Renacimiento francés

El renacimiento francés es un movimiento artístico y cultural, situado en Francia desde mediados del XV °  siglo y principios del XVII °  siglo . Una etapa de los tiempos modernos , el Renacimiento aparece en Francia después del inicio del movimiento en Italia y su extensión a otros países europeos.

Como en Italia , sus rasgos característicos son la sed de vida, la confianza en el hombre , el apetito por el conocimiento , el espíritu de libre examen . Este movimiento desafía las mentalidades de la Edad Media y busca nuevas formas de vida y civilización . En efecto, las posibilidades de difusión de información por parte de la imprenta y el descubrimiento de un nuevo mundo más allá del Atlántico modifican profundamente la visión del mundo de los hombres de este tiempo.

El renacimiento francés es los pintores, escultores tiempo empleado por los reyes cuyos lugares más emblemáticos de la época son François I er y Henri II . Es el momento de Leonardo da Vinci , que puso fin a su vida en el Clos Lucé , sino también la creación de la Escuela de Fontainebleau y la llegada de Medicis en París XVI ª  siglo.

El Renacimiento en Francia se puede dividir en cuatro partes. El primer acto es el estilo Luis XII (hacia 1495-1530) que forma la transición entre el estilo gótico y el Renacimiento . Sin embargo, este primer estilo se debilitó a partir de 1515, especialmente en el Valle del Loira , donde la aceptación total del Renacimiento italiano se sintió más rápidamente. Al igual que en Italia , tres fases luego de pie hasta principios del XVII °  siglo , un primer y un segundo renacimiento francés terminando con el Manierismo .

Fecha del Renacimiento francés

El final de la Guerra de los Cien Años marca la instalación del poder real en el Valle del Loira y el inicio de la construcción de los primeros castillos residenciales. Carlos VII y Luis XI ordenaron o favorecieron la instalación de los primeros castillos del Loira , por lo que a partir de 1453 el edificio principal del castillo de Montsoreau fue construido por Jean II de Chambes . La influencia italiana ha existido durante mucho tiempo en Francia con Plutarco en la literatura , Jean Fouquet en la pintura o Laurana en Marsella en la arquitectura , pero son principalmente las guerras italianas de Carlos VIII y Luis XII las que ponen a Francia en conexión con el resurgimiento de las artes que entonces toma lugar en Italia . Si bien el arte gótico no murió de inmediato, con la llegada de los primeros artistas italianos a Amboise en 1495 , dio señales de decadencia. A pesar de algunos éxitos en la 1 st mitad del XVI °  siglo, el proceso de transición del estilo de Louis XII impone poco a poco formas del Renacimiento temprano . A partir de la década de 1515 , las formas góticas se fueron diluyendo gradualmente en el decoro italiano.

A pesar de estas supervivencias se dará el golpe fatal en 1526 con la creación por François I er , de la Escuela de Fontainebleau  : Esta nueva ola de artistas italianos, más que antes, tendrá una gran influencia en el arte francés, al crear una verdadera ruptura a través de las innovaciones de estos artistas tanto en la decoración de interiores como en la aplicación más aprendida de órdenes antiguas en la arquitectura. Los arquitectos que en la época del estilo Luis XII y del Primer Renacimiento eran maestros albañiles tradicionalistas y llenos de brío, son eruditos y eruditos de la década de 1530.

El año 1530 corresponde así a un verdadero punto de inflexión estilístico, generalmente considerado como el final del estilo Luis XII , que había renovado la estructura medieval a partir de 1495 gracias a las aportaciones italianas, y como una aceptación definitiva del Renacimiento en Francia , que poco a poco fue apareciendo. alrededor de 1515 ..

Si el comienzo de este movimiento está bien marcado, el final del período es, por otro lado, un tema de discordia: el Edicto de Nantes de 1598 , que marca el final de las guerras de religión , se considera a menudo como el final de la guerra de religión . Renacimiento, pero algunos historiadores detienen el período al comienzo de la primera guerra religiosa , con la masacre de Wassy en 1562  ; otros terminan el período con el asesinato de Enrique IV en 1610 .

En general, Europa se pacificó considerablemente después de la Batalla de Nancy en 1477, que erradicó la posibilidad del surgimiento de un estado poderoso entre el reino de Francia y el Sacro Imperio Romano Germánico . Este período de paz es favorable a la creación artística, es en este momento que aparece una primera Lorena renacentista ( Palacio Ducal de Nancy ) cuya edad de oro será el reinado del Duque Carlos III de Lorena con la creación de la Universidad de Pont-à. -Mousson, así como la construcción de la nueva ciudad de Nancy , un trabajo de planificación urbana original ya que estableció una nueva ciudad justo al lado de la ciudad medieval. El Renacimiento en el Ducado de Lorena terminará con la Guerra de los Treinta Años (1618).

Fortalecimiento de la monarquía: soberanía

En Francia, el Renacimiento fue específico en el sentido de que, después del reinado centralizador de Luis XI , el poder del rey se acentuó sobre sus vasallos. Estamos pasando gradualmente de un régimen de soberanía a un régimen de soberanía .

De hecho, la evolución de las técnicas de guerra tiene una influencia indirecta en este cambio. La defensa de los castillos fortificados se vuelve progresivamente ineficaz debido a la invención de nuevas armas de guerra de mayor alcance ( bombardeo ), por lo que hay que imaginar nuevos sistemas defensivos.

La ineficacia del ejército francés durante ciertos episodios de la Guerra de los Cien Años ( Batalla de Agincourt , 1415 , en particular) es indicativa de este cambio.

Los señores feudales cuyos "privilegios" en la sociedad medieval se compensan con su responsabilidad sobre la población circundante en caso de agresión por parte de la comunidad local, ya no tienen el mismo papel. Asumieron responsabilidades militares a nivel “nacional” y ya no local (en el lenguaje moderno), sin embargo, conservaron sus privilegios .

La jerarquía de soberanía está alterada. Por tanto, es necesario redefinir las responsabilidades recíprocas del monarca, que se ha convertido en el garante de la seguridad del país unificado. El principal teórico de la definición del principio de soberanía es Jean Bodin .

François I st es, pues, uno de los primeros monarcas franceses, en el verdadero sentido del término (en el sistema feudal , los reyes son señores de sus vasallos, que prestaron juramento de fidelidad). Solo vemos el surgimiento del absolutismo , estrictamente hablando, solo con Enrique IV , cuyas responsabilidades se incrementaron después del Edicto de Nantes ( 1598 ), y especialmente con Luis XIII (bajo la muy fuerte influencia de Richelieu ), y con Luis XIV , apoyado en este punto por Bossuet .

Las cuatro fases del renacimiento francés (1495- comienzo del XVII °  siglo)

El Renacimiento en Francia se puede dividir en cuatro partes. El primer acto es el estilo Luis XII (alrededor de 1495-1530) que forma la transición entre los estilos gótico y renacentista . Sin embargo, este primer estilo se debilitó a partir de 1515, especialmente en el Valle del Loira , donde la aceptación total del Renacimiento italiano se sintió más rápidamente. Al igual que en Italia , tres fases luego de pie hasta principios del XVII °  siglo, un primer y un segundo renacimiento francés terminando con el Manierismo .

En cada etapa de su desarrollo, el arte del Renacimiento francés se ha mantenido como un arte original, nacido del encuentro entre modelos italianos, artistas flamencos y peculiaridades francesas. Sin embargo, los modelos cambiaron mucho entre 1495 y 1610 desde que los franceses admiraron sucesivamente el arte del fin del Quattrocento , el del Alto Renacimiento y luego el del Manierismo . De estos sucesivos encuentros surgió una abundante producción artística, desordenada, a veces difícil de captar. Cuando de hecho el balance, dos hechos básicos emergen: Francesa arte moderno ha tomado forma a través de las grandes obras de la mitad XVI °  siglo , mientras que alrededor del castillo real de Fontainebleau , "verdadera nueva Roma", nació bajo la voluntad del rey François I er un gran centro artístico, que fue el único en Europa que pudo competir con los grandes centros italianos y que se llamará Escuela de Fontainebleau .

Los nuevos controles situación el futuro: Se anuncia la afirmación de un estilo "nacional" en el medio del XVII °  siglo y el papel futuro de Versalles .

El estilo Luis XII: transición entre el arte gótico y el primer renacimiento (1495 a 1525/1530)

El estilo Luis XII (1495 a 1525/1530) es un estilo de transición, un pasaje muy corto entre dos épocas deslumbrantes, el período gótico y el Renacimiento . Describe un momento en que el arte decorativo, comenzando desde el arco apuntado y el naturalismo gótico, se moverá hacia el arco de medio punto y las formas flexibles y redondeadas mezclados con motivos antiguos estilizadas típicos del primer Renacimiento  : todavía hay una gran cantidad de . Gótica en el castillo de Blois , no hay más en la tumba de Luis XII en Saint-Denis .

A partir de 1495, una colonia de artistas italianos se instaló en Amboise y trabajó en colaboración con maestros albañiles franceses. Generalmente se considera que esta fecha es el punto de partida de este nuevo movimiento artístico. En general, la estructura sigue siendo francesa, solo cambia la decoración y se vuelve italiana. Sin embargo, sería lamentable determinar este nuevo estilo con la única contribución italiana: existen relaciones entre la producción arquitectónica francesa y la del plateresco español y la influencia del norte, especialmente de Amberes, es notable tanto en las artes decorativas como en el arte de la pintura y vidrieras .

Los límites del estilo Luis XII son bastante variables, especialmente cuando se trata de la provincia fuera del Valle del Loira . Además de los diecisiete años del reinado de Luis XII (1498-1515), este período comprende el reinado de Carlos VIII y el inicio del de François  I er , haciendo que el movimiento artístico se inicie en 1495 para completarlo hacia 1525 / 1530: el año 1530 corresponde a un verdadero cambio estilístico, que a raíz de la creación de François I er , de la Escuela de Fontainebleau , se considera en general la plena aceptación del estilo renacentista. En las obras decorativas de finales de la etapa de Carlos VIII , hay una marcada tendencia a separarse del arco apuntado para acercarse al arco de medio punto . La influencia de la de Bramante logros en Milán para Ludovic Sforza es perceptible en la parte inferior del ala Carlos VIII al castillo de Amboise  : si la parte superior del edificio es gótico , la fachada de apariencia paseo del guardia como una logia , una serie de medio punto arcadas que delimitan vanos puntuados por lisas pilastras. En general, las formas ornamentales ya no tienen la gracia particular de la época ojival , el ritmo de las fachadas se organiza de manera más regular con la superposición de los vanos en vanos y la concha, elemento importante de la decoración renacentista. apariencia.

Este desarrollo es particularmente notable en el castillo de Meillant, donde el trabajo de embellecimiento deseado por Carlos II de Amboise comenzó en 1481: si la estructura seguía siendo completamente medieval , la superposición de los ventanales unidos entre sí por un cordón con pináculos, anuncia la cuadrícula de las fachadas bajo el Primer Renacimiento . De igual forma, destacamos el entablamento a óvalos clásico rematado con una balaustrada gótica y tratamiento Tempietto de la parte superior de la escalera de caracol con su serie de arcos en conchas encajadas de medio punto .

Si al final del reinado de Carlos VIII , la contribución de los ornamentos italianos enriqueció el repertorio extravagante, en lo sucesivo, bajo Luis XII, toda una escuela francesa se abrió a Italia con nuevas propuestas, estableciendo así los principios de un estilo de transición.

En escultura, la aportación sistemática de elementos italianos o incluso la reinterpretación “  gótica  ” de las obras del Renacimiento italiano es evidente en el Santo Sepulcro de Solesmes, donde la estructura gótica toma la forma de un arco triunfal romano flanqueado por pilastras con candelabros lombardos. El follaje gótico, ahora más irregular y lánguido como en el Hôtel de Cluny en París , se mezcla con tondi con retratos de emperadores romanos en el Château de Gaillon .

En la arquitectura, el uso del "ladrillo y piedra" todavía presentes en los edificios de la XIV °  siglo, tiende a extenderse ( castillo de Ainay-le-Vieil , ala Luis XII del castillo de Blois , el hotel de Alluye de Blois ). Los altos techos franceses con torretas de esquina y las fachadas con escalera helicoidal continúan la tradición, pero la superposición sistemática de las bahías, el hueco de las buhardillas y la aparición de logias influenciadas por la villa Poggio Reale y el Castel Nuovo en Nápoles son el manifiesto. de un nuevo arte decorativo en el que la estructura, sin embargo, sigue siendo profundamente gótica . La propagación del vocabulario ornamental de Pavía y Milán, por lo tanto, juega un papel importante al mismo tiempo que se siente como la llegada de una cierta modernidad.

En este arte que cambia rápidamente, los jardines se vuelven más importantes que la arquitectura  : la llegada a Amboise de artistas italianos, incluido Pacello da Mercogliano, fue el origen bajo Carlos VIII de la creación de los primeros jardines del Renacimiento francés gracias a nuevas creaciones de paisajismo , el instalación de una colección de animales y obras de aclimatación agronómica realizadas desde 1496 en los "Jardins du Roy" entonces ubicados dentro del dominio real de Château-Gaillard . En 1499, Luis XII confió la realización de los jardines del castillo de Blois al mismo equipo que posteriormente fue contratado por Georges d'Amboise para crear parterres en diferentes niveles bajo su castillo de Gaillon .

En conclusión, el estilo Luis XII muestra que ahora queremos asombrar a los franceses tanto como a los italianos: es a partir de la fantasía con la que las novedades italianas se incorporan a las estructuras francesas aún muy medievales que nacerán alrededor de 1515/1520 el Primer Renacimiento .

El primer renacimiento (1515 a 1530/1540)

Al igual que en el período anterior, la manifestación más evidente del Primer Renacimiento en Francia se expresa en la construcción de castillos residenciales no solo en el Valle del Loira e Île-de-France, sino también en algunas provincias más al sur, como Berry , Quercy y Périgord ( castillos de Assier y Montal ) que, tras recuperarse de las secuelas de la Guerra de los Cien Años , vieron a sus numerosas familias endeudarse durante varias generaciones para modernizar las estructuras medievales preexistentes.

Sin embargo, es en Touraine donde se construirán los castillos más grandes del primer Renacimiento francés.

Si desde el final del XV °  siglo, el proceso de transición Estilo Luis XII , imponiendo gradualmente formas del Renacimiento temprano , a partir de los años 1515 / 1520 , la llegada de una nueva ola de artistas italianos, más numerosos que antes, tendrá una gran influencia en el arte francés, creando una verdadera ruptura: las formas góticas terminan diluyéndose gradualmente en el decoro italiano. Este desarrollo es particularmente notable en el portal de la iglesia de Saint-Maurille de Vouziers , donde una ornamentación clasicista enmascara la estructura todavía gótica .

A diferencia del período anterior, el protagonista principal ya no es el séquito del rey, sino que François I er , él mismo, comportándose como monarca humanista , se convirtió en uno de los actores importantes de esta evolución estilística. Al imponerse en las artes, quiere ser patrón y guía de su pueblo y de la cristiandad, sin renunciar a su papel militar.

Así llama a los artistas italianos para la construcción de sus castillos. Estos artesanos alfabetizados tendrán un gran aura en los maestros albañiles franceses : el presunto arquitecto de Chambord , Domenico Bernabei da Cortona habría sido apodado "  Boccador  ", boca de oro en italiano, tomado aquí en el sentido de "palabras" de oro. ".

Sin embargo, a lo largo del Primer Renacimiento francés, el plan de los edificios seguirá siendo tradicional y los elementos arquitectónicos permanecerán inspirados libremente en el art nouveau proveniente de Lombardía . Nunca, quizás, la arquitectura francesa habrá mostrado tanta elegancia, ligereza y fantasía que durante este período artístico. Un sabor muy especial emana de los edificios del Valle del Loira donde los maestros albañiles franceses tradicionalistas y llenos de brío, aceptan solo con pesar la nueva arquitectura haciendo coincidir siempre la estructura con la forma y combinando las siluetas atrevidas y la pintoresca decoración medieval de los italianos. Renacimiento .

Así, en línea con el estilo Luis XII , las tradiciones nacionales como los techos altos se conservan durante todo el período  : el castillo de Saint-Germain-en-Laye es el único que se cubre con terrazas . Si el progreso de la artillería había inutilizado algún aparato defensivo como las torres , los matacanes , las almenas o los muros cortina de los castillos, todavía se los conserva por tradición. Sin embargo, todos estos elementos de defensa se vacían de su sustancia para transformarse en tantos elementos decorativos. Así, en muchos edificios, como el castillo de Chenonceau , La Rochefoucauld , de Villandry o como fue el caso en Azay-le-Rideau (remodelada en el XIX °  siglo), la permanencia de la mazmorra hace justifica que por el símbolo señorial cuales representa; su función militar está siendo reemplazada ahora por la de prestigio y boato.

En este movimiento, las torres de vigía de los castillos de la Edad Media se convierten en Azay-le-Rideau en graciosas torres de esquina con voladizos mientras que las almenas del paseo de la muralla se convierten en pequeñas ventanas, transformando este espacio en una agradable galería de circulación. Característica que apareció con el estilo Luis XII , las ventanas de las fachadas tienen sus jambas que se conectan de piso a piso, formando una especie de bahía que termina en un lucernario ornamentado. Esta cuadrícula, que encontramos en Blois o Chambord , da una sensación de regularidad, a menudo "ficticia", a las elevaciones, al tiempo que enfatiza las horizontales y verticales, mientras que la multiplicación de chimeneas y pináculos que parecen formar una corona del edificio es un último reflejo de la magia medieval.

Si la arquitectura ahora se abre ampliamente al exterior, la riqueza decorativa queda reservada para el patio, en particular para el motivo central de la escalera. Obsesión generalmente ajena al Renacimiento italiano , la escalera se considera entonces como el elemento francés alrededor del cual giran todos en torno al castillo: El aperitivo de la torre poligonal, conservado en el ala François I st del Castillo de Blois , es reemplazado gradualmente por una rampa de escalera, mucho más que la innovación italiana, parece pertenecer al repertorio occidental de Francia desde el XV °  siglo .

Si la fachada de las cajas del castillo de Blois aporta cierta modernidad, por sus aberturas en hilera en el exterior, inspiradas en el patio del Belvedere del Vaticano , el uso del modelo romano de Bramante se ve modificado y sometido. a la estructura medieval preexistente. Sin terminar, esta fachada podría recibir una decoración de estilo italiano comparable al patio del ala François I st . Sin embargo, es representativo de las diversas investigaciones realizadas durante el Primer Renacimiento: al reemplazar los perfiles sólidos y limpios por los bordes afilados de las molduras góticas , marca un paso adelante en la imitación de modelos antiguos .

Esta interpretación de los logros de Bramante , aunque no respete en modo alguno los órdenes antiguos , se encuentra en la superposición de las arcadas enmarcadas por pilastras que adornan los patios interiores del castillo de La Rochefoucauld luego de Chambord .

La primera creación ex nihilo , el Château de Chambord es un lugar de encuentro para cacerías y fiestas de la corte, diseñado como un lugar teatral escasamente poblado. La presencia de Leonardo da Vinci y Boccador , trae una reflexión sobre el castillo francés en contacto con el Renacimiento italiano . Mientras que las torres de la Edad Media no tenían más días que las rendijas de los arqueros , aquí llega una superposición de ventanas con pilastras en gran parte para iluminar el edificio mientras la corona almenada desaparece por primera vez. La exuberante decoración se adhiere sobre todo a los tejados erizados de tocones de chimeneas, buhardillas o torretas , todo decorado con diamantes o discos de pizarra , tabernáculos y callejones tratados al gusto de Italia. Norte, evocando el mármol negro incrustaciones de la Certosa di Pavia , donde François I st estaba preso. Si el desarrollo de apartamentos simétricos con fines residenciales es una novedad, la organización del plan sigue siendo tradicional, recordando así el castillo de Vincennes , con una torre del homenaje central rodeada por un recinto donde se ubican el patio y las dependencias . El proyecto inicial de 1519, sin embargo, se modificó en 1526, para trasladar el apartamento del rey a un ala lateral: el torreón centrado se hizo incompatible con el nuevo ritual de la corte que requería un apartamento real en fila. Como en la Villa Medici en Poggio a Caiano , cada nivel ahora tiene sus apartamentos distribuidos alrededor de un eje central encarnado por la escalera de doble revolución (imagen) diseñada en colaboración con Leonardo da Vinci . Sin embargo, el trabajo es lento: después de la derrota de Pavía , François I er se ve obligado a regresar a París .

A su regreso del cautiverio, en 1527 , si el mecenazgo de la comitiva real sigue siendo importante, el rey sigue siendo, no obstante, el principal protagonista de las evoluciones estilísticas de su país, por las modificaciones que aporta a toda una serie de castillos alrededor de la capital ( Villers-Cotterêt , La Muette ). Mientras que en Île-de-France surgen nuevas innovaciones, el Valle del Loira se convierte en el invernadero del Primer Renacimiento.

El castillo de Madrid ahora destruida, refleja este cambio: el Palacio de los Vargas de la Casa del Campo , el hogar de un gran español financiera frente a lo que fue la prisión de François I er en Madrid , el logro de inspiración de este palacio foso menor cuya compacta El plan se opone a la tradición francesa. Creado como una nueva residencia para fiestas, los apartamentos simétricos se organizaron alrededor de un salón de baile central, mientras que dos pisos de logias que rodeaban el edificio presentaban una decoración original de terracota esmaltada creada por Della Robbia . La elevación del castillo estuvo marcada por los pabellones de entremeses, aquí reemplazando las torres todavía medievales de Chambord , cuyo nuevo ritmo se obtuvo mediante la separación del ático. El uso del plano geométrico y la presencia de las logias, que anuncian la Villa Farnese , son un reflejo lejano del Poggio Reale de Nápoles y la Villa Médica de Poggio a Caiano.

Fue entonces cuando ocurrió un hecho de capital importancia en el castillo de Fontainebleau , que entre 1530 y 1540 se convirtió en la residencia principal del soberano. Aunque existe un gran contraste entre la calidad media de la arquitectura y el esplendor de la decoración interior, los logros dirigidos por Gilles le Breton marcan una profunda evolución que marca el final del período. Mientras que el calabozo de la XII ª  se conserva siglo, el tribunal óvalo correspondiente a la antigua castillo medieval se ve decorado por Rosso y Serlio un porche que da a una escalera de doble vuelo. El pabellón Golden Gate , construido para la ocasión, incorpora los arreglos observados en 1509 en el Château de Gaillon . Pero a diferencia de lo que observamos en el Valle del Loira , ahora preferimos una arquitectura austera basada en escombros y piedras revestidas. Si la superposición de las pilastras de las fachadas, en modo alguno respetan los órdenes antiguos , la puesta en escena de las logias , la escansión de los niveles por frontones triangulares y el corte de las cubiertas en pabellones rectangulares provocan un gran efecto clasicista, transformando esta arquitectura. en una entrada triunfal, como el Castel Nuovo de Nápoles .

Pero incluso antes de que los nuevos edificios se han completado castillo, François I primero traído a Italia un importante grupo de artistas para embellecer el palacio. Así creó con sus deseos, una especie de "nueva Roma  ", que llamaríamos la Escuela de Fontainebleau , con un influyente círculo intelectual y artístico. Hasta su muerte en 1540 , Rosso desempeña el papel protagónico que sucede a Primaticcio  : La decoración de la galería François I er , extenso complejo dedicado a la glorificación de la monarquía francesa es la expresión más bella. En los años siguientes, la compra de la cercana abadía trinitaria permitió escapar del corazón medieval del castillo y crear una obra moderna ex nihilo alrededor de un imponente patio . Inspirada en la Villa Médica de Poggio a Caiano , la conexión con el antiguo castillo se realiza a través de un ala nueva a los pórticos , lo que permite la realización de la Galería François I er , superpuesta al baño de los apartamentos de lujo. En cuanto al cuerpo central con pabellones cuadrados del ala nueva del palacio, se inspira en el castillo de Bury , al tiempo que marca, por su planta rectilínea y sus buhardillas con refinados frontones triangulares, la evolución clasicista que marcará el II Renacimiento.

El nuevo estilo del Primer Renacimiento pronto se extendió por Francia . Ciudades como Lyon , Dijon , Besançon , Toulouse o Nancy, así como Bar-le-Duc son particularmente ricas en casas y mansiones privadas del Primer Renacimiento: entre las residencias más famosas podemos mencionar el Hôtel Chabouillé llamado François I primero en Moret- sur-Loing, la casa de Pincé (1525-1535) en Angers , el hotel Bullioud (1536) y el hotel Gadagne (todavía estilo Luis XII ) en Lyon , la casa de las Cabezas (1527) en Metz, el Hôtel d'Haussonville (1527-1543) en Nancy , el Hôtel de ville de Beaugency , o el Hôtel de Bernuy (1530-1536) en Toulouse , cuyo patio ha sido parcialmente reproducido en Ciudad de arquitectura y patrimonio para ilustrar el estilo del Primer Renacimiento en Francia .

Último de los grandes castillos que se construyeron en la región del Loire en el XVI °  siglo , el castillo de Villandry , aporta un toque final a las búsquedas primer renacimiento al anunciar los logros de Ancy-le-Franc y Écouen . A su llegada en 1532 , Jean le Breton , Ministro de Finanzas François I er , opera Villandry su excepcional experiencia arquitectónica adquirida en numerosos proyectos, incluido el del castillo de Chambord que ha supervisado y gestionado durante largos años en nombre de la Corona . Mientras arrasamos la antigua fortaleza feudal , conservamos la torre del homenaje , testigo simbólico del tratado del 4 de julio de 1189 , llamado "Paix de Colombiers", que lleva el nombre de Villandry en la Edad Media , durante el cual el rey de Inglaterra Henri II Plantagenêt , vino antes el rey de Francia Philippe Auguste , para reconocer su derrota. Terminado hacia 1536 , este nuevo edificio presenta un diseño moderno a través de la regularidad de su planta cuadrangular y su patio interior que se abre a las perspectivas del valle por el que discurren los ríos Cher y Loira . Sin embargo, muy cercanas y casi contemporáneas a Azay-le-Rideau , las "fantasías" italianizantes y los recuerdos medievales como torrecillas , campanarios u otros matacanes decorativos, desaparecen aquí por completo en favor de un estilo más simple, puramente francés. Cuyo clacisismo y forma de los tejados prefigura los logros de Ancy-le-Franc y el castillo de Écouen . Si la originalidad de Villandry radica en un diseño arquitectónico de vanguardia que anuncia el Segundo Renacimiento, el uso que se hace del solar para construir allí en plena armonía con la naturaleza y la piedra, jardines de notable belleza, lo convierte en una de las expresiones más exitosas del Primer Renacimiento francés.

El Segundo Renacimiento: Clasicismo (1540 a 1559/1564)

El Segundo Renacimiento, antes conocido como el "estilo Enrique II", marca a partir de 1540 la maduración del estilo que apareció a principios de siglo así como su naturalización, mientras que el Valle del Loira queda relegado a un conservatorio de las formas de el Primer Renacimiento. Este nuevo período se desarrolló luego principalmente durante los reinados de Enrique II , Francisco II y luego Carlos IX , para no terminar hasta alrededor de 1559-1564, en el mismo momento en que comenzaron las Guerras de Religión , que estarían marcadas por la masacre del Santo - Bartolomé y la contrarreforma católica .

Mientras que el Primer Renacimiento se acepta gradualmente en las provincias, en Île-de-France se siente toda una serie de innovaciones .

A partir de 1540 , el clasicismo avanza, tras la llegada a Francia de Serlio (1475-1555): aunque su obra arquitectónica permaneció limitada, su influencia fue considerable con la publicación de su Tratado de Arquitectura (1537-1551).). Gracias a sus trabajos grabados, es uno de los primeros en presentar a otros artistas la belleza de los monumentos antiguos , contribuyendo así a desarrollar planes y decoraciones hacia una mayor sobriedad y regularidad. Sin embargo, la arquitectura francesa sigue conservando rasgos propios que seducen a Serlio  : las buhardillas "son un gran adorno para los edificios como una corona" y el gran ático cubierto de pizarra azulada son "cosas muy agradables y nobles".

Los arquitectos, que en la época del estilo Luis XII y del Primer Renacimiento , eran tradicionales y llenos de brío, maestros albañiles , se convirtieron en eruditos y eruditos, algunos de los cuales hicieron su viaje de estudios a Italia .

Marcando un verdadero punto de inflexión estilística, esta nueva generación de artistas opera una síntesis original entre las lecciones de la antigüedad, la del Renacimiento italiano y las tradiciones nacionales. Entre los más famosos, Philibert Delorme es el autor del Hôtel Bullioud en Lyon , los castillos de Saint-Maur-des-Fossés y Anet, así como la capilla de Villers-Cotterêts  ; Pierre Lescot construyó el ala renacentista del Palacio del Louvre y el Hôtel de Jacques de Ligneris ( museo Carnavalet ); Jean Bullant construyó los castillos de Écouen y Fère-en-Tardenois, así como el Petit Château de Chantilly .

Estos arquitectos ahora colaboran estrechamente con escultores y definen una arquitectura y una decoración eruditas, prefiriendo la belleza de las líneas a la riqueza de la ornamentación: Cellini esculpe para la Puerta Dorada , el relieve de bronce de la Ninfa de Fontainebleau  ; su obra típicamente “  manierista  ” causó una gran impresión en Francia y probablemente influyó en Jean Goujon , director de la Fuente de los Inocentes y la decoración de la fachada del Louvre  ; La influencia manierista también impregna la obra de Pierre Bontemps , encargado de la Tumba de Francois I er en Saint-Denis y el monumento al corazón de François I er .

En Borgoña , el Château d'Ancy-le-Franc (1538-1546) es uno de los primeros edificios que responde a este nuevo ideal. Obra del arquitecto Serlio , este castillo construido para Antoine III de Clermont , entre 1538 y 1546, marca una evolución hacia el clasicismo en Francia . Con este edificio comienza entonces en suelo francés lo que se denomina: "arquitectura modular". Solo aquí los ligeros frontones sinuosos de las ventanas del primer piso recuerdan al Primer Renacimiento. Por lo demás, nada distrae de la disposición uniforme de los arcos o ventanas, separados por un tramo de pilastras gemelas, que encierran un nicho y se montan sobre un alto estilobato . Esta alternancia de un tramo principal y un tramo secundario (aquí fingido ya que está representado por un nicho) enmarcado por pilastras representa uno de los primeros ejemplos en Francia de la “bahía rítmica” tratada con tanta franqueza y tanto rigor. Este nuevo estilo inspirará más tarde al arquitecto del castillo de Bournazel durante la construcción del pórtico oriental.

Esta demanda de claridad continuó en el Château d'Écouen (1532-1567), en Île-de-France . Basta comparar este edificio con un castillo del Primer Renacimiento, como Azay-le-Rideau, para ver las profundas diferencias entre las arquitecturas de las dos épocas. Todo el aparato defensivo de los matacanes o la pasarela de Azay-le-Rideau desaparecen pura y simplemente en el castillo de Écouen. Las torres de las esquinas de Chambord se convierten, como en Ancy-le-Franc y Villandry , en simples pabellones cuadrados. Lo mismo ocurre con la ornamentación . Basta comparar los tragaluces de Écouen , con los del Valle del Loira , para darse cuenta de lo lejos que hemos llegado. El escalonamiento de pináculos , cáscara de nichos y pequeños arbotantes de la Primera Renacimiento es seguido por una composición de líneas limpias muy sobriamente decoradas, donde los antiguos flautas sustituyen en el pilastras, follaje y arabescos de la época de François I er  : Un estilo severo luego sucedió al Primer Renacimiento gracias leves. Retomando una disposición ya observada en Villandry, el castillo presenta una disposición moderna por la regularidad de su planta cuadrangular donde los pabellones se articulan armoniosamente. Para ventilar el espacio interior, un ala baja cierra el patio. La entrada se realiza luego por un cuerpo frontal coronado por una logia donde la estatua ecuestre de Anne de Montmorency , retoma las composiciones observadas en los castillos de Gaillon y Anet . Todo el edificio está aislado gracias a un foso baluarte que recuerda la carga militar del propietario. La parte trasera del patio ya no está formada por un edificio principal, sino por una sencilla galería ceremonial que conecta dos alas de apartamentos, de los cuales los del Rey y la Reina dan a la llanura de Francia . En el nivel inferior, los baños colectivos se desarrollan como en Fontainebleau , conectados a áreas de ocio (jardín, cancha de tenis ). La fachada del ala norte, asumida por Jean Bullant , presenta una nueva superposición de órdenes regulares, coronada por una cornisa clásica inspirada en la antigüedad . Sin embargo, la investigación llevada a cabo en la fachada sur para ajustarse a las proporciones de las estatuas de esclavos de Miguel Ángel , ofrecidas por Enrique II , le da la oportunidad de utilizar por primera vez en Francia el orden colosal  : las columnas que ahora ocupan los dos niveles. hasta la base del techo, están inspirados en el Panteón de Roma y están coronados por un entablamento clásico, creando la ilusión de un monumento antiguo. Incluso si la influencia de los logros de Miguel Ángel en el Capitolio y San Pedro en Roma es evidente, las referencias al Renacimiento italiano se desvanecen gradualmente frente a ejemplos del mundo romano .

El ala Lescot del Louvre , realizada a partir de 1546, es la obra maestra del Segundo Renacimiento. Esta obra de Pierre Lescot , un arquitecto antiguo, fue decorada por Jean Goujon . La escalera inicialmente proyectada en el centro del edificio principal se trasladó a pedido de Enrique II con el objetivo de crear una gran sala donde se colocaron las cariátides griegas, moldeadas a pedido de Jean Goujon , en el Erecteion de la Acrópolis de Atenas . A la manera de un manifiesto del estilo francés, defendido por Lescot , la fachada presenta una superposición de nuevos órdenes clásicos sin lograr la regularidad italiana: a medida que se asciende, las proporciones se hacen más y más finas, y la idea de coronar el dos ordenanzas superpuestas con una gran banda decorada dieron como resultado la aclimatación en Francia , el piso del ático tan popular en Italia , mientras se usaba por primera vez un ático roto "à la française", para dar la ilusión de un techo recto. A pesar de su pequeña proyección, los tramos de fachada, último recuerdo de las torres medievales , son suficientes para "animar" la fachada. Las admirables esculturas de Jean Goujon ayudan a hacer de este edificio una obra única. Au rez-de-Chaussée, les arcatures en plein cintre encadrées de pilastres provoquent l'accentuation des verticales et des horizontales tandis que le jeu de double supports encadrant une niche ornée d'une médaille, représente une disposition qui deviendra typique dans l'architecture francésa.

Otro logro importante de este período, el castillo de Anet , fue creado por Philibert Delorme , a expensas del rey , para Diane de Poitiers , amante de Enrique II . Destruida durante la Revolución , solo la capilla y las tres órdenes superpuestas conservadas en la École des Beaux-Arts de París permanecen hoy sin alternancia . Ahora típico del Segundo Renacimiento, la planta cuadrangular presenta una vivienda ubicada frente a la entrada. Las acequias baluarte, como en Écouen, tienen cañones para celebraciones y boato. La entrada en forma de pirámide es una reminiscencia italiana de un arco triunfal reinterpretado por Delorme. Cuatro columnas jónicas sostienen un arco que cae sobre un arquitrabe, mientras que las columnas de los pasajes laterales están inspiradas en el Palazzo Farnese de Sangallo el Joven . Bajo el corte de las balaustradas , un juego de policromía de materiales enmarca la ninfa realizada por Cellini para la Porte Dorée de Fontainebleau . En lo alto, un grupo de autómatas, desaparecido, marcaba las horas. En todas partes Philibert Delorme expresa su gusto por los inventos extraños inspirados en el capricho de Miguel Ángel  : bajo esta influencia, aparece un uso sin precedentes de volúmenes redondeados mientras que muchos detalles, como frontones sinuosos o pilastras enfundadas , revelan un conocimiento profundo de las obras de Michel-Angelesques . Es así como las chimeneas del llamado “sarcófago”, que crecen a ambos lados del edificio, parecen un recuerdo lejano de las tumbas de los Medici en Florencia . Situado al final del patio, el edificio principal, por su superposición de órdenes, da un aspecto ascendente pero retoma la misma superposición de órdenes canónicos , observada en el ala norte de Écouen  : allí también encontramos el mismo tipo de estatuas antiguas. colocado en hornacinas enmarcadas por un doble soporte. A los órdenes clásicos, Delorme prefiere crear un orden inusual: la columna anillada presentada por el arquitecto como la solución de un problema técnico que permite ocultar las juntas de las columnas pareadas. Esta invención expresa también la nueva madurez de la arquitectura francesa con la reflexión sobre la creación de un "orden francés", idea abandonada a la muerte de Enrique II , pero retomada por Jules Hardouin-Mansart durante la construcción de la galería. Espejos del Palacio de Versalles .

La capilla del castillo de Anet sigue siendo el logro más innovador. Esta es la primera vez en Francia que se utiliza el plan centrado. Si la talla de nichos rodeados de pilastras está influenciada por obras contemporáneas de Bramante y Miguel Ángel , el friso que lo remata está inspirado en Sangallo . Las esculturas pueden ser de Jean Goujon . El edificio es el escenario de los esmaltes François I st y apóstoles de Scibec Carpi . La bóveda de la cúpula desarrolla una decoración compuesta por un entretejido de círculos que se reflejan, de forma octogonal, sobre el pavimento del suelo. Este motivo, inspirado en los elementos que se encuentran con frecuencia en los mosaicos romanos, muestra el deseo de superar el modelo italiano al referirse directamente a los logros antiguos, con el fin de crear una arquitectura francesa original.

Junto a estos grandes proyectos reales, las grandes residencias de la ciudad participaron en la naturalización de este nuevo estilo: Bajo el ímpetu del Segundo Renacimiento, toda la suntuosa decoración de follaje y medallones descomunales y llenos de brío adornan la galería del hotel Chabouillé de Moret-sur- Loing , desaparece ante el sistema de proporciones modulares , estrictamente aplicado al entablamento de la "casa de Jean d'Alibert" en Orleans , donde los cartuchos recortados inspirados en la Escuela de Fontainebleau rematan las ventanas. Respondiendo a un requisito de claridad buscado durante este período, las mansiones se desarrollaron entre patio y jardín como en París , en particular en el hotel Jacques de Ligneris ( museo Carnavalet ).

El nuevo estilo no tardó en extenderse por toda Francia  : en el Valle del Loira , en el Château de la Bastie d'Urfé (o Bâtie d'Urfé ), en Borgoña , en el casino del Grand Jardin de Joinville (antes de 1546) , en Aveyron , en el Château de Bournazel (1545-1550) o en Normandía en el Hôtel d'Escoville en Caen (1537). En Mans y Rodez , la influencia de la Vitruvio , Guillaume Philandrier , es probable mientras que en Toulouse , el arquitecto Nicolas Bachelier se pone al servicio de un todo humanista medio ambiente  ; entre las residencias más famosas: se puede citar el castillo de Saint-Jory (construido en 1545, hoy destruido) así como el bello ejemplo de las tres órdenes superpuestas del hotel de Assézat (1555-1556). Algunos edificios públicos como el Palacio del Parlamento Dauphiné (1539) en Dijon o el Palacio Granvelle y el Ayuntamiento de Besançon también participaron en el Segundo Renacimiento.

Si bien la arquitectura religiosa se mantiene fiel a las estructuras y bóvedas góticas ( catedral de Le Havre , Saint-Eustache de Paris ), muchas iglesias están modernizando sus fachadas principales o laterales con un frontispicio "antiguo" ( Rodez , Gisors , Saint-Aignan de Chartres ), y tratan su mampara como un arco de triunfo ( Sainte-Chapelle de Paris , Saint-Pierre de Maillezais ).

Manierismo (1559/1564 a principios del XVII °  siglo)

Formando un eco definitivo del Renacimiento y del Humanismo en Francia , esta última fase se alejó de los años 1559/1564, del clasicismo ambiental por su fantasía creativa, que puede justificar para este estilo el nombre de "manierista". En el mismo momento en que comenzaron las Guerras de Religión , marcadas por la masacre de Saint-Barthélemy , el pesimismo y el escepticismo invadieron a hombres y artistas de pura formación humanista . Los antiguos pensadores de referencia se convierten en estoicos en preferencia a Platón . Si el humanismo sobrevive, su profunda filosofía evoluciona, mientras es retomada y repensada por la contrarreforma católica .

De la claridad de formas y el clasicismo del Segundo Renacimiento, triunfa la arquitectura manierista . Emergiendo nuevamente con renovada fuerza, el juego de volúmenes y la investigación de la sombra y la luz, ya bastante barroca , se entremezclan con frontones fragmentados, pilastras, grotescos, volutas u otras máscaras, provenientes de la cultura del Renacimiento . Ventanas y tragaluces a menudo invaden el entablamento  : hablamos entonces de "tragaluces de paso". Así, en el hotel Lamoignon de París (hacia 1584), marcado un gran orden colosal como el palacio Valmarana de Palladio , el entablamento está roto por las buhardillas que descienden hasta el arquitrabe . Los arquitectos tienen una marcada predilección por las columnas unidas, estriadas , decoradas, las más espectaculares de las cuales son las columnas llamadas "francesas" con anilladas inventadas por Philibert Delorme y aparecidas durante el período anterior. Esta invención es parte de un gusto general por la ornamentación, que también se manifiesta a nivel sartorial en joyería y encajes. Por tanto, es una expresión de la nueva madurez de la arquitectura francesa. Delorme se justifica: “Si a los viejos arquitectos de varias naciones y países se les permitió inventar nuevas columnas (...) que impedirán que nosotros los franceses, no inventemos algunas y las llamémos francesas. "

A pesar de un descenso significativo del mecenazgo real, vinculado a la situación política del país, Catalina de Médicis y las élites sociales siguen haciendo trabajar a los artistas: Philibert Delorme es responsable desde 1564 de completar el castillo de Saint-Maur y de construir el Palacio de las Tullerías. , construcciones que continuará más tarde Jean Bullant , arquitecto que coronará también con una galería el puente del castillo de Chenonceau ( 1576 - 1577 ). Para unir el nuevo Palacio de las Tullerías con el antiguo Louvre , Jacques II Androuet du Cerceau inició, hacia 1594, la construcción de la galería frente al mar , que luego completó Louis Métezeau y, al mismo tiempo, llevó a cabo para Diane de France , el ' hotel Lamoignon' .

Entre los principales logros de este período, el Palacio de las Tullerías, iniciado por Philibert Delorme , se desarrolló en tres hileras con pabellones bajo cúpulas y la creación de jardines. En la parte que da al parque, el pabellón central enmarcado por dos alas longitudinales uniformes tiene una elevación que comprende solo una planta baja coronada por un ático . El pabellón central ofrece una bahía rítmica dividida en cuartos por columnas muy decoradas, que alberga una escalera de caracol en espiral alrededor de un gran vacío rodeado de columnas (completado solo bajo Enrique IV ). Es la obra más manierista de Delorme en relación con las últimas producciones de los círculos florentinos y de Miguel Ángel . Pero Delorme murió en 1570. Bullant, que lo sucedió, solo logró completar una parte. Este trabajo da testimonio de una reflexión sobre la arquitectura francesa.

El ala conocida como Belle Cheminée (1565-1570) que fue construida por orden de Catalina de Medici en el Castillo de Fontainebleau es representativa de la culminación del Renacimiento francés, aunque ya está teñida por el manierismo italiano . Diseñado de manera grandiosa por la Primatice , hacia 1565-1570, tiene la particularidad de tener dos escaleras con rampas divergentes que magnificaron la entrada al apartamento de Carlos IX . La Primatice pudo haber encontrado la idea de las dos escaleras con una rampa recta en los grandes logros de Bramante en el Vaticano o de Miguel Ángel en el Capitolio al invertir la dirección de las rampas. La fachada está decorada con grandes bronces sobre mitología , ejecutados entre 1541 y 1543 por Primaticcio , enviado a Roma a petición de François I er , para realizar copias en yeso obtenidas sobre las esculturas de mármol que allí se conservaron. Esta fachada está tratada íntegramente con piedra de piedra de Saint-Leu, lo que le da un aspecto más homogéneo. Un taller de fundición instalado en el castillo de Fontainebleau, Cour du Cheval Blanc, permitió realizar la fundición, bajo la dirección del arquitecto italiano Vignole .

Al mismo tiempo, tras un "intercambio" con Diane de Poitiers , Catherine de Médicis , nueva dueña del castillo de Chenonceau , hizo construir  dos galerías superpuestas en el "  Pont de Diane ", formando una zona de recepción única en el mundo, y dando así su aspecto actual al castillo. El trabajo comenzó en 1576 y terminó en 1581. La galería es probablemente obra de Jean Bullant, quien reemplazó a Philibert Delorme en favor de la realeza. Esta nueva construcción forma dos espacios superpuestos de 60  m de largo y 5,85  m de ancho, iluminados por 18 ventanas. La planta baja está formada por una sucesión de torreones en forma de media luna, inspirados en la exedra de los baños termales de la antigüedad , aplastando la punta de las patas delanteras de la plataforma. Estos torreones terminan en un balcón en el piso noble del primero, cuyas paredes son más ornamentadas que en la planta baja. Típico de esta arquitectura manierista , las fachadas tienen ventanas altas rematadas con grandes frontones curvos, unidos por mesas horizontales con marcos moldeados. Catherine también quiso vestir este castillo, que todavía era demasiado gótico para su gusto, con un vestido más clásico . Es por ello que se decoró el tramo central, a la entrada del castillo, con dos bustos y se perforaron cuatro nuevas ventanas en los vanos laterales; para acomodar las cuatro cariátides esculpidas inspiradas en las obras de Jules Romain (ahora guardadas en el jardín).

Iniciado alrededor de 1570 por el rey Carlos IX (1560-1574), el castillo de Charleval es uno de los proyectos más ambiciosos de todo el Renacimiento . Cuatro veces más grande que Chambord , su estilo manierista iba a acercarse al barroco , entonces en gestación en Italia . La muerte del rey en 1574 puso fin a la obra, cuyos cimientos apenas emergían del suelo. Los restos desaparecieron rápidamente.

Siguiendo el ejemplo de los grandes proyectos reales, el manierismo no tardó en ser adoptado en mansiones por toda Francia  : podemos citar el Hôtel de Clary en Toulouse (1610) el Hôtel de Lillebonne (1580) en Nancy así como el Hôtel de Vogüé (1614) y la Maison Maillard (1561) en Dijon .

Junto a estos logros, un estilo pintoresco y rústico, inspirado en el palacio de Te de Jules Romain , se acompaña en Francia de un uso deliberadamente arrítmico de detalles clásicos donde la ornamentación variada permanece en un espíritu puramente decorativo. Entre los ejemplos más representativos de esta tendencia, los setos de caza del castillo de Raray se desarrollan en una serie de dos arcadas , expresando el gusto del señor de Lancy por la caza, la antigüedad e Italia. En el momento de su construcción, estas dos largas balaustradas monumentales estaban dispuestas en diagonal, a cada lado del patio principal , para crear un verdadero "abismo" del edificio principal central, anunciando ya los arreglos arquitectónicos que Lemercier y Le Vau harían. reanudar en el siglo siguiente. Al crear una apertura a los jardines, esta organización regular de volúmenes y arcadas permite que la sencillez de sus decoraciones resalte las escenas de caza de ciervos y jabalíes que los superan. Con el fin de crear toda una serie de vanos rítmicos sin pilastras , cada una de las diecinueve aberturas se enmarca luego con hornacinas, en un estilo refinado, que albergan los bustos de personajes antiguos . Esta original disposición alternando así vanos abiertos y vanos ciegos permite por tanto un verdadero juego de sólidos y vacíos completado por la inestabilidad de la piedra angular de los arcos que parece deslizarse hacia abajo como si estuviera a punto de caer. Todos estos detalles dan entonces la impresión de un escenario teatral que se abre a los jardines, cuya arquitectura conmovedora y refinada contrasta con el frenesí del escenario que lo corona.

Marcando un último desarrollo artístico en este renacimiento tardío, Pierre Lescot , desarrollado en el Château de Vallery (1562), lo que podemos llamar el "estilo rústico francés": construido a partir de 1548 para el mariscal de Saint-André , el edificio se distingue por un sistema de pilares de ladrillo y cadenas de piedras arpeadas , marcando los ángulos de los edificios y enmarcando los vanos de las ventanas, cruzados por una o dos bandas de piedra. Este sistema se basa en una forma tradicional de construcción frecuente durante el estilo Luis XII como en el castillo de Blois , pero está regularizado y ennoblecido por la adopción del "  patrón romano  " como se puede ver en las esquinas del palacio Farnese. . El bajo costo, sino también el encanto policromía de esta "arquitectura en tres colores" ( André Chastel ) probablemente explica su éxito en el reinado de Enrique III y desarrollar plenamente a principios del XVII °  siglo , en lo que se llama el Louis XIII de estilo  ; de esta nueva expresión arquitectónica, se puede citar el castillo de Wideville (1580-1584) en Yvelines , el palacio abacial de Saint-Germain-des-Prés o el castillo de Rosny sur Seine (1595-1606).

La escuela de Fontainebleau

La Escuela de Fontainebleau es el nombre dado a dos períodos de la historia del arte francés , que dominó la creación artística francesa al XVI ° y XVII °  siglos y están entre los más exitosos ejemplos de arte renacentista en Francia . Este movimiento artístico nació bajo el impulso de los artistas italianos convocados por François Ier para decorar desde 1530 su residencia en Fontainebleau. Escuela cuyo desarrollo continuará hasta el reinado de Enrique IV.

Centrada en pintores que trabajan principalmente en la decoración del castillo de Fontainebleau , esta escuela se caracteriza por una interpretación francesa mesurada del manierismo .

El nombre dado a este movimiento artístico aunque sus orígenes desde el XIX °  siglo, utilizado por primera vez en 1818 por el historiador Adam Bartsch (1757-1821), en su trabajo sobre el grabado (1803-1821) para designar las impresiones realizadas por un grupo de artistas en la década de 1540 , bajo la influencia de dos maestros italianos que trabajaban en el castillo de Fontainebleau  : le Rosso y Primatice .

Por extensión, este término se aplicó a todas las formas de arte que florecieron en Fontainebleau , y un poco más tarde, con el mismo espíritu, en París .

La Primera Escuela de Fontainebleau (alrededor de 1526-1570)

En 1526, cuando acababa de regresar del cautiverio, François I llevó por primera vez a Italia a un gran grupo de artistas italianos para embellecer el Palacio de Fontainebleau . Así creó con sus deseos, una especie de “nueva Roma  ”, que llamaríamos la Escuela de Fontainebleau, con un influyente círculo intelectual y artístico.

A partir de 1530 , bajo la influencia de los italianos Rosso y Primatice , se lanzaron las grandes fórmulas de un estilo decorativo que prevalecerían en toda Europa . Su gran innovación en la decoración de interiores es la alianza, por primera vez en Francia , de adornos o figuras de estuco con frescos y paneles de madera.

Entre los temas de predilección, encontramos pinturas mitológicas o alegóricas , inspiradas en la Antigüedad , donde los desnudos son tratados con elegancia. Gracias a Rosso , la Primera Escuela de Fontainebleau desarrolló las capacidades decorativas del cartucho asociándolo con los devanados y los cortes flexibles del cuero . Esta fórmula única se encontrará con el éxito universal.

En la Galerie François I er , esta nueva introducción de estuco enriquece los frescos o medallones de bordillos en alto relieve . Este sistema de encuadre, creado a instancias de Rosso , cobra vida aquí con figuras, putti , guirnaldas de frutas, bucranes , sátiros o mascarons , en medio de la ondulación de cueros y agujeros en los nichos . Estos estucos, a veces blancos, a veces pintados y dorados, enmarcan figuras alegóricas , mientras crean juegos de luces y sombras.

Trabajo de un italiano fuera, pero impensable el contexto francés, la Galerie François I er se reveló entonces como una gran asamblea para la exaltación de la monarquía francesa . Inmediatamente admirado por los extranjeros, y ante todo por los italianos, de repente hizo de Fontainebleau un gran centro artístico, como una "  nueva Roma  ", realizando así la gran ambición del rey que fue representado allí como "el  vencedor de la ignorancia  ".

Este nuevo tipo de galería impone a Francia un nuevo mundo imaginario: la corte, acostumbrada hasta ahora a las decoraciones de los tapices con temas religiosos o heroicos, descubre el universo de la Fábula y sus provocativas desnudez . Tal trabajo debe haber causado sensación y precipitado la evolución de las mentes.

Mientras se produce la muerte, de Rosso en 1540 , Primatice , toma la dirección de las obras de Fontainebleau , asistida en esto por Nicolò dell'Abbate .

La finalización de la decoración del dormitorio de la duquesa de Etampes le dio la oportunidad de crear un vasto conjunto decorativo, cuyos ciclos alegóricos ponen en primer plano la figura humana. Sin embargo, éste se ve tratado como un elemento decorativo entre muchos otros, debiendo cumplir, como guirnaldas o cartuchos, con la formulación general y los requisitos de la composición. Su escala y su cañón siguen así los requisitos del efecto global. En general, es el manierismo italiano , introducido y renovado por Rosso y Primatice, el que controla la apariencia fluida y alargada de las figuras, en particular cuando se trata del desnudo femenino que luego es animado por la "línea serpentina".

Sobre los paneles de este dormitorio se despliegan escenas eróticas inspiradas en la vida de Alejandro Magno . Esta serie de pinturas, realizadas entre 1541 y 1544 , se inspira tanto en los logros de Rafael que la lujuria de François I er  : Rey libertino para muchas amantes (tendría 27 años en ese momento), le dijo a Brantome  : “Un patio sin damas es como un jardín sin flores ”. Sin terminar durante un tiempo, estas decoraciones fueron terminadas a partir de 1570 por Nicolò dell'Abbate , con el fin de completar el trabajo en el ala de la Belle-Cheminée . Entre estas obras, nos han llegado de la Primatice  : Alexander domando a Bucéfalo , Las bodas de Alejandro y Roxane y Alejandro salvando a Timoclée , completadas por las de Niccolo dell'Abate que incluyen: Alejandro tiene las obras de Homero y Thalestris montadas en una caja . en la cama de Alexander .

Un poco más tarde, el salón de baile toma un lado diferente, Primatice es luego suplantada por Philibert Delorme . Las ventanas de vidrio aquí permiten el desarrollo de frescos sobre un alto revestimiento de carpintería . Un artesonado diseñado por Scibec de Carpi completa el conjunto. Al fondo destaca una gigantesca chimenea enmarcada por dos sátiros de bronce, cuyo eclecticismo jugando con las formas, la luz y los materiales, denota un estilo manierista italiano . En las troneras de las ventanas, aparecen decoraciones pintadas con escenas mitológicas inspiradas en la Historia de la Guerra de Troya y realizadas por Nicolò dell'Abbate , que trabaja en paralelo para Anne de Montmorency (Rapto de Proserpina, o Historia de Euridyce).

Estos logros de Bellifontaines influyeron mucho en artistas franceses, como Jean Goujon , Antoine Caron o incluso Noël Jallier . A veces, además, se le asocia con la Escuela de Fontainebleau , otros artistas invitados por François I er , como Benvenuto Cellini y Girolamo della Robbia . Un cierto número de estas personalidades, influenciadas por el arte italiano, comenzaron entonces a participar en la decoración interior del castillo de Écouen en construcción. En general, si el espíritu de los elementos decorativos se mantiene fiel a los logros de Fontainebleau , las composiciones de este nuevo sitio ven una evolución en el tratamiento del estuco, reemplazado gradualmente por trampantojo .

Tomando las partes tomadas del salón de baile de Fontainebleau , las habitaciones del castillo de Ancy-le-Franc están adornadas con paneles altos coronados por frescos atribuidos en gran parte a Primatice u otros pintores de Fontainebleau . Su particular estilo atestigua aquí nuevamente la influencia que ejercen las residencias reales en todas las producciones artísticas del momento.

Por medio de la XVI ª  siglo , mientras que el mercado de la impresión es la explosión, las pinturas de esta escuela se copian en grabados , al parecer en relación con un programa organizado entre ellos los pintores les informan a sí mismos. El arte de las vidrieras se ve afectado, el mueble copia los patrones más famosos. Los escultores, incluso los más grandes, no son insensibles a ella. Así, los patrones ejecutados por los artistas de Fontainebleau para tapiceros, orfebres y esmaltadores contribuyeron naturalmente a la estrecha interdependencia de las artes en este momento.

Lejos de desaparecer con la muerte de sus dos últimos creadores, la Escuela de Fontainebleau sobrevive, a veces de forma muy arcaica hasta finales de siglo. Su influencia en el arte francés es asombrosa: se puede ver hasta las provincias en los frescos del castillo de Oiron y luego de Tanlay . Así, mezclando las influencias bellifontaine y romana , la galería del castillo de Oiron (1547-1549) realizada por Noël Jallier sobre el tema de la Eneida y la Ilíada , hace la síntesis entre Francia e Italia . También encontramos a los jinetes italianos además de un gran ardor en la acción de los personajes, inspirados en Rosso , mientras un sfumato poético invade los paisajes romanos.

Finalmente, el castillo de Tanlay , los frescos de la bóveda en el último piso abovedado de la Tour League , representan la misma línea serpenteante, personajes de la corte de Francia , disfrazados bajo los rasgos dioses del Olimpo .

A pesar de la diversidad de fiestas decorativas, la gran cantidad de técnicas empleadas y el carácter cosmopolita de un entorno que reúne a artistas italianos, franceses y flamencos, las producciones de la Escuela de Fontainebleau presentan una gran unidad de estilo, marcada por una concepción común de la figura y el adorno . El mundo que nace de este acuerdo no tiene equivalente en Italia , hay que admitir que un clima propio de la corte de Francia , suntuoso, sensual, elegante, dirigió en una nueva dirección el genio de Rosso y Primatice .

La Segunda Escuela de Fontainebleau (1594-1617)

Desde el reinado de Enrique IV, se desarrolló un estilo manierista tardío, a veces denominado "Segunda Escuela de Fontainebleau". Haciéndose eco de la primera, designa sobre todo los pintores que estaban activos en los sitios reales como Toussaint (entrenado en Fontainebleau), Martin Fréminet y Ambroise Dubois DIT Bosschaert (1567-1619) pintor francés de Amberes de. Enrique IV ( 1594 - 1610 ) y de la regencia de María de Médicis ( 1610 - 1617 ), el campo de actividad de esta segunda escuela también excedía ampliamente el marco del único castillo de Fontainebleau  ; jugó un papel importante en la decoración del Louvre y Saint-Germain-en-Laye , sin olvidar el trabajo realizado para la fábrica real de tapices. Este nuevo equipo se diferencia del anterior, sin embargo, por su gran número de artistas de origen flamenco y más en general por una influencia nórdica más pronunciada, lo que puede explicarse por las circunstancias políticas de la época.

Tras un largo período de disturbios vinculados a las guerras de religión , el resurgimiento de las artes se manifestó de una manera particularmente llamativa desde el reinado de Enrique IV , afectando a todos los ámbitos: pintura, escultura, arquitectura, arte del libro, pero también jardines de arte y corte. artes, incluyendo ballets y entradas triunfales.

Remontándose a los días de François I er , King trabaja para hacer brillar nuevamente las artes francesas patrocinando importantes. Para atraer una vez más a los artistas que habían huido de París , comenzó a trabajar en la década de 1590 para hacerlos contribuir a la fama del reino involucrándolos en programas ambiciosos (Galerie de Diane, Galerie des Cerfs, Pavillon des Poëles, Château Neuf de Saint-Germain-en-Laye …). Enrique IV , primer rey de la dinastía borbónica pero también heredero del trono de los Valois , nunca deja de recordarle a la gente la legitimidad de este poder ganado con tanto esfuerzo. Fontainebleau es, pues, uno de esos proyectos inconclusos bajo los Valois que el rey está ansioso por completar y, al mismo tiempo, ayuda a la capital a recuperar su primacía en el campo artístico.

En este contexto de renovada prosperidad se desarrolló la segunda escuela de Fontainebleau . La continuidad con el primer equipo es tanto más sensible cuanto que el segundo también forma parte de la corriente internacional del manierismo , de ahí el nombre común. Pero la inspiración parmesana que dominó con el Primacy dio paso a influencias más mixtas. Los italianos ya no juegan el papel principal allí porque, de hecho, son los franceses los que ahora ocupan los puestos de dirección. Si todavía nos dirigimos de buen grado a Primatice , Rosso o Nicolò dell'Abbate , cuyo color y tendencias “modernas” apreciamos en sus paisajes y escenas de género, la inspiración general ha cambiado: la aportación flamenca, que se ha vuelto imprescindible, aporta un toque más interpretación personal de la pintura, que combina fórmulas manieristas con elementos de un realismo a menudo cercano a la caricatura: Toussaint Dubreuil , Ambroise Dubois o Martin Fréminet son hoy considerados los principales maestros de este movimiento.

Durante el reinado de Enrique IV , estos artistas no dejaron de querer renovar el estilo decorativo francés, aprovechando las oportunidades que ofrecía la reanudación de las obras reales. Para llevar a cabo su investigación, el nuevo equipo no duda en recurrir no solo a las fuentes del arte de Fontainebleau , sino a los flamencos italianos contemporáneos, lo que aporta varias distorsiones en sus préstamos. Es así como el flamenco Ambroise Dubois y el francés Toussaint Dubreuil (fallecido prematuramente en 1602) sintetizan sus aportaciones a través de composiciones con distorsiones fantasiosas y desnudos eróticos, a través de un estilo brillante y ecléctico. Sin embargo, la llama parece bien apagada y la confusión de espacio y escala en la mayoría de las composiciones enmascara la pobreza de imaginación y estilo.

A diferencia de la Primera Escuela de Fontainebleau , ningún artista francés de la segunda generación alcanza el valor y el carisma de Rosso o Primacy . A pesar de su deseo de independencia y renovación, esta escuela se siente atraída con demasiada frecuencia por los elementos vistosos y fantásticos de los modelos italianos, caracterizados por perspectivas extremas y una paleta escandalosa y picante; demasiadas obras se hunden luego en una fórmula confusa y un erotismo evidente, signos de una comprensión superficial del arte del Renacimiento tardío .

Si la Segunda Escuela de Fontainebleau reúne a artistas franceses como Jacob Bunel , Guillaume Dumée , Gabriel Honnet o el ya barroco Martin Fréminet , para crear las decoraciones de las residencias reales, solo Antoine Caron impresiona con su arte cortesano extremadamente sofisticado. Sus pinturas se asemejan extrañamente a ballets gigantes, sin duda inspirados en los entretenimientos favoritos de la corte de Catalina de Medici , su principal mecenas.

Ahora menos centrada en temas mitológicos o alegóricos , inspirada en la Antigüedad , la Segunda Escuela de Fontainebleau recurre más fácilmente a temas románticos y literarios de las canciones de Tasso y Ariosto  : los temas extraídos de la Jerusalén entregada o de la Franciade fueron un éxito rotundo. Sin embargo, los temas religiosos siempre son populares porque a menudo vinculada a las comisiones de prestigio, perfectamente ilustrada en la ya decorado barroco de la capilla de la Trinidad realizado por Freminet como un nuevo "francesa Sixtina" del XVII °  siglo.

Por la suntuosidad de sus decoraciones, el castillo de Fontainebleau , una vez más se convierte en un importante centro artístico que se suma a la influencia de la nueva dinastía, los intercambios entre el arte propiamente parisino y el arte Bellifontain parecen intensificarse.

Sin embargo, los vínculos que unen la Francia de Enrique IV y María de Médicis con los grandes centros artísticos europeos, permiten a este nuevo equipo de Bellifontaine situarse en un marco más amplio, en relación con Florencia , Amberes o incluso Nancy , de la que el brillante El centro artístico está dominado por Jacques Bellange (fallecido en 1616) pero cuyo estilo se convierte en acero inoxidable bajo la influencia de Jean de Hoey y Jérôme Franck.

Si lamentablemente han desaparecido muchas obras de artistas de la Segunda Escuela de Fontainebleau, la conservación en el castillo de Ancy-le-Franc , de un vasto conjunto de decoraciones, adjunto tanto a la primera como a la segunda escuela de Fontainebleau, de hecho hoy de los principales testigos de la producción pictórica francesa del Renacimiento .

En conclusión, el famoso cuadro que representa a Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas, resume a la perfección las características de la pintura francesa de la corte real de la época, mezclando sensualidad, frescura de colores y la influencia de la pintura renacentista italiana. Por dintingant de los maestros de la primera escuela, por un color más cálido y más contrastado, el arte de estos pintores aún amasado con los modelos del primer manierismo italiano , jugó un innegable papel de transición con el arte parisino de principios del XVII. . e  siglo, expresando tanto las nuevas corrientes del Clasicismo como las del Barroco .

Sin embargo, el brillo de las obras de la primera escuela es tal que maestros como Primaticcio y Niccolò dell'Abbate , siguen ejerciendo una influencia decisiva en todo el período que permanecen también una referencia importante en el XVII °  siglo a los clásicos como Laurent de La Hyre , Jacques Blanchard , Lubin Baugin e incluso los hermanos Le Nain .

Jardines renacentistas

Jardines del renacimiento francés son un estilo de jardín inspirado originalmente por los jardines del Renacimiento italiano , que más tarde se convirtió en el más grande y el estilo más formal de jardín a la francesa durante el reinado de Luis XIV , a partir de mediados del XVII °  siglo .

En 1495, el rey Carlos VIII y sus nobles trajeron el estilo renacentista a Francia después de su campaña de guerra en Italia . Los jardines del Renacimiento francés alcanzaron su punto máximo en los jardines del castillo real de Fontainebleau y los castillos de Blois y Chenonceau .

Estético

Los jardines renacentistas franceses se caracterizan por parterres o parterres simétricos y geométricos, plantas en macetas, pasarelas de arena y grava, terrazas, escaleras y rampas, agua corriente en forma de canales , de cascadas y fuentes monumentales, y por el uso extensivo de cuevas artificiales. , laberintos y estatuas de figuras mitológicas . Se convirtieron en una extensión de los castillos que rodeaban y fueron diseñados para ejemplificar los ideales renacentistas de medida y proporción y recordar las virtudes de la antigua Roma .

Los jardines renacentistas pasan la herramienta de la pluma , cargados de simbolismo cristiano , con amplias perspectivas utilizando el vocabulario pagano y cuya finalidad principal es el único disfrute, el placer. Las consideraciones estéticas y personales se vuelven primordiales. El espacio del jardín está cada vez menos influenciado por los preceptos religiosos (a pesar de las visiones de Erasmo y Palissy ). Las referencias iconológicas ya no son exclusivamente clásicas: pertenecen a la mitología por el uso de su simbolismo, temas ilustrados, estatuas ... Los jardines también tienen una dimensión política (los grandes jardines están diseñados para la gloria de los lugares maestros), y la evolución del arte de vivir lo convierte en escenario de celebraciones y suntuosos banquetes. Su historia es también un reflejo de la historia paralela de la botánica (introducción de nuevas especies, enfoque cada vez más científico) y la evolución de las teorías y prácticas de cultivo.

Influencia italiana

En el XIII °  siglo , paisaje arquitecto italiano, Pietro Crescenzi publicó un tratado titulado Opus Ruralium Commodium , que presentó un plan formal de los jardines, decorado con esculturas topiaries , árboles y arbustos recortados en formas arquitectónicas, de acuerdo con una tradición iniciada por los romanos. El rey Carlos V de Francia lo tradujo al francés en 1373, y el nuevo estilo italiano comenzó a aparecer en Francia.

Otro escritor de gran influencia fue Leon Battista Alberti (1404-1472), quien en 1450 escribió un libreto, De re aedificatoria , para Laurent de Medici . Aplicó los principios geométricos de Vitruvio para diseñar las fachadas de edificios y jardines. Sugirió que las viviendas debían tener vista a los jardines, y que los jardines debían tener "pórticos para dar sombra, cunas donde crecieran plantas trepadoras sobre columnas de mármol, y que debería haber jarrones y hasta divertidas estatuas, siempre que no son obscenas ”.

En su diseño de los jardines de Belvedere en Roma, el arquitecto Bramante (1444-1544) introdujo la idea de perspectiva , utilizando un eje longitudinal perpendicular al palacio, a lo largo del cual dispuso parterres y fuentes. Esto se convirtió en una característica central de los jardines renacentistas.

Una popular novela del monje Francesco Colonna , publicada en Venecia en 1499, titulada El sueño de Poliphile , el viaje alegórico de Poliphile a tierras imaginarias en busca de su amor, Polia, tuvo una gran influencia en los jardines de la época. Ideas, como la de una "isla jardín" en un lago, como la del jardín de Boboli en Florencia, de estatuas de gigantes que se elevan desde el suelo en el parque de la villa de Pratolino, y el tema del laberinto , todas se repetían. de los viajes imaginarios de Poliphile. Todos estos elementos debían aparecer en los jardines del Renacimiento francés.

Castillo de Blois

En 1499, Luis XII confió la realización de los jardines del castillo de Blois al mismo equipo que posteriormente fue contratado por Georges d'Amboise para crear parterres de flores en diferentes niveles en su castillo de Gaillon  : el jardín se plantó allí con parterres de flores. y arboles frutales.

Cuando Luis XII murió en 1515, François I er realizó jardines en el nuevo estilo en tres terrazas a diferentes niveles rodeadas por las antiguas murallas del castillo de Blois .

Después de él, su hijo Henri II se puso a trabajar para embellecer el jardín. El Jardín del Rey está adornado con cunas de vegetación que se hacen eco de las del Jardín de la Reina . Alrededor de 1554, también hay pasillos transversales con cuatro gabinetes en la intersección de los cuatro pasillos. También se construyó un estanque artificial en el lugar llamado Les Bornaz alrededor de 1556 .

Siguiéndole, François II se comprometió a facilitar la conexión entre los jardines de Blois y el bosque cercano, creó caminos, las marcas de pequeños pabellones enmarcados, subrayó con la plantación de olmos y la creación de acequias .

Los jardines de Blois marcan un paso importante en la historia del jardín francés. De hecho, con Blois, los jardines se hacen más grandes y aparece una terraza alta en el jardín francés. Sin embargo, la composición francesa sigue estando muy fragmentada, en comparación con su prima italiana en la que ya reina la unidad. Sin embargo, el esfuerzo realizado en Blois en la introducción de elementos decorativos transalpinos es claramente visible, por la importación de grandes parterres , fuentes ornamentadas e italianizadas y sobre todo por el intento de crear un juego de chorros de agua en los jardines.

Sin embargo, Blois no marcó un punto de inflexión en el arte de los jardines del Primer Renacimiento, constituye un hito, un laboratorio de investigación como muchos otros en el Valle del Loira , en Bury, Azay-le-Rideau o Chenonceau .

Además de los macizos de flores, los jardines producían una amplia variedad de verduras y frutas , incluidos naranjos y limoneros en tarrinas, que se habían traído en invierno. El edificio que los albergaba, que aún existe, fue el primer invernadero de naranjos de Francia.

Los jardines del Castillo de Blois desaparecen gradualmente durante el XVII °  siglo , la falta de mantenimiento y dan paso a la XIX ª  siglo a la avenida del muelle , hoy avenida Doctor Jean Laigret para facilitar el trabajo de la estación de tren (1847). Los últimos vestigios del jardín fueron destruidos en 1890 cuando se creó la Place Victor-Hugo .

Castillo de Chenonceau

El castillo de Chenonceau tenía dos jardines separados, el primero creado en 1551 para Diane de Poitiers , favorita del rey Enrique II, con un gran parterre y una fuente, y el segundo, más pequeño, creado para Catalina de Medici en 1560 en una terraza construida encima del Cher, dividido en compartimentos, con un lavabo en el centro.

A modo de introducción, un gran callejón de honor conduce al castillo durante casi un kilómetro. A cada lado del pasillo: la granja de la XVI ª  siglo a la derecha, el laberinto y las cariátides fueron.

Hay dos jardines principales: el de Diane de Poitiers y el de Catherine de Médicis , situados a ambos lados de la Tour des Marques , vestigio de las fortificaciones que precedieron a la construcción del actual castillo.

En 1565, los jardines de la margen izquierda del Cher eran "de nueva construcción", como describe Sonia Lesot en su libro:

“La fuente de piedra de Chenonceau construida por Bernard (Palissy) para Catherine (de Médicis); ya existía en la época de Diane de Poitiers, y se había utilizado para abastecer las cuencas de su parterre […] (en) el parque de Francueil, en la margen izquierda del Cher […] un jardín bajo a lo largo del río, compuesto por dos vastas plazas separadas por un callejón trazado en la prolongación de la galería, acentuando el eje Norte-Sur ya tan fuerte. La ladera estaba atravesada por cuevas. "

El jardín de Diana de Poitiers , cuya entrada está controlada por la casa del director: la Cancillería, construido en el XVI °  siglo  ; al pie del cual hay un embarcadero, adornado con un viñedo, acceso imprescindible para cualquier paseo por el Cher .

En su centro hay un chorro de agua, descrito por Jacques Androuet du Cerceau en su libro Les plus excellents bastiments de France ( 1576 ). Sorprendentemente diseñado para la época, el chorro de agua surge de un gran guijarro cortado en consecuencia y cae "  en una ducha  " hacia un receptáculo pentagonal de piedra blanca. Este jardín está protegido de las inundaciones del Cher por terrazas elevadas desde las que hay hermosas vistas de los parterres y el castillo.

El jardín de Catalina de Medici es más íntimo, con una cuenca central, y mira hacia el lado oeste del castillo.

La decoración floral de los jardines, renovada en primavera y verano, requiere el establecimiento de 130.000 plantas de flores cultivadas en la finca.

El castillo de Fontainebleau

Los jardines del palacio de Fontainebleau , situado en un bosque que era la reserva de caza de los reyes Capetos , fueron creadas por François I er desde 1528. Los jardines incluyen fuentes, césped , un bosque de pinos traídos de Provenza y la primera artificiales cueva en Francia en 1541 . Catalina de Medici ordenó copias de bronce de las estatuas que adornaban el Belvedere en Roma. Una estatua de Hércules en reposo de Miguel Ángel adorna el jardín junto al lago. En 1594 , Enrique IV añadió una pequeña isla en el lago, conectada al patio de las fuentes por un puente.

El parque Fontainebleau cubre 115  hectáreas. Conocemos a uno que estuvo debajo de François I st a través de los dibujos de Jacques I Androuet Hoop y sus grabados en su libro Los más excelentes bastimentos de Francia .

El jardín de Diana, norte del castillo, fue construido por Catalina de Médicis en un espacio ya construido por François I er y fue en ese momento el nombre de Jardín de la Reina. Dibujado en macizos de flores regulares, el jardín fue reconstruido bajo Enrique IV y al norte con particiones de un invernadero , pero se renovó de nuevo bajo Luis XIV antes de ser convertido en jardín Inglés al XIX °  siglo, bajo Napoleón I er y Louis Philippe , donde el invernadero se destruye. Este jardín debe su nombre a la Fuente de Diana diseñada por Francini en 1603 y coronada por Diana con la cierva realizada por el bronceador Barthélemy Prieur .

La cueva del jardín de los pinos en la planta baja del pabellón sur-oeste de Corte del caballo blanco y el sabor característico de nymphaeums el XVI °  siglo, ha arcos en jefes rústica con el apoyo de la Atlántida se encuentra en la forma de monstruosas sátiros que se abren a una interior decorado con frescos (animales en relieve, guijarros, conchas, etc.). Su arquitectura, debida a Serlio o Primatice (las opiniones difieren) denota una cierta influencia de los logros contemporáneos de Jules Romain , muy probablemente se llevó a cabo en 1545 , mientras que la decoración interior no se completó hasta bajo Enrique II. Gracias a dos dibujos preparatorios conservados en el Louvre , sabemos que Primatice fue la diseñadora de los compartimentos con frescos . La Grotte des Pins fue objeto de importantes restauraciones, en 1984-1986 y luego en 2007, que permitieron restaurar la composición inicial de la decoración de la bóveda y reemplazar el suelo en su nivel anterior.

Situado en el centro del jardín, en el hueco de una arboleda , la fuente Bliaud o Blaut , llamada Belle-Eau en el XVI °  siglo y que dio su nombre al castillo, desemboca en un pequeño estanque cuadrado inclinado.

El "  Parterre  " o "Gran Jardín" o "Jardín del Rey" fue creado bajo François I er , y fue trazado bajo Enrique IV y luego rediseñado por André Le Nôtre . Las cuencas del Tíber y Romulus toman su nombre de un grupo de escultura que adorna la sucesión a la XVI ª  -  XVII ª  siglos. Derretido durante la Revolución , el Tíber , fundido de nuevo después del original conservado en el Louvre , ha encontrado ahora su lugar. La cuenca central estaba decorada en 1817 con una cuenca éxito una fuente en forma de roca llamada la "olla hirviendo" que existía en esta ubicación en la XVII ª  siglo. Cerrado por muros entre 1528 y 1533 , Serlio había imaginado un pabellón de placer para este jardín. Situado entre 1660 y 1664 , que incluía la formación de figuras follaje del rey Luis XIV y la reina madre , Ana de Austria , que desapareció en el XVIII °  siglo. Las terrazas se plantaron tilos bajo Napoleón I st .

El lavabo de la cascada fue construido en 1661 - 1662 hasta el final del Parterre , pero desde el XVIII °  siglo, no presenta una cuenca más largos decorado con nichos de mármol. La palangana está decorada en su centro desde 1866 con un Águila defendiendo a su presa en bronce, de Caín (fundido por Vittoz ).

El parque de casi 80  hectáreas fue creado bajo Enrique IV , quien hizo cavar allí el Gran Canal de 1,2  km de largo entre 1606 y 1609 , y plantó varias especies de árboles, en particular abetos , olmos y árboles frutales . Anteriormente François I st fue 1530 estableció la "vid del Rey" de largo también de 1,2  km , que se cultivó en el lado sur de la muralla de Chasselas dorado Fontainebleau . El canal , casi 60 años antes que el de los jardines de Versalles , se convirtió rápidamente en un lugar de atracción. Podías ir a dar un paseo en barco y Luis XIII tenía una galera navegando allí . Es alimentado por varios acueductos establecidos XVI ª  siglo .

El castillo de Saint-Germain-en-Laye

Los jardines del castillo de Saint-Germain-en-Laye marcan el inicio de la transición a un nuevo estilo, que más tarde se llamará “ jardín francés   ”. Estos jardines fueron diseñados en 1595 por el jardinero real Claude Mollet , para el rey Enrique IV.

Los dibujos realizados por Alessandro Francini en 1614 muestran que en esta fecha se realizaron las escaleras semicirculares que parten de la primera terraza realizada frente al castillo en 1563 y rodeando la Fuente de Mercurio , probablemente a partir de 1594 , así como las escaleras que conducen a la tercera terraza .

En 1599 , Enrique IV decidió cambiar el plan del jardín y decidió construir en la tercera terraza una galería dórica contra el muro de contención que se abre hacia el jardín y que contiene cuevas dispuestas debajo de la segunda terraza. Thomas Platter indica en su diario de viaje que en noviembre de 1599, Tommaso Francini había completado la Fuente del Dragón , en el centro de la galería, y la Gruta de Neptuno o el Triunfo Marino , bajo la rampa sur, estaba construyendo la Grotte des Orgues (o Demoiselle) debajo de la rampa norte. Las cuevas están dispuestas bajo la tercera terraza  : la Grotte de Persée , la Grotte d ' Orphée y la Grotte des Flambeaux . La historia de la realización de esta parte del jardín se comprende mejor a partir de los archivos encontrados en Florencia.

El trabajo continúa con el desarrollo de las cuevas con sus autómatas impulsados ​​por chorros de agua, por los hermanos Thomas y Alexandre Francini . Los parterres del jardín de estilo francés, que se extienden hasta el Sena en cinco terrazas , fueron diseñados por el paisajista Étienne Dupérac y el jardinero Claude Mollet . Escribió en su libro Théâtre des Plans et jardinages que recibió la orden del rey de plantar el jardín del nuevo castillo en 1595 .

Charles Normand dice que encontró en los archivos nacionales de un acuerdo de intercambio con el señor de Bréhant con fecha 1 st de septiembre de 1605 que permite al rey para adquirir las tierras y señoríos de Pec y Vézinay . Mediante cartas de patente del 17 de febrero de 1623, el rey concedió a Tommaso Francini , Sieur des Grands-Maisons (municipio de Villepreux ), "  el cargo de administrador de las aguas y fuentes de las casas, castillos y jardines de París , Saint-Germain- es -Laye , Fontainebleau y otros en general lo que sea, para disfrutar de los honores y poderes allí mencionados, y del salario de mil doscientas libras anuales, para hacer allí con mil ochocientas libras de las que gozó la suma de tres mil libras  ". En 1625, Tommaso Francini fue citado en un acto como ingeniero en artificio de agua recibido “  para el mantenimiento de las cuevas fraudulentas. chasteau de Sainct-Germain , la suma de mil doscientas libras  ”. En 1636, recibió 900 libras por las cuevas del castillo de Saint-Germain .

André Du Chesne describe el jardín con sus cuevas en 1630 en Les Antiquitez e investiga las ciudades, castillos y lugares más notables de toda Francia .

A partir de 1649 , los jardines ya no se mantienen debido a las guerras de Fronde .

Hacia 1660 , la terraza superior se derrumbó, dañando la escalera de medio punto y las cuevas de la galería dórica. En 1662 se construyó una nueva escalera con rampas rectas y se restauraron las cuevas pero no los mecanismos hidráulicos.

Cuando llega la Revolución , el castillo Neuf de Saint-Germain-en-Laye se incauta como propiedad nacional . Luego se vende al antiguo administrador del Comte d'Artois que lo derriba para subdividir el terreno y vender los materiales. Hoy solo quedan el Pavillon Henri IV , el Pavillon du Jardiner , una terraza y sus dos rampas al final de la Rue Thiers que da a la Avenue du Maréchal de Lattre de Tassigny y algunos restos en los sótanos del distrito . (En 3 rue des Arcades, por ejemplo).

Castillo de Villandry

Los jardines del castillo de Villandry , en el departamento de Indre-et-Loire, están reconstruyendo a partir de textos antiguos de un renacimiento de campo típica de la XVI ª  siglo.

Estos jardines se dividen en cuatro terrazas  : un piso superior con el jardín de sol (creado en 2008), otro con el jardín de agua rodeado de claustro de tilos, y una terraza de bienvenida el jardín ornamental o jardín bordado de boj y tejo recortado en topiario y finalmente una terraza inferior con el huerto decorativo , también formando un diseño de bordado.

El jardín ornamental situado sobre el huerto amplía los salones del castillo. Subir al mirador ofrece una vista magnífica del conjunto. Se compone de jardines del amor divididos en 4 conjuntos:

El jardín acuático en el extremo sur del complejo se crea clásicamente alrededor de un gran estanque que representa un espejo Luis XV y está rodeado por un claustro verde de tilos.

El conjunto también incluye un laberinto plantado de glorietas, cuyo objetivo es elevar espiritualmente a la plataforma central, un jardín de hierbas, es decir plantas aromáticas y medicinales, tradicionales en la Edad Media, Bosque con terrazas floridas alrededor de un invernadero y un hermoso pabellón de la XVIII ª  siglo, el pabellón de la audiencia , finalmente, el jardín del sol , la última, con 3 zonas verdes, nubes habitaciones en tonos azules y blancos, la sala de sol dominada por el amarillo-naranja y habitación de los niños con sus árboles de manzana .

Las fuentes y pérgolas del jardín fueron restauradas a partir de 1994. Los jardines forman un conjunto limitado al norte por la Route de Tours, al sur por el camino rural de La Bergerie, al oeste por la valla del laberinto vegetal . .

Obtuvieron la etiqueta Remarkable Garden

Cronología del jardín renacentista francés

La pintura

Ver: franceses pintores de la XVI °  siglo

La pintura francesa en Francia es más que en Italia , impulsada por el movimiento de construcción de castillos lanzado por los príncipes. Así, el condestable de Francia Anne de Montmorency , cuando construyó su residencia más grande, el Château d'Écouen , contrató a un gran número de artistas, famosos o desconocidos, para crear decoraciones de interiores. ” Italia y se hicieron famosos por sus creaciones Écouen . Así, todas las chimeneas del castillo están pintadas con un estilo muy italiano, las paredes tienen grandes frisos y los suelos son de gres de colores.

Numerosos pintores italianos y flamencos se comprometieron con la corte de François I er y sus sucesores y participan en la decoración de los palacios reales y castillos de la nobleza. Estos artistas crean una escuela de pintura inspirada en el manierismo templado llamada escuela italiana de Fontainebleau , recordando el papel decisivo de este proyecto de los reyes François I er , Enrique II y Enrique IV en la implementación y difusión del estilo renacentista en Francia . Sus representantes más famosos Rosso Fiorentino , Primaticcio y Niccolò dell'Abbate bajo François I er , luego bajo Enrique IV , Ambroise Dubois y Toussaint Dubreuil .

En Francia , el arte de la pintura del retrato ya era conocida y extendida desde mediados del XV °  siglo, gracias a Jean Fouquet y Jean Perréal , pero lo que realmente crece durante el Renacimiento, en el XVI °  siglo, gracias a Pierre y Daniel Dumonstier . Los retratistas nombrados por el rey Jean Clouet y su hijo François , con un estilo de gran precisión y finura (dibujos preparatorios realizados antes de la ejecución de los retratos pintados), perpetúan el estilo de Rosso . Influyen en retratistas posteriores como Corneille de Lyon y François Quesnel, mientras que Antoine Caron , antiguo colaborador de la Primatice , evoca tanto las fiestas de la Corte de Valois como la violencia de las llamadas guerras civiles "religiosas" , marcadas por el Santo. -Masacre de Barthélemy .

Los italianos

Fiorentino Rosso (1494-1540)

Giovanni Battista di Iacopo (1495-1540) fue apodado Rosso Fiorentino , "el pelirrojo florentino", por el color de su cabello y su ciudad natal. Formado en Florencia en el taller de Andrea del Sarto , y muy influenciado por el arte de Miguel Ángel , trabajó en Florencia , luego en Roma de 1524 a 1527, antes de regresar a Toscana . En 1530, mientras se encuentra en Venecia , invitado por el dramaturgo italiano Pietro Aretino , tiene la oportunidad de ser presentado a Francois I er que, encantado, pronto lo llamará en Francia . Su llegada a París en octubre de 1530 marcó un verdadero punto de inflexión en el arte francés, con la plena aceptación del Renacimiento en todos los campos artísticos. Está con Primatice el creador de la escuela de Fontainebleau .

En medio del Renacimiento francés, el rey Valois era un admirador del arte italiano. La corte francesa le dará entonces los medios a Rosso para que desarrolle realmente todo su talento como artista de la corte: pintor, diseñador, diseñador de decorados fijos y efímeros, y obras de arte ... Su Majestad es conquistada por este culto artista y músico. Luego lo colmó de generosidad y le confió la decoración del castillo de Fontainebleau . Así es como el Rosso reúne a un equipo de artistas italianos para ayudarlo a crear decorados.

Durante casi una década, Le Rosso, mientras crea obras independientes, dirige la decoración de Fontainebleau . Varios de los decorados y obras que diseñó han desaparecido. Estos incluyen el pabellón de Pomona , el pabellón Poesles la galería inferior . Pero es sobre todo la gran galería François I er conecta el antiguo y el nuevo Fontainebleau , llevada a cabo principalmente entre 1533 y 1537, que sigue siendo su obra maestra es una decoración adornada con pinturas, frisos, frescos y modelos de cuero recortada y estuco Un recurrentes El motivo de la galería es el emblema animal del rey, la salamandra . Le Rosso fue recompensado con su nominación como primer pintor del rey y canónigo de la Sainte-Chapelle . Luego, el artista participa en la creación de vajillas suntuarias y crea para el rey un bastón cantoral (cetro) con asta florida, coronada por un edículo con columnas que lleva en el centro una estatuilla de la Virgen . Del último período de su vida, aparte de los dibujos preparatorios para la atención de los grabadores Antonio Fantuzzi, Boyvin o el maestro desconocido LD, solo existen raras pinturas de carácter religioso que se han conservado de su período francés, siguiendo el ejemplo del Cristo muerto, una Piedad visible en el museo del Louvre .

El final del artista es oscuro. Se dice que el tacaño artista acusó a su leal amigo, Francisco di Pellegrino, de robar sus ahorros. Este último sometido a torturas salva su inocencia. Le Rosso , desesperado por haber perdido a su amigo, se habría suicidado por envenenamiento a finales del año 1540. La biografía escrita por Giorgio Vasari que habla de este trágico final está ahora en duda.

La Primatice , su adjunto de Bellifontain desde 1532 y cada vez más su autoritario y abierto rival, suprimió a partir de 1540 con el pretexto de la ampliación o de su predilección por la escultura de pedestal, una serie de obras decorativas del maestro pelirrojo.

Es Aretino, escritor famoso e influyente, el que recomendó Rosso a François I er . En París , donde fue llamado Master Roux , el ascenso social del artista florentino , tanto pintor-escultor como arquitecto, fue extremadamente rápido. El rey le aseguró un salario muy alto y, en 1532, lo nombró canónigo de la Sainte-Chapelle. A este título se agregó, cinco años después, el canonizado en Notre-Dame. Pero Rosso sufría crónicamente de un estado de ánimo inestable; fue fatal para él el 14 de noviembre de 1540, cuando puso fin a su vida.

Por su influencia, Rosso es el fundador de la primera escuela de Fontainebleau que lanzó el Renacimiento francés en el arte de la pintura. Este decorador erudito, atraído por lo extraño y lo espectacular, mientras cuenta una historia en varios niveles de lectura o emoción, sacude los géneros establecidos y sigue siendo una fuente de evolución duradera en el arte de la ornamentación de las cortes principescas del norte de Europa .

Francesco Primatice (1504-1570)

Francesco Primaticcio dit Primatice comenzó su aprendizaje en Bolonia , su lugar de nacimiento, y fue con un alumno de Rafael , Bagnacavallo, que recibió su primera formación, luego en Mantua , cerca de un discípulo de Rafael , Jules Romain. , Que hizo para Frédéric Gonzague. uno de los edificios más importantes de la época, el Té Palace . En una decoración que invade los muros y bóvedas, todos los recursos del manierismo se utilizan para celebrar el Amor evocando los amores de los dioses o para sugerir terror a través de la representación de enfrentamientos titánicos.

La Primatice adquirió cerca de él la aptitud para las transposiciones fabulosas y el sentido de un arte decorativo completo donde los ornamentos de estuco adquieren una nueva importancia. Se convirtió en un experto en este campo, pero fue en Francia , en el castillo de Fontainebleau , donde pudo dar su medida.

Llegó en 1532, llamado por François I er que quiere hacer de su hogar favorito un centro de arte vivo y prestigioso. Hasta su muerte, Primatice dedicó la mayor parte de su actividad a esta ambiciosa empresa. Al principio, colaboró ​​con otro maestro italiano, el Rosso fiorentino , que supervisó la obra e impuso su estilo: una versión exacerbada del manierismo florentino .

La obra de Rosso en Fontainebleau , como la de Primatice , ha sido destruida o desfigurada en gran medida. Sin embargo, la restauración de la Galerie François I er en el siglo XX permite apreciar la coherencia de un estilo ornamental donde el capricho de la invención, la agudeza de formas y ritmos se expresan también en las zonas pintadas y en los estucos, con acentuado relieves, perfiles elegantes, patrones sorprendentemente diversos.

El Primatice reemplazó al Rosso en 1540, a la muerte de este último, al frente de las empresas reales. Él reina supremo sobre la plétora de artistas y trabajadores que trabajan en la decoración interior del castillo, en las nuevas construcciones, en el paisajismo de los jardines. Supervisa los talleres de tapicería y los de los fundadores que hacen las estatuas en bronce.

Las dos misiones en Italia que le confió el rey fueron una oportunidad para que él se reconectara con el arte de la península y conociera las formulaciones más recientes, que fácilmente adapta a su manera personal. En 1541 , Hippolyte d'Este le encargó la realización de frescos para las paredes de su capilla en la Abadía de Chaalis . En Fontainebleau , en la galería de Ulises (ahora destruida), el poema de Homero se ilustró allí en cincuenta y ocho paneles distribuidos entre las ventanas, y el techo incluía noventa y tres temas mitológicos sobre un fondo de grotescos .

Al mismo tiempo que realiza la galería de Ulises , la Primatice entrega los proyectos de las composiciones que exaltan el Amor, la Armonía y la Concordia, destinadas al salón de baile , realizadas por Nicolò dell'Abbate . El orden de la obra corre a cargo de Philibert Delorme , quien, bajo el reinado de Enrique II , asumió la dirección de los Edificios del Rey.

La llegada de François II (1559) otorga a la Primatice todas sus prerrogativas: se añade el monumento al corazón de Enrique II , la tumba del rey, todas las esculturas destinadas a la rotonda de Valois (ahora destruida) que Catalina de Medici había erigido en Saint-Denis sobre los planes de Primatice .

El genio polifacético Primatice ha realizado el sueño de François I er dándole a la escuela de Fontainebleau , no el efímero esplendor de un lugar real privilegiado temporalmente, sino la irradiación de un movimiento innovador que marcó en Francia la evolución tan decisiva de la pintura y las artes decorativas.

Primatice vuelve a convertirse en gran maestro de las obras del rey tras la muerte de Enrique II . En Dampierre, la mansión original se convirtió en príncipe de la XVI ª  siglo , se va a construir en el pabellón de la esquina contigua a la torre de sauna reales, ejemplo típico de este gusto en el momento de un retorno a una forma de vida a la antigua.

Nicolò dell'Abbate (1509/1512 - 1571)

Nicolò dell'Abbate fue un artista nacido en Módena , cerca de Bolonia , y que se hizo muy famoso en Francia , desempeñando un papel fundamental en la primera escuela de Fontainebleau . Esta escuela fue creada por artistas italianos activos en el Chateau de Fontainebleau , donde desarrollaron un estilo que reverberó su influencia en el arte francés y del norte de Europa .

Toda la familia dell'Abbate , de padre a hijo, se dedicó a las artes. Citamos con honor entre los pintores de Módena, a su padre Jean, a su hermano Pierre-Paul, a su hijo Jules-Camille, a su nieto Hercule y a su bisnieto Pierre-Paul. Formado en Módena , fue aprendiz en el taller de Alberto Fontana y fue alumno de Antonio Begarelli .

En 1540 entró al servicio de los señores de Scandiano , a 27  km de Módena . Entre 1540 y 1543, también decoró la Rocca de los príncipes Meli Lupi en Soragna, en el noroeste de Parma . Luego trabajó en Bolonia entre 1548 y 1552, sirviendo a una clientela adinerada de clérigos y banqueros.

En Bolonia , su estilo está influenciado por Correggio y Parmesan . Sus numerosos retratos evocan los de Pontormo .

En 1552, Niccolò dell 'Abate fue invitado a Francia al servicio de Enrique II (entonces a menudo se le llamaba Nicolas Labbé). En el castillo de Fontainebleau colaboró ​​en la decoración del edificio real, bajo la supervisión de Primatice (1504-1570), otro artista fundamental de la Escuela de Fontainebleau , así como del pintor florentino Rosso (1494-1540). Dos años después, entregó el diseño del proyecto de decoración en honor a la Condestable Anne de Montmorency .

En París , realizó frescos en los techos del Hôtel de Guise (ahora desaparecido), según dibujos de Primatice . Posteriormente, el artista recibió numerosos encargos de carácter privado, como pequeños cuadros portátiles de temas mitológicos insertados en paisajes. Una buena parte de su producción artística está, pues, dedicada al género de la pompa decorativa efímera, producida con motivo de momentos importantes que marcaron la vida de la corte real. El principal ejemplo sigue siendo el ciclo de decoraciones realizadas para la entrada triunfal en París de Carlos IX y su esposa Isabel de Austria en 1571, año de la muerte de Nicolò dell'Abbate en Francia .

El legado del pintor emiliano está constituido sobre todo por sus paisajes que forman el telón de fondo de escenas mitológicas , motivos que inspirarán a artistas franceses como Claude Lorrain (1600 - 1682) y Nicolas Poussin (1594 - 1665).

El flamenco

Jean Clouet (conocido como Janet; 1475 / 85-1540)

Jean Clouet joven (nacido en 1480 en Bruselas , que murió en 1541 en París ) es un pintor retratista se originó en Países Bajos borgoñones de la XVI ª  siglo . Poco se sabe de sus inicios.

Pintor oficial de François I er , Jean Clouet entre los ayuda de cámara del rey desde 1516 bajo las órdenes de sus colegas Jean Perréal y Jean Bourdichon . De origen flamenco , aportó un nuevo estilo a la pintura de retratos ceremoniales practicando, además de la tradicional miniatura (comentarios de la Guerra de las Galias), la pintura de caballete ejecutada a partir de un dibujo a lápiz, según el gusto de los pintores del norte. .

Se hizo popular muy pronto hasta el punto que se le concedió casi todos los retratos franceses de principios del XVI °  siglo. De las únicas dos pinturas suyas atestiguadas por textos, una es conocida solo por un grabado ( Oronce Finé ), la otra por una réplica conservada en el museo de Versalles ( Guillaume Budé ).

Pero la fama de Jean Clouet proviene del grupo de 130 dibujos del museo Condé en Chantilly . Los retratos de la familia real suelen atribuirse al título de pintor, y por tanto a los propios cuadros, como el famoso retrato de François I er en el Louvre (hacia 1527), cuya atribución a Jean Clouet se remonta a una antigua y segura tradición.

La reputación de Jean Clouet sin duda no es usurpada y siempre ha sido reconocida, aunque su obra se confundió rápidamente con la de su hijo François . Jean Clouet realmente introdujo una nueva delicadeza en el arte del retrato francés y de hecho fundó una escuela de retratistas oficiales que, a través de Robert Nanteuil y Hyacinthe Rigaud , aseguraría la supremacía francesa en este campo durante más de dos siglos.

Corneille de Lyon (1510-1575)

Corneille de Lyon o Corneille de la Haye (nacidos entre 1500 y 1510 en La Haya y murió en 1575 en Lyon ) es un pintor real del retrato franco - holandesa del XVI °  siglo.

Aunque fue conocido en su época como Corneille de la Haye, no se sabe nada de su juventud holandesa y llegó a Lyon en 1533 como muy tarde . En 1536 realizó retratos de varios miembros de la familia real y obtuvo el título de pintor real en 1541. A pesar de esta función, permaneció en la ciudad del Ródano durante toda su vida. Al casarse con la hija de un impresor de renombre, se convirtió en parte de la notoriedad de la ciudad y adquirió una sólida posición social, viviendo en el distrito de la imprenta, cerca de Notre-Dame-de-Confort .

Vive de su profesión de pintor, y parece colaborar con otros artistas del barrio (pintores o grabadores). Su estudio mantiene una galería de copias de las pinturas de las personas más famosas que retrató. Esto permite a los clientes adquirir una nueva copia o les anima a que un pintor de renombre les haga un retrato. Su negocio pareció prosperar hasta las guerras de religión , durante las cuales, a pesar de su apego a la religión reformada , no pareció ser víctima de agresión o expoliación. Se convirtió bajo coacción a la religión católica en 1569.

El arte de Corneille del pequeño retrato sin decoración es innovador para la época. Adquirió un gran prestigio hasta el punto de que las pinturas de este estilo terminaron por ser denominadas "Cuervos". Trabajando al óleo sobre madera, concentra su trabajo en el rostro y el busto. Corneille es muy preciso en la composición de cabello, cabello, barbas, que a veces traza casi cabello a cabello. Sus modelos rara vez usan ropa muy decorada, su estilo sigue siendo muy sobrio. El fondo de sus cuadros es siempre sencillo, sin decoración y parece estar trabajando sin un dibujo preparatorio.

Después del Renacimiento , la fama de Corneille se desvaneció, sus descendientes no se hicieron cargo de la realización de pequeños retratos. Fue redescubierto en la XVII ª  siglo por François Roger de Gaignières . A continuación, volver a caer en el olvido, su nombre reapareció en el XIX °  siglo, de citas en los textos de la época. La extrema dificultad para encontrar obras de referencia genera serios problemas de atribución y reconstitución de su corpus artístico. Los historiadores del arte y los aficionados cometen varios errores y confusiones . La primera obra inequívocamente atribuible se descubrió en 1962. Varias obras retoman conclusiones anteriores y la primera síntesis sobre el artista fue realizada por Anne Dubois de Groër en 1996.

Noël Bellemare (activo entre 1512 y 1546)

Noël Bellemare es un pintor e iluminador francés de origen flamenco, activo entre 1512 y 1546, en Amberes y luego en París. Se le atribuyen cajas de vidrieras y miniaturas . Algunas de sus iluminaciones se agruparon bajo el nombre convencional de Maestro de las epístolas Getty , sin duda al frente de un taller conocido también como el Taller de la década de 1520.

Noël Bellemare es hijo de un residente de Amberes y un parisino. Su presencia está atestiguada en Amberes en 1512, pero encontramos su huella ya en 1515 en París donde termina y completa su carrera. Está instalado en la ciudad como pintor e iluminador en el puente de Notre-Dame , junto a otros artistas y libreros.

Los archivos documentan varios encargos oficiales en París  : pintó el techo del Hôtel-Dieu en 1515, decoró la entrada al puente de Notre-Dame en 1531 para la entrada de Éléonore d'Autriche en 1531, una decoración del Palais du Louvre en colaboración con Matteo del Nassaro para la llegada de Charles Quint en 1540. También realizó dorados en el Château de Fontainebleau . Fue mencionado en 1536 como iluminador-pintor jurado.

Las primeras obras del pintor están influenciadas por el manierismo de Amberes y por el grabado de Alberto Durero . Posteriormente, se reemplazó una influencia de pinturas de Rafael y Giulio Romano . Esta influencia, sin duda, le viene de la frecuentación de la Escuela de Fontainebleau que encuentra participando en la decoración del castillo.

Solo una pieza está atestiguada por fuentes de la mano de Noël Bellemare: esta es la tarjeta de una ventana en la iglesia pentecostal Saint-Germain l'Auxerrois en París . Por analogía y comparación estilística, el historiador del arte Guy-Michel Leproux le atribuye un conjunto de iluminaciones y vitrales .

El conjunto de iluminaciones que se le atribuye ha sido durante mucho tiempo referido como la convención Getty Master of the Epistles . Estas obras también fueron agrupadas durante un tiempo por la historiadora de arte estadounidense Myra Orth en un conjunto más grande de 25 manuscritos y bajo el nombre de Workshop of the 1520. Noel Bellemare pudo haber sido su líder. Entre ellos, las miniaturas atribuidas al Maestro de las Horas Doheny podrían corresponder a una época más antigua del mismo pintor.

Finalmente, algunas de las miniaturas del Maestro de las Epístolas Getty son posteriores a su muerte: parece que este mismo taller continuó durante algún tiempo después de su desaparición.

Grégoire Guérard (activo hacia 1518-1530)

Grégoire Guérard es un pintor de los Países Bajos , establecido en Tournus y activo en Borgoña entre 1512 y 1530, en la región de Autun , Chalon-sur-Saône y Bourg-en-Bresse .

Es un artista formado en el norte de Holanda y cuyo estilo parece en deuda con una estancia en Italia en los años 1515 y 1518.

Según las fuentes, proporcionó un tríptico para la Iglesia Carmelita de Chalon , otro para la Iglesia de Saint-Laurent-lès-Chalon, trabajado en el Castillo de Brancion y el de Balleure para Claude de Saint-Julien de Balleure, cuyo hijo Pierre elogia "hermosas pinturas, obra singular y exquisita, producida por la mano divinamente erudita del excelente pintor Guererd Gregoire, compatriota holandés y pariente de Erasmo de Rotterdam  ".

Recientemente se han atribuido a Grégoire Guérard una docena de paneles fechados entre 1512 y 1530, conservados, con algunas excepciones, en el sur de Borgoña , Bresse o Franche-Comté . El elemento principal de este conjunto es el Tríptico de la Eucaristía en Autun (1515), y en el museo de Dijon , El arresto de Cristo y La presentación en el templo de Dijon (1521) son parte de él.

Bartholomeus Pons

Originario de Haarlem , Bartholomeus Pons está documentado precisamente en 1518 en el taller de Grégoire Guérard en Tournus . Hoy podemos identificarlo con el Maestro de Dinteville (autor del retablo de la Leyenda de Santa Eugenia en Varzy ).

Godefroy el Bataviano (1515-1526)

Godefroy le Batave es un pintor / iluminador del norte de los Países Bajos activo en Francia. Solo se conoce por su actividad en la corte de François I er .

Su nombre proviene de una inscripción en latín que lo identifica como pictoris Batavi en el 3 º volumen de su obra más conocida, los comentarios de la Guerra del Francés (1520, Museo Condé , Chantilly ). También fue firmado allí Godefroy, una firma que se encuentra en los Triunfos de Petrarque (hacia 1524, Bibliothèque de l'Arsenal , París ). Los Comentarios sobre la guerra francesa (1520, Musée Condé , Chantilly ), el Dominus illuminatio mea (1516, Musée Condé , Chantilly ) y la Vida de Magdalena (1517, Musée Condé , Chantilly ) fueron iluminados bajo la supervisión directa de su autor Franciscano. , François Du Moulin o Demoulins (fl 1502-24), con miras a su presentación al Rey y su madre Luisa de Saboya , Condesa de Angulema (1476-1531).

Los manuscritos vernáculos, diminutos y personalizados permiten vislumbrar el arte y el gusto de la corte francesa en los primeros años del Renacimiento.

Los franceses

Jean Cousin: el padre (aprox. 1490-aprox. 1560) y el hijo (aprox. 1522-aprox. 1594)

Jean Cousin el Viejo ( Soucy , cerca de Sens , alrededor de 1490 o 1500 - París , después de 1560 ), también se llama el Padre, o el Viejo para distinguirlo de su hijo también llamado Jean Cousin . Este artista no solo es pintor, diseñador y decorador sino que también es grabador. Jean Cousin el Viejo es con Jean Clouet , el pintor más importante de Francia del XVI °  siglo. Apodado el “  Miguel Ángel francés”, su pintura Eva prima Pandora, conservada en el Louvre, sigue siendo su obra más famosa.

Poco se sabe de su vida, y muchas obras sólo se le atribuyen, a veces ejecutadas más probablemente por su hijo Jean Cousin el Joven con quien a menudo se confunde. Otro escultor sin parentesco también lleva el mismo nombre.

Fue en su localidad natal de Sens , en 1526, donde Jean Cousin le Père inició su carrera como agrimensor , continuando su actividad allí hasta 1540. Después de haber realizado dibujos animados para las vidrieras de la catedral de Sens y un Retablo para la Abadía de Vauluant en 1530, Jean Cousin le Père trasladó a París hacia 1540 donde realizó obras importantes.

En 1541 recibió la orden de diseñar los dibujos para los tapices de la Vida de Santa Geneviève y en 1543 realizó los ocho dibujos para la Historia de San Mammès para el Cardenal de Givry . Estos tapices , que decorarían el coro de la catedral de Langres , fueron ejecutados por tejedores parisinos. Fue entonces cuando en 1549 colaboró ​​en la entrada triunfal del rey Enrique II en París .

También trabajó para vidrieros y realizó los dibujos animados para las vidrieras de la capilla del hospital de Orfèvres , un Calvario para la iglesia de los Jacobinos en París , varias vidrieras para la iglesia de Saint-Gervais ( Le Jugement de Salomon , Le Jugement de Salomon , Le martirio de Saint Laurent , La samaritana conversando con Cristo y La curación del paralítico ), la iglesia de Moret, las de Saint-Patrice y Saint-Godard en Rouen, así como para el castillo de Vincennes ( el modo de juzgar el pasado , Según el Apocalipsis , la Anunciación de la Santísima Virgen ), donde también dirige los retratos de cuerpo de François 1 er y Enrique II . A Jean Cousin también se le atribuyen vidrieras en grisalla ejecutadas para el castillo de Anet (incluido el regreso de Abraham a Agar, su hijo Ismael , los israelitas conquistadores de los amalecitas bajo el liderazgo de Moisés y Jesucristo predicando en el desierto ).

Solo tenemos un pequeño número de cuadros de Jean Cousin el Viejo: la Eva Prima Pandora , ahora en el Louvre , y La Charité . Estas obras atestiguan, como los tapices de la Historia de San Mammès , la influencia de Rosso , pero Jean Cousin el Viejo supo interpretar con un estilo muy personal el arte de la escuela de Fontainebleau .

Algunos dibujos Penélope , Martirio de un santo y Juegos infantiles , se atribuyen hoy a Jean Cousin le Père, del que también tenemos dos grabados firmados: la Anunciación y el Entierro .

Teórico, el artista publicó dos tratados ilustrados con grabados en madera, el Livre de Perspectiva de 1560 y el Livre de pourtraicture completado por su hijo en 1571. Reimpreso en 1589, no se ha encontrado ninguna copia hasta la fecha. Por otra parte, es probable que esta última obra sea la publicada poco después de la muerte de Cousin le Jeune en París en 1595 por David Leclerc , con planchas grabadas por Jean Le Clerc . Este tratado es también una obra maestra de la ilustración anatómica , fue reimpreso varias veces en el XVII °  siglo.

Jean Cousin el Joven (1522-1594) también dice que el Hijo estuvo durante mucho tiempo confundido con su padre, de quien fue alumno. Jean Cousin el Joven estudió por primera vez en la Universidad de París al menos hasta 1542, luego colaboró ​​en el trabajo de su padre. Cuando este último murió, se hizo cargo.

Su producción parece haber sido significativa. En 1563 colaboró ​​en los preparativos de la entrada triunfal de Carlos IX . Hacia 1565, la contribución de Cousin le Père y Cousin le Fils al monumento funerario de Philippe Chabot , almirante de Francia , es controvertida; el marco ornamental del monumento se atribuye al hijo y los cuatro genios alados tratados con un estilo manierista muy brillante.

La única pintura atribuida a Jean Cousin fils es el Juicio Final de 1585 y se conserva en el museo del Louvre . Esta obra refleja tanto la influencia del manierismo florentino como la del arte flamenco . Varios dibujos, las ilustraciones del Libro de la fortuna (1568), las Metamorfosis de Ovidio (1570) y las Fábulas de Esopo (1582) revelan a un hábil artista influenciado por su padre, el medio Bellifontan y el arte de los países nórdicos .

Antoine Caron (1521-1599)

Antoine Caron, nacido en 1521 en Beauvais y muerto en 1599 en París , es un maestro vidriero, ilustrador y pintor manierista francés de la escuela de Fontainebleau .

En la encrucijada entre las dos escuelas de Fontainebleau , Antoine Caron es una de las principales personalidades del manierismo francés. Uno de los raros pintores franceses de su época en tener una marcada personalidad artística. Su obra refleja la atmósfera refinada, aunque muy inestable, del patio de la Casa de Valois , durante las Guerras de Religión de 1560 a 1598.

Dejando Beauvais donde pintó desde su adolescencia pinturas religiosas perdidas desde entonces, Antoine Caron trabaja en el taller de vidrieras de Leprince , luego hace su formación en los talleres de Primatice y Nicolò dell'Abbate en la Escuela de Fontainebleau en 1540 en 1550. En En 1561, fue nombrado pintor de la corte de Enrique II y Catalina de Medici y más tarde se convirtió en su pintor designado.

Su función como pintor de la corte incluía la responsabilidad de organizar representaciones oficiales. Él, como tal, participó en la organización de la ceremonia y la entrada real en París para la coronación de Carlos IX y el matrimonio de Enrique IV con Marguerite de Valois . Algunas de sus ilustraciones de las festividades en la corte de Carlos IX permanecen y probablemente constituyen posibles fuentes para la representación de la corte en los tapices de Valois.

Las pocas obras supervivientes de Caron incluyen temas históricos y alegóricos, ceremonias de la corte y escenas astrológicas. Es un erudito, y sus escenas eruditas y sofisticadas reflejan la brillante cultura que se desarrolló en París bajo el reinado de los últimos Valois .

Sus masacres se llevaron a cabo a mediados de la década de 1560, como su único cuadro firmado y fechado, Les Massacres du Triumvirat (1566), conservado en el Louvre. Evoca los macizos perpetrados durante las guerras civiles romanas, en el 43 a. C., por los triunviros Antoine , Octave y Lepidus . Sería una alusión a las masacres de las que fueron víctimas los protestantes , durante la guerra religiosa , principalmente a partir de 1561, cuando tres defensores del catolicismo , Anne de Montmorency , Jacques d'Albon de Saint-André y François de Guise formaron un triunvirato para oponerse a la política de apaciguamiento de Catalina de Medici

El componente esencial de su estilo es la reanudación de la figura muy alargada de los artistas italianos, incluso en retratos como Portrait de femme (1577), un lenguaje corporal elocuente, mucho movimiento y dinamismo. Le da un aspecto muy extraño a sus composiciones. Así como la vivacidad de sus colores que contribuyen a este carácter a menudo fantástico que se le da a sus obras.

El otro aspecto emblemático de su obra es la incorporación de arquitecturas fantasiosas, que en ocasiones se mezclan con ruinas romanas. Como su maestro Nicolò dell'Abbate , a menudo colocaba figuras humanas casi insignificantes en medio de enormes escenas.

Estilísticamente, su adhesión al manierismo del norte se refiere a la tipología de sus personajes. La crítica moderna lo llama "el abuelo del manierismo  ".

La escasa documentación de la pintura francesa de este período hace que muchas de las obras que se le atribuyen también sean atribuidas a otros artistas como Henri Lerambert . La relativa notoriedad de Antoine Caron contribuye a la asociación de su nombre con obras comparables a las más conocidas. En algunos casos, estas pinturas, por ejemplo, la presentación de Milán a Francisco I st 1515 (c. 1570) se asignan ahora "el taller de Antoine Caron".

La escultura

Para la escultura, François I er se adquirió en especial los servicios de Benvenuto Cellini , cuyo arte ha influido en el escultor francés del XVI °  siglo. Sus otros principales representantes fueron Jean Goujon y Germain Pilon .

El 2 e de la XVI ª  siglo vio el estilo manierista templada dominar, a pesar de una fuerte tendencia al realismo: Tenga en cuenta la Tumba de Enrique II y Catalina de Medici y la tumba del cardenal René de Birague de Germain Pilon , cuya él intensidad dramática es a veces recuerda a Miguel Ángel y presagia el estilo barroco .

La familia justa (o di Giusto di Betti)

Dinastía de escultores, originarios de la región de San Martino a Mensola, cerca de Florencia , los tres hermanos Giusto di Betti emigraron en 1504 en Francia , tras la intervención de Luis XII en Italia . Terminan naturalizándose en 1513 , bajo el nombre francés de “  Juste  ” antes de convertirse en escultores del rey .

Junto con Francesco Laurana, fueron los representantes más brillantes y activos de la escultura del Renacimiento italiano en Francia .

Antonio di Giusto di Betti y Antoine Juste (1479- 1 st de septiembre de 1519), trabaja desde 1507 a la tumba de Thomas James , obispo de Dol-de-Bretagne , concluyeron su aplicación en colaboración con su hermano Jean Juste. Muy rápidamente, se vio a sí mismo llamado por el cardenal Georges d'Amboise para la construcción de su castillo en Gaillon (en gran parte destruido durante la revolución); Mientras realiza la capilla para una serie de doce apóstoles en terracota , ejecuta un busto del Cardenal y un bajorrelieve que representa la Batalla de Génova para la galería del palacio; En colaboración con el estudio de Michel Colombe , continúa la construcción vanguardista de la capilla superior, que se ha convertido en un verdadero manifiesto de un nuevo estilo renacentista en escultura. Antoine Juste se trasladó luego a Tours , donde encargó mármoles de Carrara para la tumba de Luis XII (1516). Probablemente le debemos los bajorrelieves de este monumento. La colaboración de Guido Mazzoni , es probable porque este artista llegó a Francia en 1494 y ya estaba activo en la tumba de Carlos VIII .

Andrea di Giusto di Betti, André Juste (nacido hacia 1483), el segundo de los hermanos, sin duda colaboró ​​con sus hermanos para el establecimiento de la tumba de Luis XII, de la basílica de Saint-Denis , aunque hoy no estaba seguro de que ha salido de Italia.

Giovanni di Giusto di Betti Jean Juste o I st (1485-1549) es el último de los hermanos. Tan pronto como llegó a Francia , se trasladó a Tours y pasó varios años en el estudio de Michel Colombe . Colabora así en el Entierro de la Abadía de Solesmes . Descubriendo en esta ocasión, la obra de Claus Sluter y el realismo flamenco . Jean Juste I er se convierte entonces en uno de los principales actores de un nuevo estilo en la escultura, que mezcla el realismo flamenco y la dulzura francesa llamado estilo Luis XII . Después de completar la tumba de Thomas James por su cuenta , fue a la basílica de Saint-Denis para instalar el mausoleo de Luis XII . Fue allí donde habría ejecutado las estatuas yacentes del rey y la reina, coronadas por sus oraciones , gracias a las indicaciones de Jean Perréal , ya activo en la tumba del duque de Bretaña François II y en las tumbas del monasterio de Brou  : "Estas estatuas reclinadas, las más dramáticas, representan los cadáveres apresados ​​en la agonía de la muerte, arrebatados por los últimos espasmos, el vientre cosido por el embalsamamiento, las bocas abiertas por el último sonajero, la piel pegada al esqueleto, los pechos se desplomaron, la cabeza echada hacia atrás para la reina ”. Las estatuas de las virtudes cardinales se atribuyen hoy más bien a su sobrino justo de Just, a quien cría además como su hijo. Jean Juste luego ejecuta la tumba de Jean IV de Rieulx , mariscal de Bretaña , en Ancenis , luego la tumba de Thomas Bohier , fundador del castillo de Chenonceau , en la iglesia de Saint-Saturnin en Tours , y finalmente la tumba de Louis de Crevent. , abad de la Trinidad de Vendôme . De 1532 a 1539, realizó para la capilla del castillo de Oiron , la tumba de Artus Gouffier , realizada a petición de su viuda Hélène de Hangest, así como la de su suegra, la Dama de Montmorency .

Just John II (1510-1577), hijo de Jean Juste I er , corriendo en 1558 para la iglesia de Oiron , la tumba de Claude Gouffier , gran escudero de Francia , y su primera esposa, Jacqueline Trémoille (destruida en 1793) de la cual lamentablemente solo queda la estatua de Claude Gouffier  ; sus logros después de 1558 , además de ser destruido en gran parte. Posteriormente, Jean II Juste habría realizado la tumba de Guillaume Gouffier , almirante de Bonnivet , asesinado en Pavía en 1525, luego una fuente de mármol blanco, para los jardines del castillo de Oiron , desaparecido en gran parte, no quedando más que una palangana. Es en colaboración con el pintor François Valence, que participa en la realización de tres arcos de triunfo y coordina los dispositivos festivos creados en Tours con motivo de la entrada del joven rey Francisco II y su esposa Marie Stuart (1560). Este éxito le permite hacer un mercado el 24 de abril de 1561 sobre la creación de una fuente, Place de la Foire-le-Roi, terminada en 1562 y ya no está presente.

Philibert Delorme (1514-1570)

Nacido en Lyon , Philibert Delorme murió en París en 1570. Procedente de una familia de maestros albañiles , fue entrenado por su padre, en particular en las obras de construcción de las murallas de Lyon . De 1533 a 1536, el futuro arquitecto permaneció en Roma, donde adquirió un sólido conocimiento técnico y un buen conocimiento arqueológico. El artista se frota el estudioso medio de la ciudad y se hizo amigo del cardenal Jean du Bellay (embajador de Francia en Roma ).

A su regreso, comenzaron casi treinta años de intensa vida profesional. En 1536, de regreso a Lyon , un amigo del cardenal du Bellay , el comerciante Antoine Bullioud, le confió la tarea de reunir tres edificios independientes que rodean un pequeño patio en la rue Juiverie . El joven arquitecto creó una galería con tres vanos en un asa de canasta arqueada con crestas apoyadas sobre dos cuernos . También se le atribuyen algunos otros logros menores de Lyon, pero no se queda en su ciudad natal por mucho tiempo.

Fue entonces cuando su amigo el cardenal le confió entre 1541 y 1544 el diseño de su castillo en Saint-Maur-des-Fossés . Manifiesto del Renacimiento francés, es un cuadrilátero inspirado en las villas italianas.

Su nombramiento como "arquitecto del rey" por Enrique II , en 1548, le permite mantener, durante once años, el control absoluto sobre la arquitectura real, excepto el Palacio del Louvre confiado a Pierre Lescot .

Philibert Delorme asegura así la construcción y el mantenimiento de castillos, edificios de servicios públicos, fortificaciones de Bretaña , la ordenanza de festivales y entradas, así como la administración y el control financiero de las obras. La superintendencia ejercida por el artista es un hecho significativo en la historia de la arquitectura francesa.

El arquitecto también trabaja en las obras del Château d'Anet construido para Diane de Poitiers y el castillo real de Saint-Léger-en-Yvelines . Es para su mayor tormento que ocasionalmente debe intervenir en Fontainebleau en colaboración con Le Primatice , Nicolò dell'Abbate y Scibec de Carpi. También trabaja en el castillo de Madrid , el Bois de Boulogne , Vincennes , París , Villers-Cotterêts , Coucy-le-Château , Chenonceaux , Limours y Boncourt ...

Sin embargo, sus pretensiones y su vanidad le atrajeron fuertes enemistades, incluidas las de Pierre de Ronsard o Bernard Palissy . Durante su carrera, Philibert Delorme nunca dejó de acumular ganancias (entre 1547 y 1558, recibió cinco abadías y nunca celebró menos de tres al mismo tiempo hasta su muerte), sin dudar en solicitar constantemente al rey la atribución de cargos y oficios, para compensar quizás la pérdida de beneficios de las obras difíciles de las que se queja regularmente.

Si bien fue acusado de malversación de fondos, la muerte del rey Enrique II en julio de 1559 trajo su deshonra, dejando el campo abierto a los enemigos del arquitecto  ; Así es como se ve apartado de sus funciones en beneficio del Primado . No obstante, la clientela principesca le será fiel frente a la adversidad, incluida Diane de Poitiers, que le ordena realizar trabajos para su castillo de Beynes . El resto de su existencia lo dedica a la redacción de tratados teóricos incluida la redacción de una suma de arquitectura. Publicó en particular un Tratado completo sobre el arte de la construcción (1567), seguido de Nuevos inventos para construir bien y a bajo costo ( París, 1561). Delorme no irá más lejos. Sin embargo, al final de su vida, encontró el camino de regreso a la corte, cuando la regente Catalina de Médicis le confió la tarea de rastrear el Palacio de las Tullerías .

La mayoría de sus obras, lamentablemente, han sido casi destruidas con el tiempo. Solo quedan el hotel Bullioud (1536) en Lyon , partes del Chateau d'Anet que ejecutó para Diane de Poitiers (1545-1555) y la tumba de François I st a la Basílica de Saint-Denis .

Pierre Bontemps (alrededor de 1505-1568)

El escultor francés Pierre Bontemps es más conocido por los numerosos monumentos funerarios que esculpió y decoró.

Llegado a Fontainebleau a partir de 1536 , se formó en contacto con las obras antiguas traídas por Primatice . En particular, interpreta un elenco de Laocoonte y otro de Apollo du Belvédère . En 1548 , formó parte del equipo de escultores dirigidos por Philibert Delorme para la tumba de François I er a la basílica de Saint-Denis .

Las figuras yacentes del rey y la reina Claude son el resultado de su colaboración con François Marchand . De 1549 a 1551 , talló solo las estatuas de oración del delfín François de Francia y su hermano Carlos II de Orleans . También es plenamente responsable de los relieves que adornan la base de la tumba de François I er , que representan con notable precisión las batallas que tuvieron lugar durante su reinado, incluidas las victorias de Marignano y Ceresole . Se detallan los preparativos de cada batalla (cruzando los Alpes) y personajes principales individualizados: se reconoce a François I er a su monograma o al Chevalier Bayard .

En 1556 , Pierre Bontemps estuvo de nuevo en Fontainebleau donde realizó un bajorrelieve de las Cuatro Estaciones para la chimenea del dormitorio del rey . Luego corre al convento de las Hautes-Bruyères ( Yvelines ), el monumento de mármol que contiene el corazón de François I er . La urna está decorada con bajorrelieves alegóricos a la gloria de las artes y las ciencias, que, gracias al soberano, han tomado un lugar importante en el reino.

Todavía le debemos la estatua funeraria de Charles de Maigny ( hacia 1557 ), conservada en el museo del Louvre y la tumba de Guillaume du Bellay en la catedral de Le Mans .

Pierre Bontemps parece haber sido más bien un especialista en bajo relieve decorativo, muy de moda en el momento del desarrollo de la Primera Escuela de Fontainebleau ( 2 e cuarto del XVI °  siglo), un gran creador de la ronda . La sensualidad y delicadeza de las figuras femeninas recuerda el estilo manierista que Primatice aplicó a los estucos de Fontainebleau (pequeñas cabezas y cuellos alargados, gestos esbozados y armoniosos). Si el arte elegante y delicado de Bontemps está imbuido del espíritu italiano, se ve atenuado por la preocupación por la precisión en la disposición de la decoración y por los pintorescos trajes.

Jean Goujon (1510-circa 1567)

Jean Goujon probablemente nació en Normandía alrededor de 1510 y murió con toda probabilidad en Bolonia , alrededor de 1567.

Apodado el "  Fidias francés" o "  el Correggio de la escultura", Jean Goujon es con Germain Pilon el escultor más importante del Renacimiento francés.

Tanto escultor como arquitecto, fue uno de los primeros artistas cuya obra se inspiró directamente en el arte antiguo y el Renacimiento italiano, que estudió personalmente en Italia . Supo someter su obra escultórica , especialmente sus bajorrelieves , al marco arquitectónico en el que iba a inscribirse.

A pesar de la riqueza de su producción artística, la carrera de Jean Goujon solo se puede seguir durante unos veinte años, desde alrededor de 1540 hasta 1562. Presente en Rouen entre 1540 y 1542, ejecutó sus primeras obras conservadas. Para la galería de órganos de la iglesia de Saint-Maclou , esculpe dos columnas que todavía están en su lugar hoy. El primer ejemplo en Francia de un orden corintio muy puro, revelan el conocimiento perfecto de Jean Goujon del arte antiguo. También se le atribuye el diseño de la tumba de Louis de Brézé (1531) en la catedral de Rouen , y la arquitectura de la capilla Saint-Romain , popularmente llamada La Fierte (1543).

Llegado a París hacia 1542, probablemente trabajó bajo la dirección del arquitecto Pierre Lescot , como “creador de imágenes ” en la mampara de Saint-Germain-l'Auxerrois (1544 a Navidad de 1545). El conjunto arquitectónico desapareció en 1750 pero los bajorrelieves de los Cuatro Evangelistas y la Deposición de Cristo , generalmente conocida como la Virgen de la Piedad , esculpidos por el artista han sobrevivido y se conservan hoy en el Louvre . Un grabado parmesano que representa el Entierro inspiró a Jean Goujon para la composición de la Deposición de Cristo . Esta es una prueba de que el arte italiano lo influyó directamente, sin la intermediación del arte de Fontainebleau . Las "cortinas mojadas" y los pliegues paralelos de los relieves de la mampara revelan el estilo de un artista apegado al arte antiguo , y más exactamente al arte helenístico .

En 1545, Jean Goujon trabajó para el condestable Anne de Montmorency y produjo Les Quatre Saisons (1548 a 1550) para el hotel de Jacques de Ligneris , primo de Pierre Lescot , que ahora se ha convertido en el museo Carnavalet .

A partir de 1547, el artista entró al servicio del nuevo rey Enrique II . Trabajará con otros escultores en la decoración de la entrada del rey a París en 1549, creando la única obra permanente: la famosa fuente de los inocentes . Sus bajorrelieves , que representan ninfas y náyades , se pueden encontrar hoy en el museo del Louvre .

Al mismo tiempo, Jean Goujon trabajó como "maestro escultor " bajo "los dibujos de Pierre Lescot , señor de Clagny " en las decoraciones del Palacio del Louvre . Entre 1548 y principios de 1549, completó sus alegorías de Guerra y Paz antes de ser comisionado para ejecutar las alegorías de la Historia , Victoria, luego de la Fama y de La Gloria del Rey . Poco después, produjo las Cariátides de la Plataforma de los Músicos, terminada en 1551, en la sala homónima del Palacio del Louvre . En 1552 esculpió estatuas para la chimenea del gabinete del Ática ubicada en el ala oeste y finalmente, en 1555-1556, algunos bajorrelieves de la escalera de Enrique II .

Generalmente se le atribuyen los grabados de la versión francesa del Sueño de Poliphile de Francesco Colonna (1546), después de los grabados de la edición original (posiblemente debido al estudio de Andrea Mantegna ). También le debemos las xilografías que ilustran la primera edición francesa de los Diez Libros de Arquitectura de Vitruvio , traducidos en 1547 por Jean Martin . También habría hecho valiosas medallas para Catalina de Medici .

La Diana apoyada en un ciervo (alrededor de 1549), también conocida como Fontaine de Diane realizada para Diane de Poitiers en el Château d'Anet, se ha atribuido sucesivamente a Benvenuto Cellini , Jean Goujon y Germain Pilon . Todos estos atributos han sido cuestionados o refutados. Es difícil juzgar la obra que fue completada en gran parte por Pierre-Nicolas Beauvallet antes de su instalación en el Louvre en 1799-1800. Alexandre Lenoir , director del museo en ese momento, es el autor de la atribución a Jean Goujon .

Se desconoce la fecha exacta de la muerte del artista. De protestante , su trabajo en la corte de Francia e incluso su presencia en París se hizo difícil cuando aumentaron las tensiones religiosas . Cuenta una tenaz leyenda que Jean Goujon fue asesinado durante Saint-Barthélemy . De haber sido así, se le habría citado a posteriori como uno de los famosos mártires del drama, lo que no fue así. La historia de su trágica muerte, sin embargo, se repitió en muchas obras de crítica de arte y la extensión a la XVIII XX y XIX XX  siglos. Investigaciones más recientes han encontrado su rastro entre los refugiados hugonotes de Bolonia en 1562. Se dice que murió en Italia entre esa fecha y 1569.

Jean Goujon ciertamente tuvo un taller y estudiantes que lo ayudaron. Sus figuras son ovaladas, sensuales y fluidas. Sus cortinas revelan un conocimiento de la escultura griega . Repartida por toda Francia por los grabados realizados por artistas de la escuela de Fontainebleau , la pureza y gracia de su modelo influyó en las artes decorativas . Su reputación sabe al final de la XVI ª  siglo, una ligera tendencia hacia una mayor eclipses modales , antes de crecer de nuevo en la era del barroco y clásico francés.

Germain Pilon (1525 / 30-1590)

Germain Pilon, nacido hacia 1528 en París y fallecido en 1590 en la misma ciudad, está con Jean Goujon , uno de los escultores más importantes del Renacimiento francés. Participando en particular en la construcción de las tumbas del último Valois , estas obras dan testimonio de su pertenencia al manierismo .

Hijo del escultor André Pilon, aprendió de él, y presumiblemente con Pierre Bontemps , el modelado de arcilla y piedra. Aún no se ha conservado ninguna de las creaciones de André Pilon, por lo que no se puede apreciar su estilo. Sin embargo, ciertos encargos revelan su predilección por las estatuas de madera pintadas y por la terracota. Mientras fue nombrado controlador de los sellos y monedas del rey, Germain Pilon también aprendió el arte de fundir y perseguir el bronce.

En 1558, el superintendente de los Edificios del Rey, Philibert de l'Orme , le encargó esculpir ocho "genios funerarios " o "figuras de la fortuna " , destinados a la tumba de François I er que Philibert de l'Orme entonces construyó. en la basílica de Saint-Denis . Fue en esta ocasión que Germain Pilon , entonces joven, realizó una estatuilla de mármol blanco que fue su primera obra conocida. Este genio funerario (foto) recuerda con fuerza la escultura de Miguel Ángel y testimonia el virtuosismo de Germain Pilon al plasmar el movimiento. Sin embargo, no se elegirá para adornar la tumba real y ahora se exhibe en el Museo Nacional del Renacimiento en Écouen .

A la muerte de Enrique II , Primatice obtuvo el cargo de superintendente de edificios y decidió mantener a Germain Pilon entre sus colaboradores. Para el castillo de Fontainebleau , el artista modela estatuas de madera, ejecutadas bajo la dirección del maestro italiano, cuyo estilo ahora le resulta muy familiar. Sólo con el Monument du cœur de Henri II (foto) ( Louvre ) descubrimos el arte del escultor en toda su plenitud. El monumento que diseñó consiste en un pedestal decorado, que sostiene a tres figuras femeninas que sostienen una urna funeraria sobre sus cabezas. En Germain Pilon recae la mayor parte de la obra de escultura , incluida la ejecución de tres estatuas alegóricas en las que podemos apreciar tanto las Tres Gracias como las virtudes teologales .

Todavía está bajo el control de la Primatice que Germain Pilon crea sus siguientes trabajos. Cuando Catalina de Medici construyó un mausoleo en la rotonda de la iglesia abacial de St. Denis , Germain Pilon se encuentra entre los artistas responsables de la decoración escultórica. Participó en primer lugar en la realización de la tumba del rey y la reina fallecidos , junto a otros escultores como Girolamo della Robbia y el maestro Ponce . Sin embargo, la mayor parte del trabajo acaba recayendo sobre él. Es, pues, el autor de las figuras yacentes , las oraciones , dos Virtudes de bronce y dos relieves de mármol pertenecientes al edículo . Es en la estatua yacente de la reina, imitación de una antigua estatua llamada hoy Venus de los Medici , donde se libera la mayor parte de sus ataduras, tal vez porque se había comprometido allí. Los orants revelan una gran libertad de movimiento y una reproducción muy personal de la fisonomía que muestran que Germain Pilon abandonó el gótico tardío por el arte renacentista .

Desde 1570, Germain Pilon , ahora muy ocupado, tenía un gran taller en París . Entre sus obras actuales se encuentran la Virgen de Notre-Dame-de-la-Couture ( Le Mans ) y las principales esculturas de la tumba de Valentine Balbiani (fallecido en 1572). En esta tumba, donde se mezclan elementos italianos y franceses, el difunto está representado, según la tradición francesa, bajo dos vertientes. Valentine Balbiani, vestido con un suntuoso traje, medio reclinado, apoyado en un codo y hojeando un libro, corresponde a un tipo italiano ya muy conocido en Francia antes de Germain Pilon . Sin embargo, según la tradición francesa, el bajorrelieve colocado debajo presenta al difunto yacente con un realismo tan impresionante que ubica la obra en la tradición de los transeúntes “cadavéricos ” de la escultura medieval francesa. Hoy en día, la mayoría de las tumbas ejecutadas por Germain Pilon ya no se conocen excepto a través de documentos o bocetos encargados .

En 1572, el artista obtiene el cargo de "controlador general de efigies en la Corte de Monnaies". Le debemos la serie de medallones con las efigies de miembros de la familia real, así como varios bustos de mármol y bronce, entre los que destacan el de Carlos IX y el de Jean de Morvilliers . En los últimos diez años de su vida, si bien fue apreciado por la aristocracia francesa, tuvo un gran taller: la abundancia de encargos y la realización de los 380 mascarons del Pont Neuf , lo obligaron a agregar sus hijos, además de colaboradores como Mathieu Jacquet dit Grenoble, que aseguraron el éxito del estilo de Germain Pilon durante varias décadas.

Hasta alrededor de 1585, Germain Pilon estuvo ocupado por nuevas esculturas de mármol destinadas a la capilla funeraria de los Valois en Saint-Denis . Un patetismo y un nuevo drama caracterizan los últimos años de la producción del escultor. Observamos en particular el Cristo de la Resurrección con dos soldados romanos ( Louvre ), un San Francisco de Asís ( Sainte-Croix de Paris Catedral de los armenios ) así como dos nuevas estatuas funerarias de Enrique II y Catalina de Medici , representado este tiempo en reclinado ( Saint-Denis ). La Virgen de la Piedad , última creación del conjunto, toma prestadas de la iconografía escenas de deposiciones de la cruz o de sepulturas , su velo cayendo frente al rostro así como sus manos cruzadas sobre el pecho. En la tumba de René de Birague , construida hacia 1583, Germain Pilon retoma la tradición medieval pintando el bronce del líder de oración mientras hace desaparecer casi por completo el cuerpo del difunto bajo el amplio abrigo de profundos pliegues cuya larga cola es hoy ' hui desapareció. En los últimos años de su vida, el relieve de bronce de la Deposición de Cristo (ahora conservado en el Louvre ), se inspiró en la Deposición de Cristo realizada hacia 1544 por Jean Goujon ( Louvre ).

Hugues Sambin (1520-1601)

Hugues Sambin (1520-1601) es una figura artística característica del Renacimiento por la variedad de sus centros de interés y por la amplitud de sus talentos. Ejerció una influencia duradera en el repertorio ornamental de su época.

Como muchos artistas de su tiempo, Hugues Sambin reúne muchas cualidades: carpintero (este término designa a los artesanos que construyen muebles), escultor, ingeniero hidráulico, arquitecto, decorador y grabador.

A pesar de que trabaja por toda Francia , se convirtió rápidamente en el este de Francia, principalmente en Dijon y Besancon , en la segunda mitad del XVI °  siglo (donde ganó el título o fi cial del arquitecto ). Luego aparece como una de las raras personalidades de la región capaz de proponer planes para la construcción de fortificaciones ( Salins-les-Balins , Dijon) o proyectos para varios sitios urbanos: se le atribuyen en particular ciertas casas en Dijon, incluida la he Fyot -el hotel de-Mimeure (1562), la casa Maillard (1561) o la puerta Scrin del antiguo parlamento de Borgoña (1580). A pesar de estos compromisos, el artista logra mantener una intensa actividad en la fabricación de muebles, varios ejemplos de los cuales aún se exhiben en museos. Sin embargo, tenemos relativamente pocos elementos de su vida y se le atribuyen algunas obras sin autentificar con certeza: un gabinete con dos puertas en las Artes Decorativas de París y en el Louvre (hacia 1580), el Gauthiot d ' Mesa Ancier en el Musée du Temps de Besançon y otros dos muebles en el Musée de la Renaissance en Écouen y en el Metropolitan Museum de Nueva York .

Nacido en Grey en 1520, padre carpintero , el Borgoña del Imperio o Franco Condado , aprendió temprano el arte de la ebanistería y la carpintería , así como la arquitectura. Durante el año 1544, el artista trabajó en el equipo de carpinteros del Château de Fontainebleau , bajo la dirección de Primatice , y especialmente con el diseñador Sebastiano Serlio , que utilizó en particular la técnica italiana del designo .

Es a raíz de esta experiencia que el joven compañero quizás haga un viaje a Italia , porque posteriormente demostrará un perfecto conocimiento de la escultura y la arquitectura ultramontana .

A su regreso a Dijon en 1547 , se casó con la hija de Jean Boudrillet, maestro carpintero , de quien asumió, unos años más tarde, en 1564 , la dirección práctica del taller después de haber sido recibido mientras tanto maestro carpintero en 1548 . También será jurado de la corporación en varias ocasiones. En ese momento, la actividad más próspera del taller de Boudrillet seguía siendo la fabricación de muebles y armarios que, bajo la influencia de Hugues Sambin, se diseñarían según los códigos gráficos de designo como una verdadera "enciclopedia de la arquitectura" de su tiempo. . Reconocido, el artista se convirtió en uno de los líderes en el arte de los muebles de Borgoña , especialmente activo para patrocinadores ricos de Borgoña y Franche-Comté. Así, en 1550, la ciudad de Dijon le encargó tres estatuas para la entrada triunfal del duque de Aumale .

Continuando con su actividad como escultor, terminó poco antes de 1560, la realización de una obra sobre el Juicio Final , destinada a adornar el pórtico central de la iglesia de Saint-Michel en Dijon , convirtiéndose posteriormente, en 1564 , en superintendente y directores de obra realizada para la recepción del rey Carlos IX en Dijon.

Pese a todo, parece que la muerte de su suegro en 1565 le hizo perder el control técnico del taller de carpintería: Maistre Sambin diversificó entonces su actividad de forma individual, alejándose probablemente del taller de Boudrillet, donde se solo trabajo ocasionalmente. A partir de ahora, cada vez más lejos de Dijon, trabaja con regularidad, especialmente como diseñador, ornamentalista, ingeniero y arquitecto .

Mientras estuvo en Lyon en 1572, publicó una importante colección compuesta por 36 láminas grabadas, titulada Obra de la diversidad de términos utilizados en arquitectura , que mostrando una imaginación desenfrenada, todavía representa hoy una notable obra de clasificación de órdenes arquitectónicos según los antiguos modelo . Sus actividades fueron las mismas durante unos años en los Países Bajos españoles , siendo luego contratado como escultor y carpintero por el gobernador de Luxemburgo . Así es como su influencia afectará no solo a los pintores de Borgoña y Lorena , incluso del sur de Alemania , sino también a arquitectos y decoradores, como Joseph Boillot o Wendel Dietterlin .

En 1571 , el artista parece regresar momentáneamente a Francia-Comté y luego a Borgoña donde recibirá el título de arquitecto de la ciudad de Dijon. En 1581 , los gobernadores de Besançon le encargaron para la fachada del patio del antiguo parlamento de Besançon (actual palacio de justicia ) cuyas tareas supervisó entre 1582 y 1587, y al mismo tiempo llevar a cabo los planes para el techo imperial de la torre de cruz de los Notre Colegiata de Dame de Beaune , construida entre 1580 y 1588.

Podemos concluir que Hugues Sambin seguirá estando fuertemente influenciado, a lo largo de su carrera, por su paso por los equipos de Fontainebleau . El sistema ornamental desarrollado por Rosso y Primaticcio incluyendo la galería François I er , literalmente estalla en toda su obra. Siempre marcada por esta corta estancia en Bellifont , sus raíces borgoñonas siguen presentes, expresadas en particular por su predilección por ciertos ornamentos regionales como el famoso "repollo de Borgoña " o el uso de rollos de hiedra en lugar de los tradicionales motivos de acanto .

Mientras tanto, los términos (elementos arquitectónicos tallados, compuestas de un busto humano que termina vaina ) diseñada y esculpida por Hugues Sambin son muy populares en Francia en la segunda mitad del XVI °  siglo, sobre todo en los muebles de la escala de Lyon , que tiene desde decorativa muy similar punto de vista, Bourguignon muebles: un verdadero "estilo Sambin " así nació, marcando la segunda mitad XVI ª  siglo.

Es a través de las comparaciones realizadas con su colección que hemos atribuido al artista no solo cualquier mueble que combine términos con un cúmulo de motivos ornamentales, sino también, por extensión, cualquier arquitectura con una decoración exuberante. Sin embargo, todavía hay bastante grandes dificultades para probar los comandos o trabajos de Hugues Sambin y el estudio, ya que fueron imitados o copiados sin vergüenza incluyendo el XIX °  siglo bajo el nombre de "estilo de Enrique II."

Los muebles

A lo largo del Primer Renacimiento francés, el mobiliario no cambió mucho y se mantuvo en la continuidad del Estilo Luis XII . Sin embargo, la ornamentación abandona definitivamente los últimos elementos góticos del estilo anterior como pináculos, orbes flamígeros o incluso arcos apuntados en homenaje a una decoración puramente renacentista compuesta principalmente por medallones y arabescos .

No fue hasta el reinado de Enrique II para ver una evolución real con producciones con formas arquitectónicas marcadas, la mayoría de las veces adornadas con incrustaciones de mármol y placas en tonos de bronce. Este período también marca la aparición de nuevos muebles como caquetoire (o caqueteuse), el sillón , la silla vertugadin el asiento de pinza (también dijo Savonarola , o faudesteuil ) y la reaparición de la base del asiento plegable en X, surgió de la VII º  siglo ( trono de bronce del rey Dagoberto ).

Estas creaciones del Renacimiento imitadas desde la mitad de la XIX ª  siglo bajo el nombre de estilo de Enrique II , que hoy en día los muebles auténticos se han convertido en extremadamente raros y se han restaurado y modificado.

Técnicas y herramientas

  • La tapicería  : Para los asientos, las superficies de madera natural dura serán reemplazadas gradualmente por una tapicería de cuero, tapicería o tela fina. Estirado sobre tirantes y acolchado con fieltro.
  • La incrustación  : el XIV °  siglo marquetería está de moda otra vez en la Toscana . La madera de informe con un espesor de 3 a 5 milímetros se corta con un cincel o con instrumentos de aserrado, cerca de las herramientas del carpintero . La decoración de chapa cubre completamente un soporte de madera ordinario. Los elementos se cortan, se sombrean con calor y se ajustan para pegarlos a su soporte uno tras otro. El XV °  siglo es un periodo importante en el desarrollo de la decoración de incrustaciones. En Florencia se creará una escuela especializada en decoración con incrustaciones: el Intarsiatoris . Benedetto da Maiano fue el representante más famoso del proceso de incrustación: intarsia . La incrustación (La tarsia atoppo y tarsia certosina ). Los entrelazados geométricos son tiras preparadas en bloque e incrustadas en la masa de madera ( tarsia atoppo ). La representación de una ciudad tratada en perspectiva es el tema favorito de los artistas del norte de Italia y se produce antes de la edición y luego con incrustaciones ( tarsia certosina ).
  • Técnica conocida como "morisca": consiste en realizar incisiones profundas que se rellenan con filetes de pasta blanca marfil denominada "  morisca  " o "morisca blanca"; los patrones preferidos son los arrollamientos de un follaje muy fino.

Mobiliario actual

  • El Cofre (o arco ): elemento imprescindible del mobiliario, se utiliza a la vez como armario , banco y equipaje. Puede o no estar equipado con patas y manijas o una o más cerraduras y, a menudo, tiene un solo panel tallado en el frente.
  • El buffet  : la XVI ª  siglo, el uso del mueble bufet está volviendo más común, a expensas de la cómoda más ostentosa y menos eficiente el mantenimiento de prendas de vestir y objetos de valor. El aparador utilitario sigue utilizándose en el comedor y en las cocinas. Luego está forrado con cajones donde puede guardar cubiertos y utensilios útiles en la mesa o en la cocina. Aunque conserva la misma composición que en la Edad Media , la parte superior del cuerpo es un poco más pequeña y está apartada de la parte inferior del cuerpo.
  • El armario  : Llamamos entonces definitivamente armario al mueble con dos cuerpos uniformes, formado por cuatro hojas. El armario toma gradualmente el lugar del tocador en dormitorios y salas de estar. Está formada por dos cuerpos y suele tener abundante decoración.
  • Púlpito  : en este momento el respaldo puede esconder un cofre .
  • La cama  : Elemento central del dormitorio, la cama se coloca sobre una plataforma . Así levantado, se protege del frío del suelo, luego en terracota, siempre coronado por un dosel, sostenido por columnas de esquina, generalmente torneadas (cama con rueca).
  • el aparador  : Su función es similar a la del buffet ceremonial: son dos muebles ostentosos vinculados a las obligaciones sociales del anfitrión que debe lucir sus riquezas y hacer honor a sus invitados. El aparador, al igual que la credenza italiana, es un conjunto de estantes dispuestos en gradas y revestidos con una tela de alta calidad, generalmente blanca, destinada a presentar un conjunto de piezas ceremoniales o un servicio. Si el buffet y la mesa de banquete fueron simples trabajos de carpintería efímera, la cómoda es más duradera y, equipada con puertas, permanece en el gran salón o en el dormitorio una vez terminada la comida.

Nuevos muebles

  • La firma  : aparece durante el último cuarto del XVI °  siglo. Originalmente diseñado como un escritorio con compartimentos para cartas o documentos, tiene asas laterales para transportarlo y colocarlo sobre una mesa. La arquitectura de la década de 1580 influyó fuertemente en este estilo de mobiliario donde encontramos el mismo estilo poderoso y sobrio.
  • El Caquetoire o caqueteuse: es un pequeño asiento rudimentario del período del Renacimiento utilizado para cacarear (charlar). Apareció con muebles de estilo Enrique II , este es el primer espécimen de la silla del brazo (sin relleno) equipados con apoyabrazos en el XVI °  siglo y también la faudesteuil se convirtieron en la silla en 1636. Su archivo se está inclinado unos 12 grados para aumentar la comodidad.
  • Sillón  : es un asiento , derivado del caquetoire y el sillón , provisto de apoyabrazos y un respaldo cuya altura se reduce y ya no supera la cabeza del ocupante. Es en este tipo de asiento donde aparecen los primeros equipamientos en Francia (en Italia aparecen antes).
  • Silla Vertugadin  : o vertugale es una réplica del sgabello italiano.
  • Pinza de asiento o Dantesca (reminiscencia de faudesteuil flexión de la XII º y XIII th  siglos).
  • La Mesa  : es una “invención” del Renacimiento . La Edad Media los ignoró, quienes instalaban una bandeja voladora sobre caballetes cuando era necesario. De este modo, se convierten en el XVI °  siglo construyó una pieza de mobiliario, de madera o de piedra, de las cuales la placa se fija por sus extremos en los pies a menudo unidas por una cruz en el patrón arqueado o con aberturas. La mesa "abanico", cuyo modelo probablemente procede de Italia , constituye la apoteosis de esta inventiva. Los pies dispuestos a ambos lados de la parte superior se ensanchan gradualmente desde la parte inferior hacia la parte superior, tomando luego la forma de un abanico , pretexto para presentar una decoración ricamente tallada con volutas , follajes y frutos, a menudo unidos en el medio por un pilastra estriada.

Esmaltes pintados de Limoges

Apodado Opus Lemovicense , "Obra de Limoges  " en América , la técnica del esmalte en el cobre había hecho la fortuna de esta ciudad al XII ° y XIII th  siglos, con sus famosos esmaltes champleve , pseudo-champlevé o tabicado . Después de haber tenido un gran éxito en Europa occidental, la ciudad fue duramente golpeada por la Guerra de los Cien Años antes de ser saqueada por los ejércitos de Eduardo de Woodstock en septiembre de 1370. La producción parecía haber cesado durante más de un siglo antes de reaparecer en el último trimestre del XV º  siglo, pero de acuerdo con una técnica diferente, esmaltes están ahora pintado en placas de cobre. Sin conocer las circunstancias de su renacimiento o posibles vínculos con experiencias en la XV ª  siglo en Francia , en Flandes o Italia , la técnica aparece inmediatamente perfectamente controlado. Los esmaltes pintados se convirtieron, como en su tiempo los esmaltes champlevé , en el monopolio de los talleres de Limousin .

Los primeros esmaltes pintados se realizan mediante esmaltes de colores sobre un esmalte que, extendido sobre una placa de cobre, sirve de soporte. Son más pinturas sobre vidrio que esmaltes translúcidos. Por eso, no es de extrañar encontrar en el origen de la pintura de esmalte a los vidrieros de Murano , Italia y los pintores de vidrieras de Limoges . Pero, mientras que en Italia las pinturas de esmalte no progresaron, en Limoges sufrió muchas mejoras. Mientras que muchos artistas italianos pintaban sus esmaltes sobre plata, los esmaltadores de Limousin adoptaron el cobre en láminas delgadas, menos costosas y por lo tanto más fáciles de vender. De hecho, el carácter comercial se acentúa mucho en los primeros productos que salen de los talleres de Limoges .

Esmalte pintado se convierte en el XVI °  siglo, casi exclusiva de la especialidad de esmalte de Limoges . De hecho, son los únicos que han aprovechado la técnica del esmalte pintado para hacer de sus creaciones los soportes de representaciones figurativas.

Si el esmalte, que no es resistente a los golpes, es apto para objetos devocionales, difícilmente lo es para vajilla de uso general: las jarras , las tazas y los platos cubiertos son, por tanto, objetos ceremoniales, destinados a ser exhibidos y exhibidos, como los cubiertos o la mayólica italiana , la riqueza, el refinamiento y la cultura de su dueño.

Los años 1530-1540 están marcados por muchos cambios y representan una verdadera edad de oro. El reverso de las placas ahora está cubierto con un esmalte trasero translúcido. En la continuidad del estilo Luis XII , los esmaltadores perpetuaron la producción de objetos religiosos pero también comenzaron a crear vajillas: tazas, saleros y objetos de uso personal, como cajas.

El gris se convierte en un medio de expresión privilegiado y aparecen temas profanos o mitológicos . Finalmente, se adopta el estilo renacentista , conocido a través de los grabados que inspiran las composiciones.

El estudio de las piezas, en ocasiones firmadas, monograma o marcadas con señas de identidad , y las menciones encontradas en los archivos de Limousin , permiten identificar las principales personalidades artísticas: Les Pénicaud, Colin Nouailher, Pierre Reymond o Pierre Courteys . Sin embargo, las congruencias permanecen debido a los frecuentes homónimos: las iniciales IC también podrían cubrir varios Jean Court dit Vergier. El papel de los empleados y la producción de talleres secundarios sigue estando relativamente poco documentado.

El esmaltador más famoso es Léonard Limosin , por la diversidad y la calidad de su producción, en particular sus notables retratos. Introducido por el obispo de Limoges Jean de Langeac en la corte de Francia hacia 1535, trabajó para François I er y Enrique II , y de grandes personajes como el condestable Montmorency . En su imitación, el gusto por el esmalte toca a una clientela aristocrática

En el medio del XVI °  siglo, Limoges esmalte es apreciado por toda Europa . Así, entre 1558 y 1562 se envió a Limoges un servicio compuesto por una jarra , una bandeja y varias tazas, realizado para la familia Tucher de Nuremberg, para ser esmaltado en el taller de Pierre Reymond , antes de ser montado por el orfebre Wenzel Jamnitzer .

Al comienzo del XVII e  siglo , la producción sigue siendo importante cuantitativamente, pero no alcanza más que excepcionalmente los niveles de calidad y la inventiva del siglo anterior: Posteriormente, se dirige a una clientela menos aristocrática.

Joyería y orfebrería

En orfebrería, el maestro Pierre Mongo ejecuta cajas revestidas de nácar sobre un núcleo de madera. Las monturas de plata dorada soportan pequeños retratos de tondo distribuidos por todo el perímetro.

Bajo el impulso de Enrique II y luego de Carlos IX, la orfebrería se convirtió en un arte muy logrado y buscado porque resume en un espacio reducido un arte refinado cuyas obras son fáciles de transportar.

François Briot es considerado, con su famosa jarra y su palangana, como el líder de la escuela de alfarería de peltre de Lyon. Probablemente salió de Lyon hacia 1572 y se encontró en Damblain , donde se le informó en 1576 y 1578. Además de las monedas del condado de Montbéliard , grabó algunas medallas , tanto en Montbéliard como en Stuttgart , una piedra preciosa para la corona. . de Inglaterra . Como alfarero de estaño , además de la "templanza" palangana y jarra , que pertenecen respectivamente a la Louvre y los museos Écouen , le debemos el llamado " marzo  " jarra , una copia del cual se conserva. En el museo de Nuremberg , y su cuenca, de la que el museo Montbéliard tiene copia. Sabemos de la existencia de un molde para un jarrón y otro para un salero.

Arte de vidrieras

Noel Bellemard  : maquetas y cajas para el Juicio de Salomón y su vidriera en Saint Gervais-Saint Protais en París .

Grabar Leprince  : Vitrail Charles V , en Isle Adam.

Lenguaje y literatura

El rey Francisco I se trasladó por primera vez a Fontainebleau , donde trasladó la biblioteca real. François I er trabajo mucho para la lengua francesa  : en 1539 , se firmó la Ordenanza de Villers-Cotterets , dando a la lengua francesa su condición de lenguaje de la ley y de la administración . Uno de los rasgos más característicos del renacimiento en Francia, y uno de los más duraderos, es la aparición del francés como única lengua oficial , un estatus otorgado por el soberano. Sin embargo, la gran mayoría de la población, especialmente en las provincias, sigue hablando dialectos (picardo, normando,  etc. ) e idiomas distintos del francés (tal es el caso, por ejemplo, en los territorios de la lengua de oc donde l 'hablamos occitano ). Al mismo tiempo, Du Bellay denunció la italianización de la lengua francesa.

Entre los escritores más famosos del Renacimiento francés se pueden citar a François Rabelais , Marguerite de Navarre , Clément Marot , Maurice Scève , Louise Labbé , Pierre de Ronsard , Joachim du Bellay , Étienne de La Boétie y Michel de Montaigne .

Ver :

Educación

La Universidad de París , preservando al mismo tiempo el prestigio ganado en el XIII °  siglo ( Tomás de Aquino ) está detrás del movimiento de renovación de otras universidades de Europa incluyendo Salamanca , Lovaina. La renovación se hizo efectiva en la década de 1530, cuando sentimos que se manifestaba la efervescencia intelectual. París era entonces la principal ciudad universitaria de Europa , con muchas universidades (alrededor de 80). Ignace de Loyola decide estudiar en la Universidad de París , principalmente por el prestigio que conserva esta universidad en Europa , pero también por una mayor tolerancia. François Xavier , discípulo de Ignace de Loyola , también recibió su formación en la Universidad de París .

Los jesuitas retoman esta tradición de educación, respetando el legado de Tomás de Aquino: Pierre Favre es helenista, y está muy familiarizado con la filosofía escolástica , así como con la filosofía de Aristóteles .

Ver :

Grandes descubrimientos: expediciones francesas

La participación de Francia en los grandes descubrimientos se realizó, por las razones ya mencionadas, con un detrás de los países del sur de Europa.

Mientras Portugal estableció una primera colonia en el norte de África ya en 1415 , y se embarcó en exploraciones alrededor de África , mientras que los navegantes españoles llegaron a Centroamérica y Sudamérica antes del final del XV °  siglo , Francia esperó hasta el final de 1523 , para enviar Giovanni da Verrazzano , en francés Jean de Verrazane para explorar el área entre Florida y Terranova . Esta expedición fue encargada por el rey François I er con el fin de descubrir un acceso con vistas al Océano Pacífico .

El acondicionamiento del barco de Jean de Verazzane , La Dauphine, tiene lugar en Le Havre . Zarpó de Dieppe en junio de 1523, pasó por alto Bretaña y luego se dirigió al sur hacia el golfo de Vizcaya . Recorre la costa norte de España y se dirige a Madeira, donde se detiene para repostar. Después de haber aplazado su partida en dos ocasiones, el 17 de enero de 1524 a bordo de La Dauphine , que luego emprendió la travesía del Atlántico , a la cabeza de una tripulación de unos cincuenta marineros, a los que ha completado casi el cabo del miedo en 1 st de marzo de 1524.

Después de un breve fondeadero, navegó hacia el norte a lo largo de la costa de lo que ahora es Carolina del Norte y pensó que podía ver el Océano Pacífico detrás de una estrecha franja de tierra. En realidad, era solo la laguna de Pamlico Bay , de ciento treinta kilómetros de largo y cuyo ancho alcanza en algunos lugares los 48 kilómetros, separada del Atlántico por los Outer Banks , una barrera de islas arenosas. Este error llevó a los diseñadores de mapas, comenzando con Vesconte Maggiolo , en 1527, y el hermano de Giovanni, Girolamo da Verrazzano , en 1529, a representar América del Norte casi dividida en dos partes conectadas por un istmo . Esta mala interpretación tardó un siglo en corregirse.

Más al norte, Verrazzano descubrió, el 17 de abril de 1524, la bahía de Nueva York , a la que llamó “  Nueva Angoulême  ” 8 (hoy el puente Verrazano-Narrows recuerda esta visita). Continuó su viaje hacia el este, hacia Maine , luego Terranova y regresó a Francia.

De regreso tras seis meses de viaje, Verrazzano prepara una nueva salida para encontrar un pasaje a Asia . Sin embargo, sus barcos fueron requisados para la guerra y la captura de Francisco I er a la batalla de Pavía por terminado este proyecto .

En 1525, Girolamo, hermano de Giovanni Verrazzano, dibujó un mapa náutico del Mediterráneo en Lyon .

Durante el cautiverio del rey de Francia, Verrazzano asistió a las cortes de João III de Portugal y Enrique VIII de Inglaterra. Mientras Europa conoce la historia de la circunnavegación de Magallanes y el descubrimiento de las Molucas , España envió en abril de 1526 a Sebastián Cabot a buscar un camino hacia el Pacífico. En la primavera de 1526, Verrazzano regresó a Francia, donde tomó forma un nuevo proyecto bajo los auspicios del almirante Philippe Chabot y el armador Jean Ango .

En junio de 1526, Verrazzano volvió a dejar los mares de Europa con su hermano Girolamo y tres barcos para intentar cruzar el Cabo de Buena Esperanza . Una tormenta y un motín impiden el avance de los hermanos Verrazzano, pero el tercer barco llega al Océano Índico . Queriendo llegar a Madagascar , gira hacia el este y el norte hasta Sumatra antes de regresar hacia las Maldivas . La tripulación naufraga en Madagascar desde donde algunos supervivientes llegan a Mozambique . Durante este tiempo, los hermanos Verrazzano remontan la costa de África para ir a Brasil , donde cargan pernambuco . En septiembre de 1527 regresaron a Francia.

Un último viaje en 1528, contado por Girolamo da Verrazzano , los lleva a las Antillas (quizás Guadalupe ) donde se dice que Giovanni fue asesinado por caníbales indígenas .

En 1532 , cuando estalla una guerra entre la corona de Portugal y los armadores normandos frente a Brasil , un Jacques Cartier , hijo de un pescador codfisher de St. Malo, es presentado a François  I er por Jean Le Veneur , obispo de Saint-Malo y abad de Mont-Saint-Michel . Esto evoca viajes que Cartier ya habría realizado "en Brasil y en Terranova", para afirmar que supo "conducir barcos al descubrimiento de nuevas tierras en el nuevo mundo". Recibir un encargo del rey de Francia, y convirtiéndose en este sentido, el sucesor de Giovanni da Verrazano , Cartier dirigirá, a expensas del rey, tres viajes a América del Norte entre 1534 y 1542 , con la esperanza de encontrar un pasaje de Asia. , Si no riqueza.

En 1534 durante su primera expedición a América  : Jacques Cartier descubrió Canadá, que luego se llamaría la nueva Francia . Después de sólo veinte días de travesía (del 20 de abril al 10 de mayo), Cartier llegó a Terranova , con sus dos barcos y una tripulación de 61 hombres. Explora a fondo el Golfo de San Lorenzo desde el 10 de junio . El viernes 24 de julio desmontó en Gaspé , plantó allí una cruz de diez metros , reclamando la región para el rey de Francia . Las tropas francesas se encuentran allí con los iroqueses del San Lorenzo , que han venido a pescar, que los reciben sin mucho agrado. El jefe amerindio, Donnacona , después de las protestas, finalmente permitió que Cartier trajera a dos de sus "hijos" a Francia. El regreso a Saint-Malo es el 5 de septiembre después de otra breve travesía de 21 días.

Un segundo viaje tuvo lugar en 1535 - 1536 y comenzó el 19 de mayo. Esta expedición incluyó tres barcos, La Petite Hermine (60 toneladas), L'Émérillon (40 toneladas) y la nave que transportaba Cartier, la Grande Hermine (120 toneladas). Cartier luego sube por el curso del San Lorenzo , descubriendo que está navegando en un río cuando el agua se vuelve fresca. El 3 de septiembre, informó en su cuaderno de bitácora que había visto belugas en el río.

En la Île d'Orléans , el 7 de septiembre , frente a Stadaconé , encontramos Donnacona, algunos de los hombres se quedan y construyen un fuerte, preparándose para la primera invernada conocida de los franceses en Canadá . Cartier siguió ascendiendo por el río Émérillon , cuyo calado pronto le impidió continuar más allá del lago Saint-Pierre  : fondeó el Émérillon allí y la tripulación continuó en barcos.

El 2 de octubre de 1535, Jacques Cartier y sus compañeros llegaron a la región del asentamiento llamado Hochelaga . Al caer la noche, todos se retiran a bordo de los barcos. A la mañana siguiente, temprano, con sus caballeros y veinte marineros armados, Cartier se dirige a pie hacia este pueblo, por un camino bien trazado. Caminando dos leguas (unos 8  km ), finalmente pueden ver este pueblo empalizado con troncos de árboles , sobre una colina y rodeado de tierra cultivada, llena de maíz (conocido como maíz ), como describirá el paisaje que rodea a Hochelaga . Él nombrará Mont Royal , esta montaña de la isla y la ciudad que hoy se llama Montreal .

El pueblo tiene en su muralla circular solo una puerta de entrada (salida). Hay alrededor de cincuenta " casas comunales  " comunitarias  . El jefe del pueblo afirma que se puede seguir remontando el río hacia el oeste durante tres lunas y, desde el río Ottawa , dirigirse hacia el norte y entrar en un país donde hay oro (que es la actual gran región de Abitibi ).

Las relaciones con los iroqueses de San Lorenzo son buenas, a pesar de algunas disputas menores, que nunca degeneran en violencia. Cartier, sin embargo, descubre los primeros cueros cabelludos en la casa de Donnacona . Allí también prueba el tabaco , que no le gusta. Llega el invierno de Norteamérica y sorprende a los franceses, el río congela y atrapa los barcos.

Cartier y sus hombres pasan el invierno cerca del río Sainte-Croix (ahora conocido como río Saint-Charles , en Quebec ). Los hombres sufren de escorbuto , los iroqueses también están afectados, los franceses mueren mientras que los amerindios están mucho mejor. Cartier, salvado, descubre que los Micmacs se tratan a sí mismos con una infusión de agujas y corteza de pino. Aplicó el tratamiento a sus hombres y pronto las curaciones se multiplicaron. En abril, Cartier toma la fuerza de Donnacona para presentársela a François I er con ambos "hijo" (¿sobrinos?) Y otros siete iroqueses  ; luego, aprovechando el deshielo, zarpó hacia Francia, abandonando La Petite Hermine , "por falta de una tripulación suficientemente numerosa" (25 de los 110 tripulantes habían muerto de escorbuto). Después de pasar por Saint-Pierre-et-Miquelon , regresó a Saint-Malo en julio de 1536 , creyendo que había explorado parte de la costa oriental de Asia .

El Sitio Histórico Nacional Cartier-Brébeuf conmemora esta invernada de Jacques Cartier. El tercer viaje tiene lugar entre 1541-1542. La organización de la expedición se confió a Jean-François de La Rocque de Roberval , un hombre de la corte, que Cartier no lo era. Esta vez solo será la segunda de Roberval. La colonización y la propagación de la fe católica se convierten en los dos objetivos. Donnacona murió en Francia alrededor de 1539 , como otros iroqueses del San Lorenzo , otros se casaron allí, ninguno volvería de Francia. Preparamos la expedición, armamos cinco barcos, embarcamos ganado, liberamos prisioneros para hacer colonos. Roberval se queda atrás en la organización y Cartier se impacienta y decide embarcarse en el océano sin esperarlo. Después de una travesía calamitosa, finalmente llegó al sitio de Stadaconé en agosto de 1541 , después de tres años de ausencia. La reunión es cálida a pesar del anuncio de la muerte de Donnacona, luego las relaciones se deterioran y Cartier decide establecerse en otro lugar.

Hizo construir Fort Charlesbourg-Royal en la confluencia del río Saint-Laurent y el Cap Rouge , para prepararse para la colonización. Pronto llega el invierno y Roberval sigue siendo invisible, junto con el resto de la expedición. Mientras tanto, Cartier acumula "oro y diamantes", que negocia con los iroqueses del San Lorenzo , quienes dicen que los recogieron cerca del campamento. En 1542 , Cartier levantó el campamento y se reunió con Roberval en Terranova . A pesar de la orden que le dio este último de regresar y regresar al Saint-Laurent , Cartier zarpó hacia Francia.

Tan pronto como llegó a Francia, hizo tasar el mineral, y se enteró de que solo traía pirita y cuarzo , sin valor. Su percance está en el origen de la expresión “falsos como diamantes de Canadá”… y del topónimo actual, “  Cap Diamant  ”, para designar el extremo oriental del promontorio de Quebec.

Cartier luego se retiró a su mansión Limoëlou en Rothéneuf , cerca de Saint-Malo. Se presume que fue ennoblecido, porque está calificado como Sieur de Limoilou , en un acto del capítulo de Saint-Malo , fechado29 de septiembre de 1549; en otro acto, fechado5 de febrero de 1550, lleva el título de hombre noble.

Murió el 1 st de septiembre de 1557 , probablemente de la peste que afectó a la ciudad ese año. Sus supuestos restos, encontrados en 1944 , descansan hoy en la catedral de Saint-Malo . Según un extracto de los papeles familiares de Garnier de Fougeray, está escrito que su cuerpo fue enterrado el mismo día de su muerte, en la catedral, por su familiar y amigo Michel Audiepvre.

Arte de vivir

El período del Renacimiento corresponde a una profunda renovación del modo de vida. Están surgiendo nuevas frutas y verduras en toda Europa . La gastronomía y la vajilla evolucionan paulatinamente. Los hábitos de vestir también están cambiando.

Economía

El desarrollo urbano en París durante este período (calles más grandes, casas burguesas, ayuntamientos), favoreció el desarrollo de negocios (panaderos, carniceros, arrendatarios). La burguesía se vuelve cada vez menos al comercio y cada vez más a la ley.

Notas y referencias

Notas

  1. La palabra término designa en el arte de la escultura clásica los diversos elementos arquitectónicos esculpidos, originalmente compuestos por un busto humano, a falta del dios Hermes o siendo un mitológico sin brazos, terminando en una vaina (a veces formando un pedestal ).
  2. A principios de la década de 1590, los términos propuestos por Sambin se convirtieron en referencias famosas. Boillot propone otras figuras de términos en 1592, así como variaciones bestiales de Dietterlin.

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Ver también

Bibliografía

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