Los muebles de artista se refieren a muebles únicos o fabricados en pequeñas cantidades por artistas , a diferencia de los muebles en serie hechos en fábricas .
A partir de las Edad Media a la XVIII ª siglo , el diseño de mobiliario es del dominio exclusivo de los artesanos. En 1789 se abolió la obligación de poseer un título de maestría en la fabricación de muebles, considerado un privilegio y un obstáculo para la libertad individual. En el XIX ° siglo el gabinete continúa, a través de cuatro estilos principales: estilo Imperio , la Restauración , de estilo Luis Felipe y de estilo Napoleón III . Las técnicas de fabricación están cambiando como resultado del crecimiento industrial. El gusto evoluciona, la marquetería se usa menos, las líneas se afinan.
No fue hasta el apogeo de la revolución industrial (alrededor de 1870) que los propios fabricantes comenzaron a interesarse por los muebles. Las técnicas de producción están pasando de un sistema de producción artesanal, en lugares dispersos, a una producción cada vez más mecanizada y centralizada, en serie, utilizando estándares para obtener una calidad homogénea.
Se inicia entonces el debate entre los defensores de la tecnología y la industria y los que defienden una línea historicista y la belleza del objeto único. Esta controversia continuará a lo largo del XX ° siglo.
Al mismo tiempo, los artistas se liberaron del academismo, especialmente con los impresionistas en el Salón de 1874 . Liberado de limitaciones estéticas y técnicas, el campo de aplicación de los artistas se está expandiendo. Tanto es así que pintores y escultores también crearán muebles, muebles de artista .
Los muebles de hoy a menudo se incluyen en el término " diseño ". El diseño aparecido más de XX XX siglo es un concepto complejo.
Si nos referimos a la definición de Raymond Guidot según la cual el diseño es "la parte de la creación que asegura la coherencia entre los imperativos tecnológicos de fabricación, la estructura interna del objeto, su valor de uso y su aspecto final", el mobiliario de artista no no, a priori, se refieren al campo del diseño. El criterio de funcionalidad no es un elemento importante en la creación del artista. Sobre todo, el artista desea poder expresarse a través de su creación.
La libertad adquirida por los impresionistas llevó principios del XX ° siglo a la aparición de corrientes estéticas donde el artista se convierte en multidisciplinaria. Su estado está cambiando. A diferencia del siglo anterior, el arte ya no obedece a las reglas del Academicismo. El pintor ya no se preocupa por representar la realidad. Intervienen varios factores, como la aparición de fotografías o la distribución masiva de grabados .
Los artistas también se benefician de los desarrollos técnicos desde la revolución industrial (colores en tubos). Las obras ya no requieren una preparación laboriosa, dejando más espacio a la espontaneidad. Todos estos fenómenos aumentan la creatividad de los artistas, que multiplican sus técnicas. Su curiosidad los lleva a crear objetos y muebles.
El grupo Nabis , cuya preocupación era encontrar el carácter sagrado de la pintura, concede importancia a la construcción de la pintura que va de la mano de un gusto asertivo por lo decorativo, que les lleva a crear tapices, cerámicas o decoraciones de teatro. Paul Gauguin , junto con su obra pictórica, crea objetos como cerámica y tallas de madera. Maurice Denis diseña toda la capilla contigua a su casa en el Priorato, las pinturas, vidrieras y muebles son su creación.
Pablo Picasso se interesa por las artes decorativas. Realiza vestuario, cerámica, esculturas. Para su amigo Serge Diaghilev , en 1917 hizo el vestuario para Parade , el famoso ballet ruso. Picasso también diseñó todo el decorado y el telón del escenario. En 1946 , con motivo de una de sus estancias en el Sur, vio una exposición de cerámica en Vallauris , que le produjo un detonante. Conoce a Suzanne y Georges Ramie, propietarios del taller Madoura, y decide abordar esta disciplina. Incluso se instaló en Vallauris entre 1948 y 1955 . Inventivo, en veinte años produjo alrededor de 3.500 piezas originales.
Los levantamientos técnicos y artísticos que tuvieron lugar en el XIX ° siglo generaron una nueva visión de las artes decorativas que promueven los intercambios entre las artes
Alrededor de 1880 , el Art Nouveau mostró un atrevimiento creativo para una clientela rica y pequeña. La Escuela de Nancy , núcleo del Art Nouveau, se diversifica hacia las artes decorativas: cerámica, vidrio y mobiliario. El repertorio ornamental se toma prestado principalmente del mundo floral. Este último ya no es estilizado sino naturalista. Se prefieren las líneas curvas. También se inspira en el Simbolismo ilustrado por Stéphane Mallarmé en la literatura y por Odilon Redon y Gustave Moreau en la pintura.
Héctor Guimard , Émile Gallé , Eugène Gaillard y Louis Majorelle son los protagonistas principales del denominado mobiliario Art Nouveau.
La marquetería de estilo japonés muestra el gusto por lo exótico, por el mundo vegetal. El mueble es una superficie "decorativa" como una pintura.
Gallé dibuja las flores, plantas, pájaros e insectos de Lorena para inspirarse en ellos en la creación de sus muebles. Para Émile Gallé , la decoración “tendrá expresión porque el artista en contacto con la naturaleza, no puede permanecer insensible a la nobleza de las formas vitales (…) este arte será sincero, alegre, lleno de salud natural, vivo, humano, verdadero o voluntario. No ser ".
Los actores del Art Nouveau son multidisciplinares: Héctor Guimard , diseña casi toda la decoración de los edificios que crea como arquitecto. El Castel Béranger es una obra homogénea, donde la arquitectura interior y exterior se encuentran. Para ello, el arquitecto tuvo que dedicarse a un área que antes no le había pertenecido: el mobiliario. Aporta una nueva visión de la ebanistería, aunque no rompa por completo con la tradición. Diseña las manillas de las puertas, el sofá, las luces ... Crea un universo por derecho propio. La utopía del “arte en todo” está presente en su obra. Artistas Art Nouveau, como los de la Bauhaus , inauguraron el sueño donde todo sería arte, donde el objeto más pequeño suscitaría una inquietud estética que lo legitimaría.
Guimard también produjo mobiliario urbano (banco, iluminación, estación de metro) para la ciudad de París. Aún quedan algunos vestigios, especialmente las bocas del metro como la de la estación de Sèvres-Babylone .
La influencia de la BauhausFue fundada en Weimar , Alemania en 1919 por un grupo diverso de artistas. Esta institución reúne a arquitectos como Walter Gropius , pintores como Wassily Kandinsky , Paul Klee . Muchos historiadores consideran que este grupo es la "clave" del diseño. Las artes decorativas están realmente entrelazadas con el diseño.
La SAD, Sociedad de Artistas Decorativos , juega un papel decisivo en Francia en la vinculación de los artistas con las artes decorativas. Fundada en 1901 por René Guilleré , tiene como objetivo promover la colaboración entre artistas e industriales, promoviendo así las artes decorativas. Fue originalmente en 1920 del estilo Art Deco que duró hasta 1939 .
Marcel Duchamp del grupo Dada , pone el objeto en un pedestal en 1917 con su Urinario que se ha convertido en una obra por derecho propio, es la invención del " ready-made ". El objeto, como bien de consumo, también ocupará un lugar importante en el movimiento Pop Art de los años sesenta.
Para los surrealistas (desde 1924 hasta finales de la década de 1950) la cuestión del objeto y, por tanto, del mobiliario es una preocupación considerable en su trabajo.
A partir de la década de 1940, retirándose del movimiento del mueble funcionalista (1945-1970), vemos el surgimiento de grandes artistas como Alexandre Noll y Diego Giacometti .
Alexandre Noll elige la madera como medio de expresión y pasa del objeto al mueble. En 1943, presentó sus muebles a la empresa de arte francesa.
Diego Giacometti trabaja con su hermano Alberto . A partir de 1929, produjo varios objetos y luminarias para Jean-Michel Frank y fabrica muebles para M me Maeght en Saint Paul de Vence . Pero no fue hasta 1966 cuando produjo el resto de muebles caracterizados por una línea esbelta, incorporando esculturas de plantas y animales, muy cercanas al estilo de su hermano.
También fue a partir de la década de 1960 cuando el escultor François-Xavier Lalanne comenzó a producir muebles "animales". Juguetón, el artista crea un espacio fantástico con su taburete oveja y su barra de avestruz, el primer mueble de escultura.
El mobiliario de artista sólo vio su apogeo con los nuevos realistas, alrededor de 1960. Arman , Yves Klein , César, Niki de Saint Phalle produjeron muebles de "edición limitada" gracias a la financiación de Artcurial en 1975. Son extensiones de la obra del artista. Los violines recortados de Arman están cubiertos con una placa de vidrio y forman una mesa. César utiliza su técnica de expansión para crear un sofá (una copia está en el mobiliario nacional), Niki de Saint Phalle crea mesas.
En la década de 1980, se difundió el mobiliario de artistas. Los artistas de los años sesenta multiplican sus producciones gracias a las ediciones. Estos artistas todavía están produciendo hoy.
Por otro lado, el diseño surge del funcionalismo : Alessandro Mendini apuesta por "lo decorativo" y Ettore Sottsass fundó en 1981 el grupo Memphis , que da un lugar importante a los "valores plásticos, simbólicos y lúdicos".
Según Adolf Loos , teórico del arte, “la fusión de arte y objetos de uso [es] la mayor humillación que se puede infligir al arte”. Sin embargo, dado que el XX ° siglo, los artistas han puesto en duda la naturaleza de la obra de arte y han desafiado los códigos tradicionales de Bellas Artes.
Por tanto, el objeto se sitúa naturalmente en el centro de sus preocupaciones. Cuando Marcel Duchamp erige un urinario o un portabotellas como obra de arte (Fontaine 1917 y Porte Bouteille 1914), se apropia del objeto, lo secuestra para sus propósitos para desviarlo de su función primordial y trivial e inaugura el ready-made.
Muchos artistas luego cuestionarán el estado del objeto como Arman con sus acumulaciones, o César y sus compresiones, Jean Tinguely y sus esculturas creadas con objetos recuperados, o Joseph Beuys con su piano cubierto de fieltro y Bertrand Lavier con el frigorífico y la colada. trabajo de la máquina.
Actualmente, existe un acercamiento entre el diseño y el arte, ambos diseñadores se están volcando hacia las artes visuales y los artistas se están moviendo hacia el diseño. Varias exposiciones han destacado la intersección de estas disciplinas. Asimismo, las alianzas entre artistas y diseñadores son cada vez más numerosas, como ilustran las del street artist Chat Maigre y el estudio de diseño global KLD-Design que colaboran en el vestuario y creación de mobiliario como bancos o sillas públicas.
El diseño se preocupa por la función del mobiliario y lo integra en una política comercial e industrial. El artista que desvía la función del mueble se libera de la noción habitual de mueble y se apropia de su forma y del universo al que se refiere.
Las obras liberadas de su condición de objeto autónomo, reivindican su pertenencia al mundo real. Julie Pellegrin, comisaria de la exposición “Interior Jour”, define estos muebles como “obras-objetos” que “sugieren más de lo que prescriben, hipótesis de uso que el espectador es libre de definir”. Muchos artistas juegan con esta ambivalencia de sus obras como Kim Hamisky que utiliza el mueble para crear esculturas (Mesa de centro "envuelta" 1982), el mueble está en desventaja en su función, pero tiene un valor estético evidente.
En Gran Bretaña, el artista John Angelo Benson , en "La Colección Benson, de corrupto clásico", la serie de 2003, (convencional corromper la Colección litt. Benson) de distancia muebles de "buque insignia" de la XX XX siglo, especialmente el de Barcelona sillón por Ludwig Mies van der Rohe de 1929 que equipa con picos y titula The Mies Lobby Trap , (la trampa del lobby).
Por el contrario, el sujeto puede aflojarse. Por lo tanto, se vuelve funcional y habitual. El interés de esta obra es que el sujeto se convierte en objeto de uso, se acerca al hombre. Su dueño pasa del estado de espectador al de usuario, su relación con la obra se vuelve más íntima.
Uno puede imaginar que un decorado como este crea un lugar imaginario fantástico donde los objetos tradicionales y funcionales han desaparecido. La ilusión es parte del trabajo del artista porque se ve obligado a atribuir una función al objeto sin invadir su forma y carácter estético. Los Lalanne en su casa de Ury han creado un universo extraordinario con esculturas de François-Xavier Lalanne .
Por otro lado, a diferencia del “artesano”, el artista desea transmitir un mensaje. Los muebles, limitados hasta ahora a la funcionalidad y la belleza, pueden cobrar significado. El artista le da una "intelectualidad" al mueble.
Los nuevos realistas transforman regularmente su tema en muebles. Las tablas de Niki de Saint Phalle son la continuación lógica de su trabajo como escultor, son Nanas que llevan una bandeja.
En la década de 1970, los muebles de los artistas tomaron formas orgánicas o incluso antropomórficas.
Guy de Rougemont (nacido en 1935) originalmente pintor y escultor, ha estado trabajando en muebles desde 1970. Su mesa más famosa es de plexiglás y acero cepillado, su mesa de centro de la nube del título está inspirada en su forma. El artista explica así su planteamiento: “Llegué al mobiliario porque quería dar una función a los volúmenes del escultor, pero siempre tratando de mantenerles una cierta ambigüedad; funcionar o no funcionar? »(Guy de Rougemont).
Ruth Francken produjo en 1970, la primera edición de la famosa “Escultura Seat”, que no es ni más ni menos que el cuerpo de un hombre en poliéster moldeado que representa una silla.
El mobiliario de artista ocupa un lugar único en el mercado del arte. Tiende a parecer una anécdota en la carrera del artista, pero también se coloca en la bisagra entre dos áreas que muchas veces intentamos disociar; muebles y artes plásticas. Sin embargo, estas obras dan testimonio de una verdadera comunión. El mobiliario de artista constituye, por tanto, una verdadera encrucijada de las artes, que también se siente en la diversidad de los actores del mercado del arte que participan en este fenómeno.
Los editores son los primeros en verse afectados. Con algunas excepciones, la mayoría de los artistas confían la realización del mobiliario a un editor. Edición apoyada por cada vez más galerías. Esto les permite reducir su costo de compra y posiblemente asesorar en la realización del proyecto. La galería Artcurial en 1975, fue la primera en hacer ediciones, en particular con los nuevos realistas: Arman, Klein, Niki de Saint Phalle .
La edición está regulada, (ver artículo en anexo sobre la edición), de hecho, el editor tiene el deber de "proceder o haber procedido a la fabricación de la obra", y de asegurar la publicación y distribución. La edición como en escultura puede ser única, un original (legalmente, un original implica que hay menos de ocho copias) o en múltiples. El precio de venta es, naturalmente, el correspondiente. También es habitual realizar reediciones para una obra que es muy popular.
La publicación de arte crea mucha controversia en el mundo del arte. De hecho, plantea las preguntas fundamentales a las que es poco probable que pueda responder: ¿Qué es el arte? ¿Puede el arte multiplicarse? ¿Es el arte necesariamente único? Los partidarios de los “múltiples” en el arte tienen las mismas convicciones que los del diseño. Creen que concretamente nada diferencia estéticamente la pieza única de una múltiple. Las ventajas de múltiples son numerosas, por un lado cuanto más se edita el objeto menos costoso es, para que se distribuya más fácilmente. La circulación de la obra de un artista es más fácil. Las reproducciones de obras de arte permiten así dar a conocer al mayor número la obra de un artista.
Sin embargo, el trabajo se ha multiplicado demasiado y conviene popularizarlo. El riesgo es banalizar al artista y rebajar su rating. Ésta es la razón por la que los editores suelen optar por un compromiso. La obra del artista se produce tanto en pequeñas series (menos de 100 copias para distribución internacional), como en una pieza única.
No parece haber un coleccionista exclusivo de muebles de artista. Atrae a los amantes de la pintura, la escultura y el mobiliario o el diseño al mismo tiempo. Por otro lado, teniendo el mobiliario una virtud funcional dominante, el mobiliario del artista permite difundir el arte con mayor facilidad.
A nivel de ventas públicas, los muebles de artista se ahogan en las ventas de muebles o cuadros. Aún no existe una regla establecida para este tipo de muebles. Si el artista es más conocido por su trabajo pictórico, los muebles del artista generalmente están presentes en las ventas de pinturas.
Hay pocas galerías especializadas en muebles para artistas, pero la mayoría de las galerías de arte y diseño contemporáneo incluyen este tipo de muebles, incluida la galería Perrotin de renombre internacional y la galería Kreo .
Además, el nombre que se le da al mobiliario de artista varía según el lugar donde se distribuya: hablamos de mobiliario o mobiliario de artista en galerías de pintura y arte-diseño en tiendas de diseño o galerías de diseño; se puede ver allí un cierto reclamo en nombre de los respectivos campos.
El mercado del arte también se está beneficiando del progreso de Internet. Cada vez hay más sitios de galerías "en línea", así como sitios de artistas, y la mayoría de las empresas de diseñadores tienen sus propios sitios. El comprador puede tener acceso directo a los sitios de los editores. Las obras circulan mejor y no necesariamente pasan a manos de un galerista.
El mobiliario de artista dentro de las instituciones está presente en los museos de artes visuales y decorativas. A veces llamado diseño artístico como se dijo anteriormente , permite cerrar la brecha entre el arte y el diseño. Por lo tanto, es una forma de presentar al público en general las bellas artes, el diseño y viceversa.
La exposición “Líneas cruzadas, nuevos territorios del diseño” en Barcelona, en 2003, luego con motivo de Lille 2004, “Fronteras abiertas”, la exposición de FRAC Île-de-France “Interior Jour” y la de Châteauroux Museo, "El Mobiliario del Artista" muestran el interés de las instituciones por este fenómeno. Sin embargo, las obras destinadas a ser utilizadas también son un medio para llevar el arte a "hogares", "tiendas" o incluso "negocios".
Un ejemplo muy reciente de "mobiliario de artista" lo acaba de dar Edifice boulevard Raspail en París, durante la exposición "Consolas sublimées" que presenta la interpretación de una consola del diseñador Nicolas Gaudin por veinte pintores y artesanos. Edifice es una de las tiendas de diseño más antiguas de París, las creaciones de Putmann y Stark se exhiben allí con regularidad.
Los muebles siempre han sido testimonio de la forma de vida de una sociedad. El asientos Luis XV muestra la feminidad y la preciosidad de la XVIII ª siglo , para la élite, que se relaciona con la etiqueta de la corte y por lo tanto impone un determinado equipo. Por el contrario, los muebles contemporáneos (por ejemplo, Ikea ) ampliamente distribuidos, diseñados por diseñadores, se refieren a una sociedad más democrática y libre. Los muebles diseñados se adaptan a nuestro entorno, son ligeros, a veces reciclables, en colores surtidos. Puede encorvarse en los "pufs" frente a "una mesa de café". Los artistas se inspiran en su entorno, ante el desarrollo de la sociedad de consumo, el interés por los muebles es legítimo.
Desde principios de siglo, el mobiliario de artista aflora, gracias a la liberación adquirida por los artistas y al deseo de multiplicar los campos de aplicación del arte. El progreso técnico ha facilitado el acceso a las artes decorativas. Por otro lado, apoyado por galeristas y editores, el artista no está obligado a participar en la producción del objeto. Lo esencial para el artista es la idea.
La presentación de los muebles del artista en la escena del arte contemporáneo siente la necesidad de transmitir un mensaje artístico como reacción contra el minimalismo funcional.
Olivier Urman y Carolyn Wittendal son artistas de la misma generación que comienzan a ser reconocidos. Su trabajo en torno al mobiliario revela diferentes aspectos. Para Urman, los muebles son un material como la pintura al óleo o la arcilla. Este material es constitutivo de la decoración que nos rodea, el material de la decoración, que olivier Urman describe en su obra utilizando el neologismo, Decoratismo. Mientras que para Wittendal, Show cow es un "guiño" humorístico a la ecología, mientras mantiene una función habitual.
Mobiliario de artista, arte-diseño, ¿no sería un medio de conciliar arte y diseño? A través de estos trabajos, los dos campos se confunden, el resultado es exitoso. A la manera de una diseñadora, Carolyn Wittendal vincula lo bello con lo útil, mientras utiliza su creación como medio de expresión.
Para Claire Fayolle y Stéphanie Moisdon, periodistas de Beaux Arts Magazine : “Esta es una nueva forma de arte centrada en la belleza […] [y] tanto una mirada al consumo como una forma asumida de romper el tabú de la decoración. »Los muebles de artista inscriben muebles de la misma manera que una obra de arte.
Según Jean Bedel, “el relativo éxito de los muebles de escultura responde al deseo de los aficionados ilustrados que les dan un lugar de honor en su espacio vital, como una obra de arte. Esta tendencia esteticista no forma parte de la mejor tradición francesa, que sabe apreciar la belleza de las formas tanto por su éxito funcional como por la elegancia de sus líneas ”
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