Título de Quebec | Traducción infiel |
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Titulo original | Perdido en la traducción |
Producción | Sofia coppola |
Guión | Sofia coppola |
Actores principales | |
Compañías de producción |
Películas elementales del zoótropo americano |
País de origen |
Estados Unidos Japón |
Amable | Comedia dramática |
Duración | 102 minutos |
Salida | 2003 |
Para más detalles, consulte Ficha técnica y Distribución
Lost in Translation , o Traduction infidèle auQuébec, es unapelículaestadounidense-japonesadeSofia Coppolaestrenada en2003. Estacomedia dramáticaes la segunda película de la directora, quien también escribió el guión basado en sus estancias enJapón. El tema de la película es el encuentro en un hotel deTokiode dos estadounidenses (interpretados porBill MurrayyScarlett Johansson) perdidos en una cultura totalmente ajena a ellos, así como a sus propias vidas, y que forjan un vínculo especial . A través de sus experiencias, la película ofrece una reflexión sobre el aislamiento, el malestar, la cultura y el idioma japoneses.
La película, financiada de forma independiente , se rodó en Japón en poco más de un mes. El escenario deja mucha libertad a los actores para improvisar, en particular a Bill Murray, cuyo papel fue escrito específicamente por Sofia Coppola . Tras su estreno, la película fue aclamada por la crítica y logró un éxito comercial significativo dado su modesto presupuesto. Ha ganado numerosos premios, entre ellos el Oscar al mejor guión original , el Globo de Oro a la mejor película musical o de comedia , los Premios de Cine de la Academia Británica al mejor actor y mejor actriz, así como el César a la mejor película extranjera .
Bob Harris, un actor estadounidense envejecido con una carrera inestable, llega a Tokio , Japón , para filmar un anuncio de un whisky de la marca Suntory , un contrato que aceptó en parte por dinero y en parte para escapar de su esposa. Incapaz de adaptarse al jet lag y a la situación actual, pasa la mayor parte del tiempo en el hotel de lujo donde reside, un rascacielos que domina la ciudad. Mientras tanto, Charlotte, una joven recién graduada de la universidad que ha venido a Tokio para acompañar a su esposo John, un fotógrafo célebre, está aburrida y sola, insegura sobre su futuro y sus sentimientos hacia el hombre con el que se casó. John se dedica por completo a su trabajo, dejando a Charlotte en beneficio de las celebridades que conoce, como Kelly, una actriz.
Poco después de su llegada, Bob y Charlotte, quienes sufren de insomnio, se encuentran en el hotel y comienzan a hacer amigos. Después de varios breves encuentros, Charlotte invita a Bob a una fiesta con amigos japoneses y los lazos entre los dos se hacen más fuertes, lazos amplificados por el choque cultural que ambos sienten y el aislamiento que experimentan. Pasan mucho tiempo juntos y una noche tienen una conversación sincera sobre sus problemas. Sin embargo, la penúltima noche antes de irse, Bob se acostó con el cantante del hotel. Al día siguiente, cuando Charlotte se entera, se crea tensión entre ellos y se pelean. Sin embargo, se reconcilian durante la noche gracias a una alarma de incendio.
A la mañana siguiente, Bob está listo para partir hacia los Estados Unidos , y él y Charlotte, ambos avergonzados, se despiden en el hotel. Mientras se dirigía al aeropuerto, Bob ve a Charlotte entre la multitud. La encuentra y la abraza, susurrándole algo al oído. Se besan y se vuelven a despedir.
Sofia Coppola se basó en sus experiencias en la década de 1990 para escribir el guión de la película. Durante este tiempo hizo varios viajes a Tokio , incluyendo la toma de fotografías y la promoción de su primera película, y siempre le atrajeron las luces de neón de las calles de la ciudad. También describe el Hotel Hyatt en Tokio, donde se rodaron la mayoría de los interiores de la película, como uno de sus lugares favoritos en el mundo debido a su tranquilidad, diseño y combinación de diferentes culturas. Después de escuchar la interpretación de la canción God Save the Queen of Sex Pistols de su amigo Fumihiro Hayashi (Charlie en la película) en un karaoke , decide que quiere ponerla en una película, y enciende la ciudad y el Hyatt. Coppola pasa seis meses escribiendo el guión de la película, escribiendo impresiones e historias cortas que luego une. Para crear la relación romántica pero no sexual entre sus dos personajes principales, se basó en la dinámica entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall en Le Grand Sommeil (1946).
Por su propia admisión, Sofia Coppola quería hacer una película romántica sobre dos personajes que tienen un breve encuentro, la línea de tiempo de la historia se acortó intencionalmente para enfatizar este punto. El título de la película hace referencia a una definición de poesía del poeta estadounidense Robert Frost : "La poesía es lo que se pierde en la traducción " , una posible traducción de la cual es: "La poesía es lo que se pierde en una traducción" . Una escena de la película ilustra el título cuando un intérprete traduce de manera muy incompleta una conversación entre Bob Harris y el director del comercial que va a rodar. Sin embargo, más allá de este significado primordial, los dos protagonistas de la película también se pierden en sus matrimonios y en sus vidas en general, y este sentimiento se ve amplificado por el choque de culturas.
Con el deseo de tener un control creativo total, Coppola busca financiar su película vendiendo sus derechos de distribución a diferentes empresas según el país. Virgin Suicides, que fue un éxito en Japón y Lost in Translation se rodará en Tokio, Tohokushinsa Film rápidamente adquirió los derechos para este país. Ross Katz , productor de la película, persuadió luego a otras empresas como Pathé en Francia para que compraran los derechos de distribución nacional y Focus Features acordó invertir en el proyecto, lo que permitió cerrar el presupuesto de US $ 4.000.000.
Sofia Coppola piensa desde el principio de Bill Murray para protagonizar el papel masculino. Como el actor es muy difícil de localizar, ella le envía cartas y le deja mensajes telefónicos durante cinco meses. Para convencerlo, pide ayuda a Wes Anderson , que ha dirigido a Murray en dos películas, y al guionista Mitch Glazer, un amigo que tienen en común. Coppola y Murray acaban encontrándose en un restaurante de Nueva York y él da su acuerdo en principio, sin firmar contrato. Como la filmación está cerca de comenzar, Coppola se encuentra en un estado de extrema tensión, pero Murray termina llegando a Tokio una semana antes del inicio de la filmación.
Para el papel principal femenino, Coppola contrata a Scarlett Johansson , a quien notó en Manny & Lo (1996) y que le recuerda a una joven Lauren Bacall , aunque es más joven que su personaje. De hecho, aprecia su voz ronca, la madurez que exuda y la forma en que transmite sentimientos sin exagerar. Coppola también afirmó que hay una parte autobiográfica en este papel y que la actriz le hace pensar en ella a su misma edad. Johansson aceptó de inmediato el papel de Charlotte.
Giovanni Ribisi (quien hizo el papel de narrador en Virgin Suicides ) fue elegido para interpretar al marido de Charlotte e hizo algunos ensayos con Johansson antes de volar a Japón, ensayos que serán los únicos en la producción. Anna Faris es contratada poco antes del rodaje y le preocupa no encontrar el tono de la película, pero Coppola dice que su actuación, especialmente durante su actuación en el karaoke de Nobody Does It Better , la hizo "reír a carcajadas" " .
Las localizaciones las realizan Sofia Coppola, Ross Katz y Lance Acord , el director de fotografía , amigo de Coppola que conoce muy bien Tokio. Coppola hace un álbum de fotografías de 40 páginas para el equipo de filmación para que todos puedan tener una idea de la imagen deseada para la película. El rodaje se lleva a cabo desde29 de septiembre a 8 de noviembre de 2002, principalmente en Tokio en el hotel Park Hyatt, en Shinjuku Park Tower , y en el distrito de Daikanyama y también en Kioto , en el santuario Heian y Ryōan-ji . Comienza con las escenas que tienen lugar en el hospital. El equipo de filmación es en gran parte japonés y Coppola tiene que pasar por su asistente de dirección para dar instrucciones al equipo y a los extras, lo que hace que la filmación lleve mucho tiempo. La diferencia con un rodaje habitual también se siente cuando, durante una escena en un restaurante de sushi , el rodaje se retrasó diez minutos, el dueño del restaurante apagó todas las luces porque no se había respetado el horario programado, lo que terminó la escena en la oscuridad. Este tipo de pequeñas horas extraordinarias se considera algo común en un rodaje anglosajón, pero como una falta significativa de respeto en Japón y el incidente llevó a la renuncia del director de escena japonés.
Lance Acord busca favorecer al máximo la luz natural y evita grandes movimientos de cámara, favoreciendo los primeros planos. Corre la mayoría de las escenas con una cámara Aaton de 35 mm . Esta cámara portátil se utiliza con películas que tienen una alta sensibilidad ISO , lo que permite filmar en lugares públicos poco iluminados de forma discreta y con un estilo íntimo y casi documental. Algunas tomas se toman sin sonido, la cámara graba solo para capturar el estado de ánimo. Coppola rota sin permiso en ciertos lugares, como el metro o el cruce de Shibuya , evitando la atención de la policía al emplear un equipo muy reducido. El hermano de Sofía, Roman Coppola, lidera un segundo equipo encargado de hacer mapas indistinguibles de Tokio con luces de neón.
Las escenas en el hotel que involucran a los dos actores principales (que se conocen por primera vez en el set) se filman en su mayoría en el orden cronológico de la película. La mayoría de las escenas en el Hyatt se filman de noche, comenzando en la segunda semana, ya que la gerencia del hotel no permite que el equipo filme hasta la 1 a.m. Coppola les da a sus actores un amplio margen de maniobra para cambiar el diálogo, y algunas escenas, como la del karaoke, se improvisan casi por completo. Respecto a la escena final de la película, que solo se describe vagamente en el guión, Coppola le dice a Murray que bese a Johansson pero sin informar a la actriz para tener más espontaneidad. Lo que le susurra al oído, demasiado bajo para grabarlo, tampoco está especificado en el guión, y Coppola consideró la idea de hacerlo audible en la post-sincronización antes de decidir que era mejor dejar eso entre los dos. El rodaje termina con las escenas de Johansson en Kioto. Sarah Flack comenzó a editar la película en Nueva York mientras filmaba, se le enviaban cintas de video por correo electrónico con regularidad y luego pasó diez semanas con Coppola haciendo la edición.
La banda sonora , supervisada por Brian Reitzell , es una mezcla de temas de dream pop ; fue lanzado en el sello Emperor Norton Records en9 de septiembre de 2003. Incluye cinco temas de Kevin Shields , cantante y guitarrista del grupo My Bloody Valentine . Heather Phares, de AllMusic , la define como una "banda sonora impresionista y romántica que juega un papel casi tan importante como los de Bill Murray y Scarlett Johansson" .
Durante la escena del karaoke , Scarlett Johansson canta Brass in Pocket de los Pretenders y Bill Murray interpreta (What's So Funny 'Bout) Peace, Love and Understanding , popularizado por Elvis Costello . Murray y Sofia Coppola eligieron juntas More Than This de Roxy Music , debido a su amor común por este grupo y porque la letra coincidía con la historia. La canción final de la edición internacional del álbum contiene una canción oculta (después de un largo período de silencio). Es simplemente la actuación de karaoke de Bill Murray en More Than This . La edición japonesa contiene la canción 50 Floors Up , de Brian Reitzell y Roger J. Manning Jr, como bonus track .
2003 : Lost in Translation: Música de la banda sonora de la película
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La película está propuesta para competir en el Festival de Cannes de 2003, pero el comité de selección la rechaza, para disgusto de Thierry Frémaux , quien la considera uno de sus mayores contratiempos, reforzado por una edición del festival muy criticada ese año. La película se proyecta por primera vez en público en el Festival de Cine de Telluride el29 de agosto de 2003. Después de un lanzamiento limitado en 23 cines en12 de septiembre, se lanza en los Estados Unidos el3 de octubreen 864 salas de cine. Recibiendo una excelente publicidad de boca en boca de los espectadores, la película fue un éxito que sorprendió a los espectadores. Recaudó US $ 119,723,856 en la taquilla mundial, incluidos US $ 44,585,453 en América del Norte , lo que lo convirtió en un gran éxito comercial dado su muy modesto presupuesto.
Atrajo a 1.328.922 espectadores en Francia , 270.546 en Suiza , 177.184 en Bélgica y 87.111 en Quebec . Superó los dos millones de admisiones en Reino Unido (2.239.895) y el millón de admisiones en Alemania (1.113.252) y España (1.095.809).
País | Taquilla | País | Taquilla | País | Taquilla | ||
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+ | $ 44,585,453 | Brasil | 1,351,146 $ | Grecia | $ 588,150 | ||
Reino Unido | $ 17,986,199 | México | 1,182,175 $ | Argentina | $ 535,213 | ||
Francia | $ 8,730,794 | Austria | 1.034.853 $ | Rusia | $ 349,128 | ||
Alemania | $ 7,410,337 | Nueva Zelanda | $ 992,222 | Hong Kong | $ 333,628 | ||
España | $ 6,904,520 | Noruega | $ 934,999 | Chile | $ 300,330 | ||
Australia | $ 4,682,460 | Finlandia | $ 920,338 | pavo | $ 218,436 | ||
Italia | $ 3,447,429 | Polonia | $ 917,530 | República Checa | $ 182,701 | ||
Países Bajos | 1,571,127 $ | Portugal | $ 639,563 | Colombia | $ 177,512 |
La película fue aclamada casi unánimemente por los críticos, obteniendo un 95% de críticas positivas con una calificación promedio de 8.5 / 10 y basada en 228 críticas recopiladas en el sitio web Rotten Tomatoes . Tiene una puntuación de 89/100 basada en 44 reseñas en Metacritic . En 2008 , la revista Empire ha situado en el 128 º lugar en su lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos.
Roger Ebert del Chicago Sun-Times le otorgó 4 estrellas sobre 4 , evocando una película "tan dulce y triste como sardónica y divertida" con "dos espléndidas interpretaciones" de Bill Murray y Scarlett Johansson . Lisa Schwartzbaum de Entertainment Weekly le da una calificación de "A" , diciendo que "lo más asombroso de esta encantadora película es la precisión, madurez y originalidad con la que Sofia Coppola se comunica tan claramente en su lenguaje cinematográfico" y que es lo mejor de Bill Murray. papel hasta ahora. Para Mike Clark de USA Today , la película "ofrece un humor discreto en lugar de los ataques directos que nos dan la mayoría de las comedias contemporáneas" y Murray y Johansson "parecen tan naturales juntos que hay que pellizcarse para pensar en su diferencia. 'Edad' . Richard Corliss de Time Magazine plantea el "toque espiritual de los diálogos que parecen improvisados pero revelan, de manera indirecta, el sentimiento de dislocación de los personajes" . Peter Travers de Rolling Stone evoca una película "notable" escenario "inteligentemente evanescente" donde Bill Murray actualiza con talento "grietas emocionales" de su personaje mientras "ríe" a veces y que Scarlett Johansson es "sorprendente" de "Gracia sutil" . Entre las pocas críticas encontradas, Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader cree que Sofia Coppola hizo "un gran trabajo al sacar lo mejor de sus dos actores principales" y "un trabajo bastante bueno capturando la vibra de la vida nocturna de Tokio y mostrando la sensación. De ser una extraña en este mundo ”, pero él “ no estaba seguro de que ella hubiera logrado algo más ” .
La película también recibió críticas negativas. En un artículo de The Guardian , Kiku Day escribió que “no hay escena en la que a los japoneses se les dé una pizca de dignidad. El espectador se ve obligado a reírse de esta gente pequeña y amarilla y de sus extraños modales ” . En otro artículo de The Guardian , el periodista David Stubbs describe a los personajes de Lost in Translation como "estadounidenses mimados, aburridos, ricos y absolutamente hostiles" .
En Francia, la película obtiene una puntuación de 4,45 / 5 en la revista de prensa de Allociné . Florence Colombani du Monde subraya "el humor y la elegancia de la puesta en escena" y el don que tiene Sofia Coppola de "sugerir un máximo de cosas en un mínimo de palabras" . Emmanuel Burdeau de Cahiers du Cinéma evoca “el mejor cine, inmóvil y atento, ocupado en la interminable tarea de su autotraducción” . Serge Kaganski de Les Inrockuptibles considera que se trata de "una comedia romántica tan sutil como melancólica" . Jean-Pierre Coursodon de Positif evoca "una película muy libre, y a veces hilarante, al mismo tiempo secretamente nostálgica" . Para Martine Landrot de Télérama es una película "radiante, comedida y conmovedora [que] marca una fecha en la historia personal de quien la vio" y que se beneficia de la interpretación de "dos actores con una obra traslúcida y penetrante" . Didier Peron de Liberation propone la "ligereza de la forma" y la "profundidad de la sustancia" , un "estudio en modo menor de un cierto estado del individuo moderno dividido entre los sufrimientos de la ubicuidad y los arrebatos de la soledad última" .
Esta sección recapitula los principales premios y nominaciones obtenidos por la película. Para obtener una lista más completa, consulte Internet Movie Database .
Año | Ceremonia o premio | Premio | Llamado |
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2004 | |||
premios de la Academia | La mejor película | Ross Katz y Sofia Coppola, productores | |
Mejor actor | Bill Murray | ||
Mejor director | Sofia coppola | ||
Globos dorados | Mejor actriz de comedia o musical | Scarlett Johansson | |
Mejor director | Sofia coppola | ||
Premios BAFTA | La mejor película | ||
Mejor director | Sofia coppola | ||
Mejor guión original | Sofia coppola | ||
La mejor música | Kevin Shields y Brian Reitzell | ||
Mejor fotografía | Lance Acord | ||
Premio David di Donatello | MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA | ||
Premio del Sindicato de Actores de Cine | Mejor actor | Bill Murray | |
Premio del Gremio de Directores de América | Mejor director | Sofia coppola | |
Premios satélite | Mejor director | Sofia coppola | |
Mejor actriz de soporte | Scarlett Johansson | ||
Premios MTV Movie | Mejor actor | Bill Murray | |
Mejor revelación femenina | Scarlett Johansson | ||
Premios del Australian Film Institute | MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA | ||
2005 | |||
Unión de Críticos de Cine | Gran Premio | ||
León checo | MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA | ||
Premio Guldbagge | MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA |
El título de la película hace referencia a una escena durante la cual un director japonés da largas instrucciones al personaje interpretado por Bill Murray , la mayoría de ellas "perdidas" en la muy incompleta traducción que se le hizo al actor. Sin embargo, más allá de este aspecto, los dos protagonistas de la película, Bob y Charlotte, están perdidos en una cultura japonesa completamente ajena a ellos y sobre todo en su vida y en las relaciones con sus respectivos cónyuges, sentimiento amplificado por su desorientación. debido a la brecha entre culturas y que las lleva a establecer vínculos rápidamente. Emmanuel Burdeau sostiene que el exotismo ofrece "la oportunidad de una intimidad unida menos por un entendimiento que por compartir un estupor" y que la naturaleza ambigua de la relación entre Bob y Charlotte es en última instancia "poco importante" en comparación con la reflexión sobre la cultura y el idioma japoneses. Para Burdeau, la escena del karaoke tiene un "valor emblema" al "sustituir un idioma por otro, un doblaje por otro" y permite a Bob y Charlotte "volver a sintonizar la canción de su respectiva extrañeza" .
Para Jean-Pierre Coursodon , Bob y Charlotte están "vinculados por su angustia emocional" y tienen en común "una desconfianza del lenguaje basada en la conciencia de todas sus trampas" , como "el discurso implícito siempre subyacente" . Su inquietante situación en este país "extraño y extranjero" propicia un encuentro romántico, pero Sofia Coppola evita los tópicos de la comedia romántica haciendo más melancólica su película y dirigiéndola hacia una "meditación íntima sobre el aislamiento y el malestar" , siendo la soledad el hilo común. Sin embargo, el director se sacrifica al tradicional beso final, pero éste "no es ni erótico, ni prometedor de futuro" , "simplemente traduce la realidad de una emoción" . El académico Marco Abel clasifica Lost in Translation en la categoría de películas que pertenecen al movimiento "post-romántico" , cuya característica es ofrecer una perspectiva negativa sobre el amor y el sexo, rechazando los personajes la noción idealizada de monogamia durante toda su vida. .
La escritora y directora Anita Schillhorn van Veen interpreta la película como una crítica de la modernidad , según la cual Tokio es un mundo flotante moderno que ofrece placeres fugaces demasiado alienantes e inmorales para fomentar relaciones profundas. Maria San Filippo, escritora y conferencista, considera a Tokio una metáfora de las cosmovisiones de Bob y Charlotte. El ambiente pacífico del hotel representa el deseo de Bob por la seguridad y la tranquilidad, mientras que la atmósfera vibrante de las calles de la ciudad simboliza la voluntad de Charlotte de comprometerse con el mundo.
Aún así, según Maria San Filippo, la forma en que se ve a los japoneses solo desde el punto de vista de los turistas estadounidenses "podría ser decepcionante si no fuera tan fiel a la realidad" . Sofia Coppola sabe por experiencia propia "que los estadounidenses rara vez conocen a los japoneses lo suficiente como para descubrir su profundidad como seres humanos" . Para el profesor Robin Antepara, aunque la película transmite ciertos estereotipos, Charlotte, por otro lado, personifica el sentido de observación japonés, una cualidad que a menudo se pasa por alto. Emmanuel Burdeau insiste en la inversión de los "poderes ordinarios" de estadounidenses y japoneses, particularmente visible en las escenas de comerciales y sesiones de karaoke, donde japoneses locuaces y emocionados se oponen a los estadounidenses en la reserva y donde la feroz sátira "funciona sin preferencia en ambos direcciones " . Sofia Coppola se pregunta sobre la “moderación generosa” asociada a Japón, “¿pertenece a este país o se inventa en la desorientación? » , Y mantiene con esta película su « ambivalente fascinación por Japón » .
El ensayista Robert Hahn sugiere que Sofia Coppola usa el claroscuro para fortalecer su historia. Los tonos brillantes que dominan la película, dice, simbolizan el humor y el romance y contrastan con los tonos más oscuros que representan el sentimiento subyacente de desánimo. Compara estos juegos de luces con la técnica del pintor John Singer Sargent . El primer plano de la película, un primer plano de Charlotte en ropa interior rosa, se ha comparado con el de Brigitte Bardot en la primera escena de Desprecio (1963). Sin embargo, para Maria San Filippo, esta toma se utiliza en Le Mépris con el propósito de reflexionar sobre la objetivación sexual, mientras que Sofia Coppola parece buscar un objetivo puramente estético. El profesor de cine Geoff King señala que esta toma está marcada con un atractivo evidente por su potencial erotismo y un encanto más sutil por su calidad artística. Según él, es un ejemplo del encanto del cine, característico de las películas producidas por grandes estudios, y de sus atractivos más sutiles propios del cine independiente . En otro registro, el de la cita cinematográfica, está la película La dolce vita , con Marcello Mastroianni y Anita Ekberg , que Bob y Charlotte ven por televisión.
En el mercado de los videos, Lost in Translation se distribuye en DVD en3 de febrero de 2004en la región 1 y el7 de julio de 2004en la región 2 . Incluye varios bonos, incluyendo los making-of de la película, una entrevista con Sofia Coppola y Bill Murray escenas de corte, y cinco. La versión Blu-ray , con las mismas características adicionales, fue lanzada el4 de enero de 2011 en la región 1 y el 4 de enero de 2012en la región 2 .