas funerarias, estatuas, perfiles de moneda) ofrece la oportunidad de observar, en un momento dado, paralelismos entre formas (pinturas / estatuas, etc. .). Por ejemplo el que se puede ver, en el período arcaico, entre el rubio Efebo y tal perfil del Pintor de Berlín. Este fenómeno se puede observar en diversas épocas del arte griego. Por tanto, es necesario considerar el funcionamiento concreto de estas comunidades de artesanos descompartimentalizados, ellos mismos en parte versátiles; hay escultores que pintan sus esculturas, pero otros que confían sus mármoles a pintores de renombre. Sus clientes los unen. Entre ellos, intercambian información y comentarios tanto como compiten. Estas comunidades de artesanos parecen aparecer, en el campo de la pintura helenística, por prácticas idénticas del color: el conocimiento técnico se comparte entre pintores de gran pintura y pintores sobre cerámica o mármol.
Entre los primeros soportes, las ánforas cinerarias ofrecen sus hermosas curvas a la decoración en engobe negro . Se trata de grandes vasijas que fueron enterradas y que contenían las cenizas de personalidades suficientemente ricas para ser tratadas así después de su muerte. El ánfora estaba rodeada por muchos jarrones rotos en la hoguera.
La decoración pintada de estilo geométrico del IX e - VIII º siglo, inventado por Atenas, se hizo por primera vez de líneas y las ondas regulares, así como círculos concéntricos dibujados brújula. Una decoración geométrica invade gradualmente todas las superficies disponibles. Luego se inscriben las figuras humanas, especialmente en el marco de objetos vinculados a las celebraciones funerarias, en siluetas yuxtapuestas en una densa decoración compuesta por registros superpuestos, figurativos en la parte superior y más geométricos en la parte inferior. El estilo orientalizante, paralelo a la producción ateniense, se despliega en Corinto (alrededor del 725 al 625) y en Grecia Oriental con frisos decorativos, donde el arte geométrico deja un gran lugar para frisos animales, vegetales o fantásticos.
Ánfora cineraria ático. Geométrico antiguo, 900-850. H. 75 cm. Museo Ágora
Jarrón monumental que marca la tumba de un hombre. Lamento de mujeres, procesión de tanques e infantería.
H. 108 cm. Met .
Cráter funerario del ático : la exposición del cuerpo. Fin del estilo geométrico, c. 750-735. Met .
Ulises y el cíclope . Cuello de un ánfora funeraria ático , estilo blanco y negro, c. 660. MArch Eleusis
Arybala Protocorinthian en forma de búho, c. 640. Louvre
Varias características de este período: los jarrones de figuras negras con detalles grabados y la rivalidad entre los dos grandes centros de producción cerámica: Corynthe y Atenas . La convención duradera de mujeres vestidas de blanco y hombres de rojo o negro reflejó una realidad: las mujeres se quedan en casa y los hombres tienen la libertad de salir, el color de su piel lo siente. Un buen ejemplo para este período es un pequeño cuadro que adorna el vientre de un jarrón de corintio: vemos un grupo de mujeres, con cuerpos blancos, con el cabello desatado y que rodean el lecho funerario de Aquiles, con el rostro negro. Las inscripciones permiten identificar a los actores de la escena. El escudo de Gorgona descansa en el suelo. Frente a las producciones corintias, las vasijas atenienses predominan alrededor de 575-550. Este período vio el desarrollo de la práctica de grandes escenas en lugar de registros superpuestos, donde frisos de animales y geométricos habían cubierto previamente casi todas las superficies. El jarrón de François es el último y excepcional ejemplo de escenas superpuestas en cinco registros . Con los jarrones de figuras negras, cuya edad de oro data de alrededor de 550-530, se generalizó el uso de una escena a cada lado, entre los tiradores, y cada uno de los dos paneles destacó en transparente y mate en el fondo. negro brillante. Exékias, pintor y alfarero, opera esta ruptura de manera radical y con una calidad en la composición de las figuras y las escenas que es bastante excepcional.
Pixide corintio, frisos de pájaros, c. 625-600. H. aprox. 10 cm. Museo Nacional de Cerámica , Sèvres
Escena de banquete , simposio . Eurytios y Heracles. Cráter de columnas corintias, c. 600, figuras negras y rojo oscuro sobre arcilla clara. Lumbrera
Lamentación de Aquiles por Thetis y las nereidas . Hidria corintia de figura negra, 560-550. Lumbrera
Jarrón François , cráter de voluta ático, con figuras negras , 570-560. Florence MNArch .
Jarrón François , asa. Ajax llevando el cuerpo de Aquiles . 570-560. Florence MNArch .
Placa votiva de madera de la cueva de Pitsa (Santuario de Pan y las Ninfas ) Alt. 15 cm, región de Corynthe , c. 540-530. Atenas MNArch .
Aquiles y Ajax están jugando a los dados. Ánfora de Exekias . 540-530. Vaticano
Suicidio de Ajax. Ánfora de Exekias con figuras negras. Atenas, hacia 530. Boulogne-sur-Mer .
Este período vio la invención de los jarrones de figuras rojas y la primera investigación sobre la expresión de la tercera dimensión. Los detalles anatómicos se transcriben con precisión en el color negro, que se emplea para el fondo pero más o menos diluido para los rasgos, hasta que adquiere un color dorado claro. Por último, también son cerámicas con fondo blanco, pero con una decoración monocromática en negro.
Hacia el año 530, con la invención del jarrón de figuras rojas, el fondo es negro, la figura conserva el color terracota, rojo anaranjado en el Ática. Los detalles, antes grabados en negro, se dibujan con pincel y engobe negro más o menos diluido. La precisión de los detalles es apropiada para una decoración delicada, que también se encuentra en las estelas funerarias y las estatuas pintadas de esta época en la Atenas antes de la guerra y enterrada después del saqueo de Atenas del 480. Rápidamente se dibujan los pintores. los primeros intentos de representar el cuerpo de un hombre desnudo, con una anatomía detallada, como el del héroe Sarpédon, cuyo cuerpo jadeante Euphronios reproduce con asombrosa minuciosidad y lo inclina hacia adelante, hacia la tercera dimensión.
El transporte del cuerpo de Sarpedón . Cráter de Euphronios (pintor), c. 515. Metropolitan Museum, NY
Mujer desnuda en el altar. Copa del Pintor del Ágora, v 510-500. Museo del Ágora Antigua de Atenas
Aquiles y Patroclo. Copa del Pintor de Sosias, c. 500. Altes Museum , Berlín
Mujer en el baño. Pintor: Douris , c. 500. ático Rojo-figura taza , D. 26,9 cm. Met .
Peltaste luchando contra una pantera; inscripción: kalos . Lado A de una taza ático con fondo blanco, deb. V e . Lumbrera
Rython en forma de cabeza de mula. Pintor Brygos , c. 480. Museo del Hermitage .
Los herederos de los pintores de cerámica de finales del VI ° siglo abandonan las decoraciones deslumbrantes. Para el pintor de Berlín la figura por sí sola, incluso a veces sin trazo del suelo, ocupa todo un rostro con fuerza, sin omitir el meticuloso realismo de los detalles.
En el rostro de perfil, el ojo también está de perfil. La pieza en bruto se encuentra a veces en el límite de lo visible, en forma de línea ligeramente grabada en el soporte, antes de que esté completamente seca. La línea definitiva casi nunca coincide con este esquema, que solo sirve para probar una ubicación de la asignatura. Los pintores dominan todas las posiciones y la torsión de los cuerpos con composiciones vigorosas. La adopción de la tercera dimensión, en la copa grande del Pintor de Pentesilea , pone en primer plano la matanza de la reina de las Amazonas . Ella no muestra su dolor, como una verdadera heroína que se encuentra con la mirada de quien la mata. Detrás de ellos, un soldado a la izquierda, y a la derecha una amazona con un traje extraño, muerta a sus pies: vista frontal. Como si la vista frontal excepcional sólo pudiera aplicarse a los extraños, a los muertos, pero también al sátiro, a la ménade, a la mujer y al banquete, finalmente, a la Gorgona ; una tradición que se remonta al menos a las primeras figuras de Gorgona y que también existe en el arte egipcio .
En la Tumba del Buceador , el hecho de ser una tumba de cistus (con cofre) permitió decorar sus paredes internas. Pero esto no es un hábito de los griegos. En este contexto, la escena del banquete con muchos personajes, incluido un joven copero y un pequeño flautista, es una oportunidad para dar vida a los invitados alegres por la eternidad, que beben y cantan, juegan cottabe e intercambian gestos de ternura. “¿Simboliza una vida hermosa preparándose para la otra vida? ¿Y es este pasaje el que significa, en la portada, la pura silueta del buceador que, en medio de una naturaleza medio susurrada por dos árboles, va a ser tragado por las olas? ".
Hoplita armado. Inscripciones (nombres y kalos ) parcialmente borradas. Terracota: fondo blanco, figura roja, H. 65,5 cm. 525-475. Acrópolis
Ganímedes por el pintor de Berlín , cráter ático de figuras rojas , c. 480. Louvre.
Tapa de la " Tumba del Buceador ". 480-470. Pintura al temple sobre sinopia (borrador).
Paestum , Museo de Arqueología
Ídem, interior de la tumba, muro norte. Banquete: joven sin pelo (efebo) y hombre adulto, barbudo, que atrae a los más jóvenes.
Deportistas en reposo y sus jabalinas. Pintor de Pistoxenos , medallón de un ático de figuras rojas kylix , 480-460. Altes Museum , Berlín.
"Aquiles y Pentesilea", (Griegos y Amazonas). Pintor de Penthesilea .
470-460. Taza, D.43 cm . Munich .
Cerámicas de figuras rojas: a veces muestran la influencia de la escultura - el tipo de cuerpo del que Policleto estableció el modelo es asimilado por todos lados - y de la gran pintura que ha desaparecido: la de Polygnote y Mikon , con un esquema claro y preciso, basadas en un perfecto dominio del dibujo anatómico. Lo vemos excepcionalmente en algunas de estas cerámicas, cuando las figuras parecen desvinculadas entre sí, sin una acción que justifique sus gestos y su encuentro: parece que se han copiado figuras aisladas en ciertos jarrones para revivir el recuerdo durante los banquetes. En la descripción de Pausanias para la pintura por Polygnot (470-440), Nekyia , a la Lesche des Cnidiens , la perspectiva se obtiene por la superposición de los actores. Estas pinturas de Polygnote consistían principalmente en figuras, alrededor de 70 en cada panel. Y en sus grandes composiciones se apegaba a la descripción de las almas, a la determinación de unas, al sufrimiento de otras. En la cerámica contemporánea, podemos percibir el recuerdo de estas figuras expresivas, en particular con el cráter del Niobides , en el Louvre.
Los raros jarrones funerarios lekythoi , depositados sobre o en la tumba, a menudo se hacen por encargo. Esta forma de jarrón alargada se puede decorar con figuras rojas. Desde la V ª siglo, sin embargo, la aplicación de un fondo blanco puede pintar en color con efectos que evocan los colores de la gran pintura, que era, también, en el fondo blanco. Sin embargo, estos jarrones son raros y los colores muy frágiles. Casi siempre muestran el funeral, y la tristeza, la soledad de los que quedan.
Sur de Italia ve el desarrollo de la producción de cerámica de calidad, desde el final de la V ª siglo, cuando las figuras de cerámica roja declina en Atenas. La Apulia comienza así a producir intensamente un "estilo simple" cerámico, sin excesos, y otro en el "estilo ornamentado" en vasijas grandes, formas excesivas con escenas mitológicas, monumentos en perspectiva: escenas complejas realzadas con color. La Apulia, al estilo de Gnathia, multiplica los efectos de los colores aplicados antes y después de la cocción, sin olvidar jugar con los pequeños relieves, para bonitos detalles. Todavía en el sur de Italia, pero más tarde, Campania produjo una cerámica inspirada en los grandes mitos, en escenas con muchos personajes, cuyas superposiciones evocan la profundidad del espacio y la intensidad, incluso el caos de un episodio trágico.
Al final del período clásico, para los ceramistas de Grecia, los mercados del sur de Italia y Sicilia se perdieron cuando los talleres locales, con los estilos “simple” y “ornamentado”, alcanzaron su plena producción. Entre estos últimos, los jarrones de Apulia son gigantes y están cubiertos de una decoración pesada, como el lutróforo atribuido al Pintor del Louvre, que sirve de referencia a este pintor y que supera los 90 cm de altura. Los talleres luego multiplican las escenas con muchos personajes, detallados, con varios colores, pequeños relieves y dorados. Es el estilo de Kerch (un ejemplo: Hydrie des mystères d'Éleusis , 375-350 del Musée des beaux-arts de Lyon ).
Con el descubrimiento en 1831, en las ruinas de Pompeya , del Mosaico de Alejandro , pudimos hacernos una idea de lo que podría ser la gran pintura helenística, con todos sus matices de sombra y luz, de claro- oscuro . Seguramente era una copia de un modelo helenístico originalmente hecho por un gran pintor. Además de la intensidad de la acción, representada por la acumulación de actores en primer plano y los, mucho más numerosos, en el fondo sugeridos por las lanzas erigidas en apretadas filas, es la emoción, en todas sus formas, la que se manifiesta en las actitudes contrastantes de los vencedores y los vencidos y por la expresión de los rostros. Cada volumen da testimonio del dominio del claroscuro.
Desde el XIX ° siglo se creía perdido para siempre todas las grandes pinturas, sólo unas pocas copias y frescos de mosaico romano raros de ahorrar unos cuantos composiciones. El descubrimiento, a partir de 1977, de más de 70 monumentos funerarios en el norte de Grecia, llamados por conveniencia "tumbas macedonias", trastornó esta primera imagen de la gran pintura griega.
La tumba de Felipe II de Macedonia , la llamada tumba de “Perséfone” , la del juicio y las hojas de palma , o incluso la tumba de Anfípolis , son algunos de los principales ejemplos. Su estudio, con todos los medios a nuestro alcance hoy, nos permite redescubrir el saber hacer de estos pintores, hasta su primer boceto grabado en el yeso fresco y sus distintos procedimientos. La pintura a veces se posa con un gesto rápido y hábil, que corresponde al momento del secuestro de Perséfone, pero en otra parte, en otra tumba, se encuentra un modelado fundido con una frontalidad simétrica, irreal, para dar, siempre al pie de la letra . secuestro de Perséfone, un personaje majestuoso pero sin la energía de la primera tumba.
Además, la mezcla óptica está atestiguada. El ciclo del sarcófago de las Amazonas de Tarquinia ofrece una gama de colores brillantes, que incluyen un fondo rosa y cortinas y escudos azules. El modelo fundido se ve reforzado por una línea oscura y precisa. En cuanto a la fachada de la tumba de Felipe II, sorprendió a todos con una escena de caza que se desarrolla en un paisaje, claramente trazado por líneas de montañas en el horizonte, varios árboles y un grupo de árboles en primer plano, así como un montón de rocas. Antes de este descubrimiento, la pintura de paisaje parecía haber sido "inventada" por los romanos, más tarde.
También hay una gran diversidad de prácticas en las tumbas macedonias del siglo IV la pintura puede ser monocromática, roja y simplemente de línea negra, pero muchas pinturas también utilizan la "Tétracromía" con fondo blanco o retoque de blanco, y los otros tres colores. , amarillo, rojo y negro. Dicho esto, un estudio más detenido muestra que estos artistas a veces ponen algunos toques de color, como el rosa y el azul; finalmente, otros tienen una función más decorativa y utilizan colores más vivos. Con estos colores los pintores producen efectos de claroscuro , por la gradación de tonos, de los más oscuros a los más claros, sobre los volúmenes, enfatizando así la anatomía y los drapeados que antes se indicaban en una línea. Para lograr el claroscuro, todos los tonos intermedios se obtienen por mezcla, pero a menudo también por yuxtaposición o superposición de colores, para encontrar los tonos deseados.
Blanco, rojo, amarillo y negro son los cuatro colores, de los que habla Plinio el Viejo , que fueron utilizados por Apeles , entre otros. Este juego de cuatro colores se ha encontrado, traspuesto sobre los bronces, gracias a un estudio detallado de los bronces antiguos. Están mal representados como el color del bronce pulido, uniformemente dorado. Pero hay en los textos antiguos una pista que sugiere otra concepción del bronce policromado: la evocación de un "bronce negro". Encontramos rastros de él: un tintero de Vaison-la-Romaine , en el que se encuentran los famosos negros (cobre patinado con un componente dorado que mantiene un negro permanente), paradójicamente), rojo (cobre puro), amarillo (latón u oro). y blanco (plateado).
Así, los bronceadores trasladaron las convenciones de la gran pintura clásica, su "tetracromía", a lo que era su área de especialización, el bronce. Los mosaicos hicieron lo mismo, como se puede ver en el Mosaico de Alejandro. Llegando a transponer las líneas negras en líneas de plomo, en Dionysos de Pella, y las pinceladas del pintor en hileras de teselas para obtener una mejor interpretación de la luz en los volúmenes. Todos estos procesos sumados al realismo del dibujo reforzaron el efecto de ilusión. En el período helenístico otros colores están presentes en las tumbas de la élite macedonia, como un azul brillante obtenido por un azul sobre fondo gris. En las pinturas helenísticas, por tanto, la gama es más extensa, como el azul y el verde, en los mosaicos y en determinadas cerámicas pintadas al temple .
Con medios más reducidos, la pintura policromada sobre cerámica atestigua un conocimiento común entre estos artistas y los ceramistas (o pintores especializados en cerámica), como en Tanagra en Beocia , incluso en Centuripe , en el sur de Italia. Tales similitudes también se encuentran cuando comparamos los resultados de los análisis realizados en los murales y en los mármoles, ya sea un trono o una estatua. Se pueden superponer capas más o menos finas o el uso de una pintura al huevo ( temple al huevo ), en ocasiones para producir colores matizados por la transparencia de la capa superficial.
Secuestro de Perséfone por Hades . Pintura mural, detalle
c. 350. Tumba conocida como “de Perséfone” .
El mosaico de Alejandro . Terrazo, copia romana después de la pintura Filoxeno Eretria (final del IV ° siglo). Nápoles MNArch
Télèphe y Heracles (inicio original griego II ª siglo). H. 2,16 m. Fresco de Herculano , Nápoles MNArch
Una "Dama de Azul". Estatuilla de Tanagra , 335-300. Terracota pintada y dorada, H. 34 cm. Museo Altes
La novia y sus doncellas. Florero funerario. Centuripe III E - II ª siglo. Alt. 39 cm. Decoración policromada pintada tras la cocción. Pone
“ Pintores griegos ” , Pintura y color en el mundo griego antiguo , en École normale supérieure de Lyon (consultado el 3 de abril de 2017 ) . Dirección científica: Sophie Descamps, conservadora jefe de patrimonio, Departamento de Antigüedades Griegas, Etruscas y Romanas del Museo del Louvre.