Acortar

Un clip , également appelé vidéoclip (aussi écrit vidéo-clip ), clip vidéo ou clip musical («  music video  » en anglais ), est une réalisation multimédia, principalement audiovisuelle et communément courte, réalisée comme support d'un morceau de musique ou d 'una canción. El término proviene de un anglicismo falso , "  clip  " que en inglés significa "extracto", "pequeña porción" o "segmento", indicando aquí un video corto.

Inicialmente una simple herramienta de promoción al servicio de una canción, el clip se benefició de la década de 1980 en una mayor consideración artística y mayores recursos económicos. En 1983 Thriller de Michael Jackson , dirigida por John Landis , supuso un punto de inflexión en la historia de este medio que recibe a partir de este momento una mayor consideración por parte del público y del mundo audiovisual.

Posteriormente, otros clips se hicieron de culto y marcaron su época, como Take on Me (1984) del grupo A-ha , Libertine (1986) y Pourvu leur sont douces (1988) de Mylène Farmer , Black or White (1991) de Michael. Jackson , Around The World (1997) del grupo Daft Punk , ... Baby One More Time (1998) y Toxic (2004) de Britney Spears o incluso Can't Get You Out of My Head (2001) de Kylie Minogue y Si no te tengo (2015) de Tamar Braxton . También se crearon premios especiales para este formato, como los MTV Video Music Awards .

Hoy, a través de plataformas de video en línea como YouTube , el clip se ha convertido definitivamente en un formato audiovisual masivo que puede ser visto varios cientos de millones de veces, llegando incluso a mil millones de visitas. Por ejemplo, los videos musicales de Despacito (2017) de Luis Fonsi feat. Daddy Yankee , Shape of You (2017) de Ed Sheeran o See You Again (2015) de Wiz Khalifa feat. Charlie Puth se encuentran entre los videos más vistos en YouTube con varios miles de millones de visitas contados para cada uno de ellos.

Además, los clips se han convertido en un medio para que algunos artistas creen controversia debido a su contenido provocativo, a veces censurado por canales de televisión de música, como Call on Me (2004) de Eric Prydz , These Boots Are Made for Walkin ' (2005) de Jessica Simpson , Alejandro (2010) de Lady Gaga , S&M (2011) de Rihanna , Wrecking Ball (2013) de Miley Cyrus o Anaconda (2014) de Nicki Minaj .

Historia y evolución del clip

Antes de 1926: la "prehistoria" del clip

Buscar combinar imágenes en movimiento y sonido es una preocupación que surge desde las primeras películas de cine. En 1891 , el inventor e industrial estadounidense Thomas Edison , con la ayuda esencial de su asistente William Kennedy Laurie Dickson , diseñó una cámara de película , la cámara Kinetograph (Kinetograph: en griego, escritura en movimiento), como afirma Laurent Mannoni, curador de la cámaras de la Cinémathèque française  : "La cámara del estadounidense Thomas Edison , patentada el 24 de agosto de 1891, utiliza película perforada de 35 mm y un sistema de avance de película intermitente mediante" rueda de trinquete "y graba las primeras películas del cine [... ] Las cintas grabadas por Dickson son estrictamente hablando las primeras películas ” . Luego, las películas se muestran al público en una máquina de visualización individual, el kinetoscopio . Edison está lanzando una explotación exitosa de este dispositivo abriendo Kinetoscope Parlors en algunas ciudades, o autorizando la explotación bajo licencia en otras ciudades del territorio americano y en el extranjero. “Ciento cuarenta y ocho películas fueron filmadas entre 1890 y septiembre de 1895 por Dickson y William Heise dentro de un estudio construido en West Orange, Black Maria , una estructura montada sobre rieles, orientable según el sol. "

Ante este éxito, Edison se negó a desarrollar un dispositivo para proyectar películas en la gran pantalla , a pesar del consejo de Dickson de que tal proceso no encontraría ningún problema de diseño mecánico. Dickson también pondrá su talento a disposición de un competidor de Edison para diseñar un dispositivo de proyección, incluso antes de que los hermanos Lumière demostraran el atractivo superior de la proyección de imágenes fotográficas animadas frente a una audiencia reunida. Esta negativa de Edison encuentra su justificación en el propio planteamiento del inventor: ya ha inventado y comercializado el fonógrafo que todavía funciona con cilindros grabados . El sueño de Edison, que lo impulsó a estudiar la grabación y reproducción del movimiento, es acoplar imágenes con sonido. “Así podríamos asistir a un concierto de Metropolitan Opera cincuenta años después, cuando todos los intérpretes habrían desaparecido hace mucho tiempo. » Desde los años 1887-1888, pensó que había resuelto el problema montando sobre el mismo eje de rotación (por lo tanto en perfecto sincronismo) un grabador de cilindros y junto a él, un cilindro (llamado tambor fotográfico) de vidrio recubierto de húmedo. colodión. , un producto fotosensible . El negativo de imagen obtenido sobre vidrio se dibuja luego en una hoja de papel y este positivo se corta para formar una cinta que comprende las diferentes fases del movimiento. Surge una dificultad: si el sonido se satisface con poco espacio para grabar, las imágenes deben ser numerosas (al menos 12 por segundo, como demostró el belga Joseph Plateau en 1832) y la imagen del cilindro debe ser grande. Pero el problema se vuelve insoluble cuando Edison quiere ver la cinta resultante: primero, no es transparente, y segundo, sus imágenes no son iguales y no se prestan a la visualización. Investigadores como los franceses Étienne-Jules Marey y Louis Aimé Augustin Le Prince también se encontrarán con el mismo problema de visionado (por su parte, sin embargo, no buscan combinar sonido e imagen). Un invento fundamental fue realizado en 1887 por el estadounidense John Carbutt  : una película de nitrocelulosa flexible, transparente y resistente que el industrial George Eastman puso en el mercado un año después para uso de fotógrafos, en forma de rollos de 70  mm de ancho, con o sin sustancia fotosensible y sin perforaciones. Al perforarlo en los lados y cortarlo por la mitad a lo ancho, “Edison llevó el cine a un paso decisivo, al crear la película moderna de 35 mm, con cuatro pares de perforaciones por fotograma. "

En 1895 , el kinetophone (o fonokinétoscopio , o como lo llamó Dickson, el kineto-fonógrafo ) fue el primer intento de visualización individual de una película en un kinetoscopio , asociado con la audición de un cilindro de cera grabado, leído por un fonógrafo solidario. . El piloto de este proceso audiovisual se conserva bajo el título Dickson Experimental Sound Film y data de 1895 . Vemos a Dickson en persona que “interpreta al violín un ritornello del compositor francés Jean-Robert Planquette, no es muy buen violinista y cruje un poco. Dickson juega frente a una especie de gran embudo ( pabellón ) destinado a recolectar sonido. " Esta es la forma más antigua de película musical y la incluyo como el antepasado de todos los clips. Se rodaron menos de cincuenta películas para el proyecto general porque, en marzo de 1895 , cuando Edison Studios lanzó este dispositivo al mercado, las películas que las acompañaban eran películas mudas que ya estaban en el catálogo de Edison, y los exhibidores simplemente deben elegir entre una gama de cilindros el que les conviene para ofrecer una semblanza de ritmo con la imagen. Por ejemplo, se ofrecen tres cilindros diferentes para acompañar a la bailarina hispanoamericana Carmencita  : Valse Santiago , La Paloma y Alma-Danza Spagnola .

En 1914, se produjo un incendio en el complejo de Edison en West Orange y destruyó todas las películas y grabaciones de sonido, poniendo fin a los intentos de Edison de casar el sonido y la imagen.

Durante el período del cine mudo (1891-1927), los intentos de acoplar imágenes y sonidos fueron numerosos, pero los más destacables fueron los que el francés Léon Gaumont produjo desde 1902 hasta 1917, de los que se conservaron 140 títulos (a partir de una producción de más de 700)). El proceso utilizado difiere del desarrollado en Edison. La grabación de sonido utilizó un disco de cera en lugar de un cilindro y se realizó independientemente de la película. Luego, en el plató , operamos la cámara y comenzamos a reproducir el disco con un gramófono de la empresa Gaumont, un elgéphone (LG = Léon Gaumont). Luego, el cantante hizo la mímica de su propia canción, inaugurando así la técnica de la reproducción . Este ingenioso proceso todavía permite hoy basarse en una grabación sonora de buena calidad y favorece el juego del cuerpo y el rostro del cantante filmado. Como la duración del espectáculo utilizado fue corta (3 minutos como máximo), la salida simultánea del dispositivo de proyección y el teléfono inteligente permitió mantener el sincronismo del sonido con la imagen hasta su final. Las películas se comercializaron con el nombre de phonoscènes (palabra femenina). Es gracias a Gaumont y Alice Guy , la primera directora de cine , que podemos ver clips reales de cantantes famosos de la época, como Polin , Félix Mayol , Dranem , Adolphe Bérard , Lina Lande, etc. También se han grabado muchas arias de ópera famosas, también canciones populares, todos estos elementos hacen de las fonoscenas de Gaumont una invaluable fuente de documentación audiovisual.

1926-1959: experimentos sucesivos

Algunos historiadores citan experimentos que se remontan a lo que se convertirá en el clip. Por ejemplo, Peter Fraser cita los experimentos de Oskar Fischinger de la década de 1920 . Martin Barnier evoca a un tal Lordier que, durante la Primera Guerra Mundial , presentó películas que ilustraban La Marsellesa y Quand Madelon ... invitando a los espectadores (los poilus , es decir los soldados) a retomar los versos a coro.

En 1926, los hermanos Warner presentan el primer largometraje sonoro: Don Juan , de Alan Crosland , con música y efectos sonoros. El proceso utilizado, el Vitaphone , desarrollado por Western Electric , se basa en la perfecta sincronización de un disco con el proyector, siendo las dos máquinas (fonógrafo y dispositivo de proyección) accionadas por motores eléctricos asíncronos que giran a la misma velocidad. El mismo año, el dibujante Max Fleischer lanzó Screen Songs , pequeños dibujos animados que invitan a los espectadores a cantar canciones populares, un proceso similar a una máquina de karaoke. Un año después, en octubre de 1927 , The Jazz Singer de Alan Crosland , es la primera película cantada y hablada. Esta película permanece mayoritariamente muda, pero se considera el referente histórico de la transición del silencio al hablador porque presenta un breve momento en el que el personaje principal, Al Jolson , habla entre dos versos de su canción. El cortometraje que lo precedió en 1926, Una escena en la plantación , se asemeja más al clip ya que su duración es de 10 minutos y está compuesto por tres canciones ya interpretadas por Al Jolson, separadas por unas pocas frases dirigidas a la cámara ( mirando hacia el público), incluido el famoso: "¡Espera un minuto, espera un minuto, aún no has escuchado nada!" (Espera un minuto ... ¡Todavía no has escuchado nada!) ”. Las canciones se titulan When the Red, Red, Robin Comes Bob, Bob, Bobbin 'Along (Harry M. Woods), April Showers (letra: Buddy DeSylva , música : Louis Silvers , que firmará la música del cantante de Jazz ), Rock-a-Bye Your Baby con una Dixie Melody (letra: Sam Lewis y Joe Young, música: Jean Schwartz).

En 1929 , la grabación de sonido mediante un proceso óptico dispuso el sonido directamente a lo largo de la tira de imagen. El par imagen y sonido aparece ahora en el mismo medio, facilitando así su transporte y renderizado en cines. Ese año, Dudley Murphy realizó cortometrajes musicales con Bessie Smith ( St. Louis Blues ) o Duke Ellington y su orquesta ( Black and Tan ) que presagiaban la captura musical moderna. En 1930, Germaine Dulac presentó al menos tres "cinégraphiques impresiones", dos de las cuales sobre Fréhel  : Drifting y All Alone , reunidas en un díptico titulado Los que lo hacen , imitado por Lilian Constantini. En 1933, Alexandre Alexeieff y Claire Parker realizaron según la técnica original de Pinscreen un cortometraje de animación de ocho minutos, una ilustración del Sabbath de las brujas , Night on Bald Mountain , de la música Modest Mussorgsky . Producidas en los años 1935-40, las cinefonías , concebidas por el crítico musical Émile Vuillermoz , son también ejemplos de plasmar en imágenes interpretaciones musicales. En 1935, el animador neozelandés Len Lye , produjo A Color Box raspando la película. En 1940, Walt Disney produjo Fantasia , una caricatura que usa la historia musical y la respalda con una historia filmada. Una noche en la montaña calva de Mussorgsky se repite por primera vez El aprendiz de brujo de Paul Dukas , El rito de la primavera de Igor Stravinsky , la Sinfonía pastoral de Ludwig van Beethoven , etc. En los dibujos animados musicales, también podemos citar las dos series "en competencia" producidas por Disney y Warner: las Silly Symphonies (Disney) y las Merrie Melodies (Warner). Los primeros Looney Tunes también hicieron esto. En 1939, el canadiense Norman McLaren ilustró la Danza macabra de Camille Saint-Saëns en una caricatura (8 minutos), y más tarde la canción C'est l'Aviron (3 minutos 20), explotando el sincronismo rítmico entre imágenes y sonidos. Estéticamente , el clip actual es una continuación lógica de todos estos experimentos que vinculan el sonido con la imagen. En la década de 1940, el músico Louis Jordan creó cortometrajes para algunas de sus canciones, algunas de las cuales aparecieron en un largometraje llamado Lookout Sister . Según el historiador Donald Clarke, estas mini películas son los antepasados ​​de los videos musicales.

En Chicago , en la década de 1940, nació Panoram . Es un dispositivo original, desarrollado en Estados Unidos por Mills Novelty Company (el mayor fabricante de máquinas de discos de la época). Podía proyectar en una pantalla pequeña, por una moneda en el monedero, un soundie , una película musical en formato de 16 mm con una banda sonora magnética - de muy buena calidad - ofreciendo una selección de ocho películas en blanco y negro . Estos sonidos presentaban a reyes del jazz como Duke Ellington. A principios de la década de 1950, el operador de salas de cine del sur de California Louis D. Snader, que recurrió al nuevo medio de la televisión, produjo varios cortometrajes en blanco y negro de 3 minutos cada uno, Telescriptions Snader , donde utiliza el principio de los sonidos.

Las películas musicales y especialmente las estrenadas entre las décadas de 1930 y 1950 dejaron un legado muy importante para todos los clips que vendrían a continuación. Por poner un ejemplo, el video musical Material Girl de Madonna (dirigido por Mary Lambert) es muy similar al trabajo de Jack Cole para Diamonds Are A Girl's Best Friend , de la película Men Prefer Blondes . Otro ejemplo igualmente revelador es el video musical de Michael Jackson para Bad (aunque varios de los videos musicales del artista también se basaron mucho en él), utilizando secuencias de baile de musicales clásicos de Hollywood, incluidas las peleas de baile estilizado de la película West Side Story . Según el Internet Accuracy Project, JP "The Big Bopper" Richardson fue el primero en utilizar el término "vídeo musical" en 1959.

Otro ejemplo es Tony Bennett, que fue filmado caminando por Hyde Park (el famoso parque de Londres). El resultado dio a luz al video de Stranger In Paradise y se mostró en canales de televisión del Reino Unido y Estados Unidos, en programas como American Bandstand de Dick Clark. El videoclip más antiguo que utiliza técnicas similares a las películas abstractas es el de Dáme si do bytu ("Vayamos al apartamento"), creado en 1958 y dirigido por Ladislav Rychman.

1960-1973: clips promocionales

En la década de 1960, apareció en Francia una “nueva máquina monstruosa”, términos utilizados por la revista Time en 1964, llamada Scopitone , que luego conquistó el mercado estadounidense. Es una máquina de discos comparable al Panoram. Como él, está equipado con una pantalla y reproduce un cortometraje musical por una tarifa. Pero, una novedad sin precedentes, estas pequeñas películas son en color. El uso de un scopitone es caro para el cliente: 5 francos, una suma ordenada en el momento en que la máquina de discos y la máquina de pinball costaban sólo 20 centavos. Durante la década de 1960 , muchos músicos pop participaron de esta manera. El catálogo de Scopitone tiene 700 películas, que son tantos clips.

A principios de la década de 1960, había tres ensayos entre los precursores de lo que sería el video musical moderno: videos de presentaciones en vivo producidos en su totalidad por el productor de televisión canadiense Manny Pittson para Singalong Jubilee en 1961, la película experimental. Scorpio Rising de Kenneth Anger, lanzado en 1964 y el video de Go Now , una canción de Bessie Banks que más tarde popularizó The Moody Blues, creada por Alex Murray, el productor del grupo, en el mismo año. Este clip predice el trabajo de Bruce Gowers para Queen's Bohemian Rhapsody , pero también lo que harían los Beatles para los videos promocionales de su doble sencillo Rain / Paperback Writer , lanzado en 1966.

Para continuar con los Beatles, el año 1964 ve el lanzamiento de su primera película, A Hard Day's Night , dirigida por Richard Lester. Este falso documental filmado en blanco y negro alterna entre diálogos y secuencias cómicas y secuencias musicales. Las interpretaciones en directo de las piezas representadas en la película proporcionan puntos de partida ideales para dar forma a un buen número de clips. Fue el modelo directo de la exitosa serie de televisión estadounidense The Monkees (1966-1968), protagonizada por un grupo de rock'n'roll falso también muy cercano a los Beatles (aunque este grupo falso pronto se hará realidad después de su creación). Muchas de las canciones de los Monkees tendrán clips de la serie de televisión como clips. ¡Ayudar! , la segunda película de los Fab Four, estrenada en 1965, es un proyecto más grande.

Filmado en color en Londres y en todo el mundo, también presenta en su secuencia de apertura, en blanco y negro, uno de los arquetipos del clip de interpretación en vivo moderno: secciones transversales (es decir, alternar una secuencia con otra durante la edición), primeros planos , ángulos de cámara inusuales ... El grupo continuó durante la década de 1960 para crear videos promocionales para algunos de sus sencillos, como Day Tripper / We Can Work It Out , en 1965.Estos videos aparecen en todos los programas musicales populares, como Hullabaloo o Top of los Pops . Poco a poco se volvieron más sofisticados, especialmente cuando el grupo dejó de viajar a finales de 1966, lo que les permitió cumplir todos sus deseos musicales.

En mayo de 1966, filmaron 2 conjuntos de clips promocionales en color para Rain / Paperback Writer , todos dirigidos por Michael Lindsay-Hogg y presentados en el espectáculo de The Rolling Stones Rock and Roll Circus y en la película Let It Be , la última producción cinematográfica de The Rolling Stones . Beatles. Los clips de A Strawberry Fields Forever / Penny Lane de doble cara fueron creados en 1967 y dirigidos por Peter Goldman, llevando el formato de video promocional al siguiente nivel al introducir técnicas del cine underground y de vanguardia: cámara reversa, cámara lenta , ángulos de cámara inusuales y filtros de color añadidos en la postproducción. A finales de 1967 se estrenó la tercera película creada por los Fab Four, esta vez directamente destinada a la televisión: Magical Mystery Tour , íntegramente escrita y dirigida por el grupo y retransmitida por primera vez en el Boxing Day de 1967. Aunque tuvo una tibia acogida en El tiempo por su falta de estructura narrativa, se reconoce hoy como el logro del trabajo de los Beatles como directores de videos musicales.

En 1965, el clip monocromático de DA Pennebaker para Subterranean Homesick Blues de Bob Dylan inventó un nuevo estilo de video: el video con letras (ver el capítulo "Los videos con letras " a continuación). En este video, el cineasta filma a Dylan caminando por diferentes lugares y sosteniendo carteles que muestran la letra de la canción. Pink Floyd también comienza a producir videos promocionales para algunas de sus canciones, incluyendo San Francisco: Film (dirigida por Anthony Stern), Scarecrow , Arnold Layne e Interstellar Overdrive (dirigida por Peter Whitehead, quien dirigirá varios videos musicales para los Rolling Stones). a finales de la década de 1960). También en Inglaterra, fueron los Kinks quienes tuvieron la idea de agregar un escenario en los clips, idea que aplicaron en el clip de su single Dead End Street (1966) creando una pequeña película cómica, desafortunadamente rechazada por la BBC que consideró este video por ser "de mal gusto".

The Who también comenzará a crear videos promocionales a partir de 1965 y su single I Can't Explain . En Happy Jack (1966), el grupo se pone en la piel de una banda de ladrones. En Call Me Lightning , The Who relatan cómo su baterista Keith Moon supuestamente se unió a ellos: se ve a Pete Townshend, Roger Daltrey y John Entwistle tomando té en lo que parece un cobertizo abandonado cuando de repente ocurre una "caja ensangrentada", luego una payasada. secuencia donde Moon está presente con sus 3 compañeros. Nancy Sinatra y Roy Orbison también se prestaron al ejercicio: uno para These Boots Are Made For Walkin ' , el otro para varios de sus éxitos de la época, incluido Walk On , su éxito de 1968.

En la década de 1960, los Rolling Stones también crearon videos promocionales. En 1966, Peter Whitehead dirigió 2 videos para el sencillo Have You Seen Your Mother, Baby, Standing In The Shadow? . Al año siguiente continuó con We Love You , estrenada por primera vez en agosto de 1967. Este clip alterna imágenes de la grabación grupal en un estudio y una parodia del juicio aludiendo claramente al proceso judicial sufrido por Mick Jagger y Keith Richards. en ese momento (por culpa de sus adicciones a las drogas). Richards interpreta al juez y Marianne Faithfull (la novia de Mick en ese momento) hace acto de presencia, con un Jagger aparentemente desnudo y con cadenas envueltas alrededor de sus tobillos siendo visible. Al final, las imágenes de vídeo alterna de grabaciones y fragmentos de estudio de la banda de la versión en concierto del clip usted ha visto a su madre, bebé ... . Los Stones también colaborarán con Michael Lindsay-Hogg, quien dirigirá un video musical para 2000 Light Years From Home (del álbum Their Satanic Majesties Request ), otro en color para Child Of The Moon y dos videos diferentes para Jumpin 'Jack Flash. . . También trabajaron con Jean-Luc Godard para su película de 1968, Sympathy For The Devil , que mezcla las opiniones políticas de Godard con imágenes de las sesiones de grabación de la famosa canción que da título a la película.

En 1972-73, David Bowie, beneficiándose de su nueva notoriedad tras el éxito de su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars , colaboró ​​con el fotógrafo Mick Rock para una serie de películas promocionales. Se crearán 4 clips para los siguientes singles: John, I'm Only Dancing (mayo de 1972), The Jean Genie (noviembre de 1972), el nuevo lanzamiento estadounidense de Space Oddity (diciembre de 1972) y el lanzamiento de Life On Mars? (una versión ligeramente reelaborada del álbum Hunky Dory ), en 1973. El video musical de John, I'm Only Dancing fue filmado durante un ensayo para un concierto que Bowie estaba programado para dar en el Rainbow Theatre el 19 de agosto de 1972, por un presupuesto limitado. de $ 200  . Muestra al músico y su banda haciendo mimos, todos intercalados con imágenes de las Astronettes (el grupo de bailarines contratados por Bowie) practicando su arte en el escenario y detrás de una pantalla. El clip fue rechazado por la BBC, al considerar que los matices homosexuales en el clip eran desagradables, y Top of the Pops reemplazará los planes de las Astronettes con imágenes de ciclistas y otros bailarines. El video de The Jean Genie se filmó en un día y se editó en 2 días con un presupuesto de $ 350  . Alterna entre imágenes de un concierto de Bowie, pasajes en un estudio fotográfico y otros pasajes filmados frente al Mars Hotel en San Francisco con David y Cyrinda Foxe (empleada de MainMan y amiga cercana de David y Angie Bowie), esta última posando provocativamente en la calle mientras el músico camina por las paredes y fuma.

1974-1980: despega la televisión musical

Al contrario de lo que se podría pensar, no fue en Estados Unidos donde nació la televisión musical, sino en Australia, cuna de 2 programas que favorecieron el nacimiento del videoclip moderno: Countdown y Sounds . En 1974, Graham Webb, disc jockey, lanzó un programa de televisión musical para adolescentes transmitido en ATN-7, un canal de televisión de Sydney, todos los sábados por la mañana. Este programa se llamó Sounds Unlimited en 1975 antes de ser abreviado como Sounds . Necesitando contenido para el programa, Webb recurre al empleado de la sala de redacción de ATN-7 , Russell Mulcahy, para pedirle que cree videos que acompañen a canciones populares que no tienen ninguno (como Everybody's Harry Nilsson talkin ' ). Con este método, los dos hombres pudieron crear un total de 25 clips para el programa. Animado por el éxito de sus videos musicales, Mulcahy dejó su trabajo para convertirse en un clipper a tiempo completo , comenzando a producir videos para grupos australianos muy populares como Stylus, Marcia Hines, Hush y AC / DC. Esto llamó la atención de Ian "Molly" Meldrum y Michael Shrimpton, quienes dirigen el programa Countdown y decidieron hacer rápidamente sus propios videos musicales, práctica que se vuelve cada vez más común en el marketing musical. A pesar del pequeño presupuesto del programa, el director Paul Drane pudo hacer algunos videos memorables, como los videos musicales de Jailbreak y It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll) . Por su parte, Russell Mulcahy, que se trasladó a Inglaterra a finales de la década de 1970, continuó su labor como director y fue responsable de varios éxitos, entre los que destacan Making Plans For Nigel (XTC) y Video Killed the Radio Star (The Buggles).

En 1975, Bruce Gowers fue contratado por Queen para crear un video musical para su nuevo single Bohemian Rhapsody , que aparecerá en Top of the Pops . Según Paul Fowles, historiador del rock, la canción a menudo se acredita como "el primer sencillo exitoso para el que un vídeo que lo acompaña [el sencillo] se convierte en central en la estrategia de marketing". Según la revista Rolling Stone , fue este video el que inventó el video musical moderno, 7 años antes que MTV. El 1 st de noviembre de 1979, Jerry Crowe y Charles Henderson Lanzamiento video Concert Hall , el primer canal dedicado a los clips de vídeo en el cable americana, 3 años antes de la MTV. También incluye Night Flight to USA Cable Network , uno de los primeros programas de estos clips como forma de arte. En 1980, el video de Ashes to Ashes David Bowie se convierte en el video musical más caro jamás realizado en ese momento, con un presupuesto de 582,000  $ (1,671,487  $ 2016). Fue filmado en color "solarizado" con la adición de escenas en blanco y negro y fue filmado en múltiples ubicaciones, incluida una sala de estar acolchada y una orilla inestable. Se convertirá en uno de los videos más icónicos de todos los tiempos y su naturaleza más compleja marcará un gran paso adelante en la evolución del video musical.

El mismo año, la banda neozelandesa Split Enz logró el éxito mundial con su sencillo I Got You y su álbum True Colors y decidió, un poco más tarde, producir un conjunto completo de videos musicales para cada canción (todos dirigidos por Noel Crombie, la banda de la banda). percusionista) y venderlo todo en formato de video. A esta prueba le siguió 1 año después el primer álbum de video, The Completion Backward Principle , creado por The Tubes, banda de rock de San Francisco, dirigida por el teclista del grupo, Michael Cotten, con la adición de 2 clips hechos por Russell Mulcahy (aquellos de Habla con Ya más tarde y no esperes más ). El ex-Monkee Michael Nesmith también comenzó a producir cortometrajes musicales para Saturday Night Live . En 1981, lanzó Elephant Parts , dirigida por William Dear y el primer video musical en ganar un Grammy. La cartelera también acredita el video Concert Salón , emitir por cable estadounidense, como el primer programa de música dedicado enteramente a videos musicales en los Estados Unidos.

1981-1991: el clip se vuelve más artístico y más corriente

La llegada del videoclip a la televisión se remonta a 1981 , cuando el canal estadounidense MTV (Music Television) inauguró su antena con el clásico y simbólico Video Killed the Radio Star of the Buggles . MTV está apostando solo por retransmitir clips y es un éxito, marcando el comienzo de una era de vídeos retransmitidos las 24 horas del día por televisión. El canal influirá en muchos programas de música de todo el mundo y también en la creación de otros canales de música inspirados en su formato. Luego, el canal se extenderá a todos los continentes, principalmente a partir de la década de 1990, con variaciones que se transmitirán en suscripciones de televisión por satélite o cable en muchos países.

El principio es más o menos el mismo que para la publicidad: los anunciantes son las discográficas que producen los clips y, a veces, pagan por emitirlos. Además, dos grandes innovaciones permitirán que el género explote de verdad: los equipos de video son cada vez más fáciles de controlar y cada vez menos costosos y se están desarrollando los efectos visuales que se pueden crear con un buen control de la imagen. La calidad cada vez mayor de las cámaras y la aparición de las cámaras portátiles coinciden con el espíritu de hágalo usted mismo de la era de la nueva ola , lo que permite a los "clippers" grabar vídeos de forma más rápida y sencilla, con un presupuesto más reducido.

El desarrollo de género empuja a los directores a enfocar la película de apoyo en 35  mm y el fenómeno comienza a ser parodiado, por ejemplo con un video llamado Nice Video, Shame About The Song creado por la BBC para su programa de cómics Not The Nine O'Clock News . Alrededor de este tiempo, los directores estaban comenzando a explorar y expandir el género y formar un video musical que puede tomar, utilizando efectos más sofisticados, mezclando video y técnicas cinematográficas, o agregando una historia real al clip. Algunos videos no representan en absoluto al artista, como Atlantic City ( Bruce Springsteen , video dirigido por Arnold Levine), Under Pressure ( Queen & David Bowie , video dirigido por David Mallet), The Chauffeur ( Duran Duran , video dirigido por Ian Emes) o Sign o 'the Times ( Prince , video dirigido por Bill Konersman). Sin embargo, uno de los propósitos de los clips es promover al artista, este tipo de video musical sigue siendo particularmente raro. Los directores también comienzan a explorar temas políticos y sociales. David Bowie lidera el camino una vez más con sus videos musicales para China Girl y Let's Dance (1983) que exploran temas raciales.

Fue en 1983 cuando se revela el video musical más famoso de todos los tiempos: Thriller de Michael Jackson . En un insólito periodo de 14 minutos y filmada en 35  mm , está dirigida por John Landis por un presupuesto original cercano al millón de dólares. Thriller realmente hará emerger el video musical, al no limitarse más a "canciones filmadas" y al establecer nuevos estándares de producción. A partir de ese momento, la imagen ya no sirve de contraste para la música, estos dos elementos se sirven mutuamente. También se comercializa un VHS del clip, incluida la realización (una primera vez), y es un gran éxito.

Gracias al éxito de Thriller , y también a los clips de Billie Jean y Beat que lanzó unos meses antes, Michael Jackson se convierte en el primer artista afroamericano en ser transmitido tanto en MTV , lo que promoverá la mayor distribución de artistas negros en el canal a partir de entonces (cf. 3. "Vídeos musicales y artistas que hicieron historia").

Uno de los grupos pioneros del género, Duran Duran , impulsa cada uno de sus sencillos a lo más alto de las listas de música mundial gracias al clip. Es el advenimiento de la magia que transmiten estas sofisticadas y estilizadas mini-películas, a menudo muy caras, que son en particular una de las puntas de lanza de la Segunda Invasión Británica (Segunda Invasión Británica) en los Estados Unidos (con Billy Idol y Eurythmics entre otros), a través del canal MTV. Siguiendo a estos pioneros, muchos artistas invertirán en sus clips, que se convertirán en la parte obligada del lanzamiento de cualquier álbum. Ya no hablamos del último título, sino del último clip, en particular para ciertos artistas emblemáticos como Mylène Farmer o Madonna , que seguirán el ejemplo de Michael Jackson . El 5 de marzo de 1983 vio el nacimiento de Country Music Television (CMT), un canal creado por Glenn D. Daniels que transmite desde Hendersonville, Tennessee. También podemos mencionar MuchMusic, lanzado en Canadá en 1984. El mismo año, MTV lanzó sus MTV Video Music Awards (abreviados como VMA's), una ceremonia anual que premia a los mejores videos del año. La primera ceremonia premia a los Beatles y a David Bowie como pioneros del video musical.

El canal también influirá en muchos programas musicales en otros canales de televisión desde principios de la década de 1980, por ejemplo en los canales terrestres estadounidenses, el programa de clips semanal Friday Night Videos en la red NBC, lanzado en 1983, o incluso el programa MV3 lanzado en 1982. .El canal también influirá en muchos programas musicales alrededor del mundo, por ejemplo en 1986, el canal británico Channel 4 lanza The Chart Show , programa que transmite clips sin interrupción y sin presentadores, con transiciones de secuencias hechas con animación por computadora, entonces el programa será transmitido en ITV en 1989.

En 1985, MTV lanzó su primer canal hermano, VH1 , transmitiendo música más suave y dirigido a una audiencia mayor que la de MTV. MTV no se detuvo ahí, porque MTV Europa se lanzó en 1987, MTV Asia en 1991 y MTV Latino en 1993. El canal se extendió así a todos los continentes, principalmente a partir de la década de 1990, con versiones retransmitidas por suscripción de televisión por satélite o cable en muchos países.

En 1985, Money For Nothing (Dire Straits) se convirtió en el primer video en utilizar animación por computadora, lo que convirtió la canción en un éxito mundial. Irónicamente, porque la canción es un comentario irónico sobre el fenómeno de los videos musicales. En 1986, Peter Gabriel llamó a Nick Park y a la compañía de animación Aardman para producir el video de su canción Sledgehammer . También se convirtió en un éxito y ganó 9 VMA. En 1988, el público en general pudo descubrir el hip-hop gracias al lanzamiento del programa Yo! MTV Raps .

Fue en 1986, en julio, que se lanzó el clip de la canción Libertine , de Mylène Farmer y Laurent Boutonnat . Este clip de 10 minutos tendrá derecho a una secuela en 1988, con Siempre que sean dulces . Este último dura más de 17 minutos. Revolucionando la industria musical y visual en Francia con estos dos vídeos, Mylène Farmer seguirá promocionando el clip de finales de los 80, con títulos como Tristana , Sans contrefaçon o Sans Logique .

1992-2004: los "clippers" toman el poder

El 3 de abril de 1991, el vídeo de Désenchantée causó sensación en el mercado musical francés. Esta canción del álbum L'Autre… , editada en 1991, por Mylène Farmer es un himno “campesino” y el de toda una generación. Producido en una fábrica abandonada cerca de Budapest, el clip de más de 10min, aún muestra el talento del cantante y Laurent Boutonnat para hacer películas. En noviembre de 1992, MTV comenzó a citar a los directores de los clips con el nombre del artista y la canción, demostrando que este medio es definitivamente una forma de arte y una forma de dejar que los autores se expresen. Fue a partir de este período que comenzaron las carreras de Chris Cunningham, Michel Gondry, Spike Jonze, Floria Sigismondi, Stéphane Sednaoui, Mark Romanek o incluso Hype Williams, quienes inyectaron su propio estilo y su propia visión en los clips que realizan. Varios de estos directores, como Gondry, Jonze, Sigismondi o incluso F. Gary Gray, se embarcarían más tarde en el cine. Esta tendencia de directores que se embarcaron en el clip antes del cine continuará durante varios años con gente como Lasse Hallström o David Fincher.

Dos videos dirigidos por Mark Romanek en 1995 iban a estar entre los tres videos más caros en la historia de la música, aún insuperables hasta el día de hoy: Scream ( Michael Jackson & Janet Jackson ), que costó $ 7 millones, y Bedtime Story ( Madonna ). , que costó 5 millones. Como director famoso de este período a finales de los 90 y principios de los 2000, también podemos mencionar a Walter Stern, quien realizó algunos de los videos más icónicos: Firestarter (The Prodigy), Bitter Sweet Symphony (The Verve) y Teardrop (Massive Attack). MTV también está lanzando varios canales hermanos para mostrar a todas las audiencias los clips producidos en ciertos mercados musicales. Por lo tanto, MTV Latin America se creó en 1993, MTV India en 1996 y MTV Mandarin en 1997. En 1996, también estaba MTV2, que mostraba videos más antiguos o de mercados alternativos. El Billboard también tuvo sus propios premios a los videos musicales de 1991 a 2001.

Por el contrario, el clip Wannabe del grupo Spice Girls , que se produce con un presupuesto reducido, marca toda una generación, al convertirse en un culto. En 2015 , Billboard incluyó el video de "Wannabe" en su lista de los diez videos de grupos femeninos más icónicos de todos los tiempos.

El mismo año, VH1 colocó el segundo video musical Diga que usted estará allí para muchachas de la especia , como el 8 º mejor video de la historia.

En 1997, el dúo de música electrónica Daft Punk firmó un memorable video musical para su sencillo Around The World , que muestra a robots recreando visualmente la partitura de esta canción. Está clasificado como uno de los mejores de todos los tiempos.

Paralelamente, el video musical Spice Up Your Life del grupo Spice Girls , cuya estética futurista postapocalíptica inspirada en la película Blade Runner , está nominado en numerosas ceremonias a los mejores efectos visuales, al tiempo que gana el premio al mejor video en la mismo tiempo. de los Edison Music Awards en 1998.

En 1998, la estética futurista en verde y negro del video musical I Want You Back de Mel B con Missy Elliott , se convirtió en un culto e impresionó.

En 1999, el video ... Baby One More Time de Britney Spears , que revela al artista bailando en su escuela secundaria con traje de colegiala, marca su era y se convierte en un culto.

2005-presente: Internet, el nuevo mejor amigo del videoclip

El mercado de la música ha cambiado mucho (el cambio a la radio también sigue los acuerdos entre sellos y estaciones de radio), el clip ya no está restringido a un solo medio, la televisión, y ahora está disponible en CD , DVD / Blu-Ray o Internet. Directores como Michel Gondry , Spike Jonze y Chris Cunningham han lanzado una recopilación de sus videos musicales en DVD / Blu-Ray. Su principal objetivo es siempre promover grupos. Cada vez hay más vídeos musicales y cada vez se proyectan más festivales de cortometrajes.

Fue a finales de la década de 1990 que el Internet comenzó a distribuir clips, primero con el sitio iFilm (1997), el primer sitio de intercambio de videos, luego con Napster, un peer-to-peer servicio de intercambio de archivos. De pares en servicio entre 1999 y 2001. Internet también recuperará el nicho abandonado por MTV, que renuncia a la difusión de clips para privilegiar los programas de reality shows, que se hacen cada vez más populares desde The Real World , emisión lanzada en 1992.

Contrariamente a lo que uno podría temer, el video musical probablemente no esté muerto: el entusiasmo del público por los DVD / Blu-Ray musicales (incluidos los DVD / Blu-Ray dedicados a los directores de videos musicales) es la prueba. El videoclip permite completar el universo de los músicos, es también una oportunidad para producir imágenes que, en otro marco, serían juzgadas como cine experimental. Aunque el mercado de los videos musicales y su modo de distribución hayan cambiado y probablemente no hayan terminado de hacerlo, podemos apostar que el género no ha dicho su última palabra.

La locura en Internet está en auge con sitios para compartir videos como YouTube , Dailymotion , Facebook o Vevo , permitiendo incluso que pequeños grupos y autores realicen una promoción llegando rápidamente a una gran audiencia a bajo costo y jugando con la viralidad natural en las redes sociales. Estos sitios permiten que todos puedan crear sus propios videoclips (su naturaleza no oficial les da el nombre de fanmades ), especialmente para canciones de un álbum que nunca ha tenido un videoclip. Entre los clips que se hicieron famosos gracias a los sitios para compartir videos se encuentran tres clips del grupo OK Go ( A Million Ways , Here It Goes Again y This Too Shall Pass , lanzados en 2005, 2006 y 2010 respectivamente), Pork and Beans by Weezer ( 2008), que presenta a 20 celebridades de YouTube o Kings and Queens from Thirty Seconds to Mars (2009), que fue nominada 4 veces en los MTV VMAs de 2010. El videoclip Axel F para el personaje virtual Crazy Frog apareció en 2005 y producido en Animación 3D, también ha tenido mucho éxito.

Cronología

Vídeos musicales y artistas que hicieron historia

A menudo se dice que el primer grupo que ha popularizado el videoclip es la reina en 1975 con el lanzamiento de Bohemian Rhapsody (desde su 4 º  álbum A Night at the Opera ), con un presupuesto por encima de la media y periodo innovadores efectos especiales.

No obstante, debería esperarse el Thriller de Michael Jackson de 1983 , dirigido por John Landis , ya que el clip realmente cambia de estatus. De hecho, por primera vez, el clip se convierte en el equivalente a un cortometraje artístico (con un presupuesto cercano al millón de dólares, una duración de 14 minutos) y se utiliza para promocionar un álbum, aquí Thriller , a escala mundial. Michael Jackson es desde este momento considerado como el artista que cambió la historia del clip al darse cuenta del impacto que este formato podría tener (con una puesta en escena real, una coreografía, efectos especiales) en la industria de la música. Además, el clip contribuye al desarrollo del mercado de las cintas de vídeo con el exitoso lanzamiento en VHS del clip y su realización (por primera vez). Otros dos clips del álbum Thriller , Billie Jean y Beat it , también convierten a Michael Jackson en el primer artista afroamericano en ser transmitido tanto en MTV y promueven la mayor distribución de artistas negros en el canal a partir de entonces.

Michael Jackson nunca dejará de innovar a lo largo de su carrera en la industria de los videos musicales, en particular recurriendo a directores y actores de renombre. Citemos por ejemplo los clips de Bad - dirigida por Martin Scorcese - (1987), Black or White - dirigida nuevamente por John Landis - (1991), Remember the Time - dirigida por John Singleton con entre otros Eddie Murphy e Iman - ( 1991), Scream - dirigido por Mark Romanek con su hermana Janet Jackson , es el video musical más caro de la historia con un presupuesto de $ 7 millones - (1995), o You Rock My World - con la participación de Chris Tucker y Marlon Brando - (2001).

Luego vienen, todavía en la década de 1980, Owner of a Lonely Heart ( Sí ), Take on Me ( A-ha ), Sledgehammer ( Peter Gabriel ), Weapon of Choice  (en) ( Fatboy Slim ), Money for Nothing ( Dire Straits) ) o Video Killed the Radio Star ( The Buggles ).

En 1992, Whitney Houston cantó I Will Always Love You para la banda sonora de la película Bodyguard , que vendió más de 20 millones de copias y convirtió su video musical en un video de culto.

En 1996, el clip Wannabe del grupo Spice Girls , que se produce con un presupuesto reducido, marca toda una generación, al convertirse en un culto. En 2015 , Billboard incluyó el video de Wannabe en su lista de los diez videos de grupos de chicas más icónicos de todos los tiempos. El mismo año, VH1 colocó el segundo videoclip de las Spice Girls , Diga que usted estará allí , como el 8 º mejor video de la historia.

En 1997, el dúo de música electrónica Daft Punk firmó un memorable video musical para su sencillo Around The World , que muestra a robots recreando visualmente la partitura de esta canción. Está clasificado como uno de los mejores de todos los tiempos. Paralelamente, el video musical Spice Up Your Life del grupo Spice Girls , cuya estética futurista postapocalíptica inspirada en la película Blade Runner , es nominado en numerosas ceremonias a los mejores efectos visuales, al tiempo que gana el premio al mejor video en la mismo tiempo. de los Edison Music Awards en 1998.

En 1998, la estética futurista en verde y negro del video musical I Want You Back de Mel B con Missy Elliott , se convirtió en un culto e impresionó.

En 1999, el video ... Baby One More Time de Britney Spears , que revela al artista bailando en su escuela secundaria con traje de colegiala, marca su era y se convierte en un culto. El mismo año, salida del clip Heartbreaker para Mariah Carey , con un presupuesto de 3 millones, que muestra a la intérprete bailando y cantando en una sala de cine.

En 2000, los clips de una más vez , aerodinámicos , Digital Love y Harder, Better, Faster, Stronger dúo francés Daft Punk , desde su 2 a álbum Descubrimiento y la película Interstella 5555: La historia del Sistema Secreto Estrella (2003), todos hechos en animación 3D de Leiji Matsumoto , se consideran obras maestras de la música contemporánea.

En 2001, Kylie Minogue hizo un regreso triunfal con su atuendo blanco minimalista en el video musical futurista y de éxito mundial Can't Get You Out of My Head , que la convirtió en un ícono interplanetario. El clip se considera uno de los más bellos de la década de 2000.

Al mismo tiempo, Geri Halliwell también firma un regreso planetario gracias al título It's Raining Men , para la banda sonora de la película Bridget Jones's Diary , cuyo video musical está inspirado en las películas Fame y Flashdance . También en 2001, Victoria Beckham ofrece su 1 st videoclip en solitario No Tal una chica inocente , cuya estética futurista en 3D con bicicletas de carreras volar, se convierte en culto y es considerado uno de los mejores de las últimas tres décadas.

En 2002, el videoclip Shoot The Dog de George Michael , que critica a Tony Blair y George Bush y dirigido en animación, crea el evento.

En ese mismo año, los coloridos y divertidos videos musicales Without Me del rapero Eminem , así como Murder on the Dancefloor de Sophie Ellis-Bextor , marcaron su época y se convirtieron en un culto para toda una generación.

En 2003, el dúo danés Junior Senior fue revelado a todo el mundo a través de su 1 st clip de Moove sus pies , que se produce en la animación 2D y que incluye caracteres en píxeles.

En 2004, Call on Me de Eric Prydz , tuvo un gran éxito comercial, alcanzando la cima de varias listas. Call on Me es mejor conocido por su video musical en el que varias mujeres y un hombre realizan bailes aeróbicos de una manera sexualmente sugerente.

El videoclip Axel F del personaje virtual Crazy Frog lanzado en 2005 y producido en animación 3D, se convirtió inmediatamente en un culto y superó los mil millones de visitas en Youtube. También fue el segundo video musical de la historia en superar esta cifra en esta plataforma.

En 2006, el video musical humorístico y colorido A Public Affair de Jessica Simpson , que presenta a algunas celebridades como Christina Applegate , Christina Milian , Eva Longoria , Maria Menounos , Andy Dick y Ryan Seacrest , se convirtió inmediatamente en un culto.

En 2010, el video musical de la música Baby de Justin Bieber ft Ludacris superó los 2 mil millones de visitas en Youtube.

En 2012, el cantante surcoreano PSY fue el primer artista de videos musicales en superar los tres mil millones de visitas en YouTube por su video musical Gangnam Style .

En 2013, El video Almost Home para Mariah Carey , tomado de la banda sonora de la película El mundo fantástico de Oz , obtiene un premio World Music Award al mejor video del año.

La même année, le vidéoclip For Once In My Life de Mel B , qui révèle l'artiste en train de danser et de s'embrasser soi-même, tout en faisant un strip-tease dans le décor de la série Desperate Housewives , marque los espíritus.

Es en parte gracias al éxito del clip Happy lanzado en 2014, y a la película animada Moi, moche et méchant 2 , que presenta un baile callejero, que Pharrell Williams obtiene la mayor venta de singles del año y gana un premio Grammy. al Mejor Video del Año.

Mientras tanto, la cantante australiana Sia supera los mil millones de puntos de vista con su video de la lámpara , cuya actuación coreográfica fue aclamado por la crítica, convirtiéndose en el 13 º video más visto de todos los tiempos en YouTube.

En 2015, el video If I Do not Have You de Tamar Braxton con una estética elegante de los años 20 que cuenta la historia de una prostituta en un hotel, es aclamado por la crítica y permite que la intérprete sea nominada a los premios Grammy .

Algunos clips incluso tenían sus pastiches. Microsoft se hizo cargo de Weapon of Choice para convertirlo en un clip promocional para uso interno, Windows of Choice . "Weird Al" Yankovic se hizo un nombre por sus diversos pastiches de clips famosos, en particular los de Michael Jackson .

Para Francia , es imposible no mencionar a Mylène Farmer , con clips considerados verdaderos cortometrajes ( Libertine , Pourvu son dulces ) o incluso Daft Punk ( La vuelta al mundo ).

Directores de videos musicales


Directores ocasionales de videos musicales

Ranking de los 10 videos musicales más caros de la historia

Los videos de letras

Primer acercamiento, en 1965, Bob Dylan lanzó un video promocional para su título Subterranean Homesick Blues en el que se presenta a sí mismo sosteniendo un montón de carteles que se desplaza al ritmo de la canción, adelantando partes de la letra.

En 1987, Prince lanzó el video musical de su canción Sign o 'the Times . Creado por Bill Konersman, solo visualiza algunas formas geométricas abstractas y el uso de letras de su single. Unos años más tarde, en 1990, George Michael lanzó su video musical para Praying for Time . En ese momento se negó a hacer un clip tradicional y obligó a su sello a publicar un clip simple que mostraba la letra de la canción sobre un fondo negro.

El video con letra , video con palabras, se ha convertido con el tiempo en una forma para que las compañías discográficas prueben la popularidad de un título a menor costo. Dado que el costo de un video con letra y un clip tradicional no es el mismo, los productores pueden hacerse una idea del impacto que puede tener un título, por lo que no es raro ver el lanzamiento de un video con letra seguido de unos pocos. meses después por el de un clip oficial.

Este tipo de videoclip también tiene la ventaja de poder lanzarse más rápidamente y generar aún más visualizaciones en Internet para el mismo producto. Así, en 2010, Katy Perry lanzó unos días antes de su clip oficial de Firework , un simple video lírico usando una serie de fotos de su futuro clip, la letra mostrada sin tipografía .

El video lírico conoce cada vez más ejemplos donde el trabajo de tipografía y puesta en escena completa también se busca para un video musical tradicional, haciendo de este tipo de video, un clip completo. Muchos artistas como P! Nk , Katy Perry o Muse , se han acostumbrado a lanzar un video con letras antes de presentar su video musical oficial.

Censura y controversias

Dado que el videoclip es una forma de expresión artística y se utiliza para transmitir una gran cantidad de mensajes más o menos profundos / explícitos, a menudo les sucede a algunos artistas que son censurados por contenido considerado ofensivo según las leyes de un país, las leyes pueden cambiar. dependiendo del pais. Desde la década de 1980 y la explosión de los videos musicales, varios clips han sido objeto de censura.

Decenio de 1980

El 1 st de agosto de 1981, preve el día del lanzamiento de MTV . Dirigido directamente a los adolescentes, el canal tiene como objetivo promover las tendencias sociales a través de su contenido, ayudando al público a identificar los roles masculinos y femeninos. En la década de 1980, los estereotipos de género simplemente se identificaron: la mujer está siempre en la emoción, sumisa al hombre y debe cuidar de la casa, mientras que el hombre es el jefe de la casa, es varonil y agresivo y aún tiene el más alto nivel profesional. posiciones. Lo que asombró al público, además de la unificación de lo visual y la música. Las figuras clave en la MTV de los 80 fueron The Rolling Stones , AC / DC , Michael Jackson y Guns N 'Roses .

En términos generales, los clips de la década de 1980 retratan a las mujeres como objetos sexuales. Según los estereotipos de la época, las mujeres son atractivas y sumisas a los hombres. Y aunque sus talentos son reconocidos, nunca logran superar a los hombres: los videos musicales de Sink the Pink y Rock n'Roll de AC / DC son excelentes ejemplos. En un estudio realizado en 1987, se analizaron treinta horas de programas y se sacaron las siguientes conclusiones: 57% de los clips muestran claramente los "roles" femeninos, 17% muestran los talentos de las mujeres, aunque se enfatiza más su rol sexual .hacia adelante, el 14% no utiliza los estereotipos tradicionales y solo el 12% reconoce que las mujeres son independientes. Y más del 50% de los videos muestran a mujeres vestidas de manera seductora.

El primer clip que se prohibió en MTV fue el éxito Queen Body Language (1982), debido a los matices homosexuales en el video, así como a la presencia de piel desnuda y sudor (aunque los músicos parecen vestidos), lo que se consideró inapropiado. para la audiencia del canal. El video de Olivia Newton-John para Physical (1981) también fue prohibido por la presencia de modelos masculinos que usaban solo bikinis y repelían los avances de la cantante. Finalmente termina siguiéndolos a sus habitaciones privadas y el clip es cortado por la cadena antes del final abiertamente gay, una vez más. La BBC se negó a transmitir el clip de Girls On Film de Duran Duran, ya que el clip mostraba peleas de mujeres desnudas en el barro y otros fetiches sexuales. MTV solo lanzó el clip después de mostrar una versión censurada.

Laura Branigan se negó a censurar el video de Self Control (1984) pero la amenaza de prohibición la hizo cambiar de opinión. Hay que decir que el clip, dirigido por William Friedkin, pudo conmocionar las mentalidades de la época: la cantante se encontró atraída por un ambiente de desenfreno ascendente y extremadamente estilizado, con la aparición (en una serie de discotecas) de un hombre enmascarado. quien termina llevándola a la cama. En 1989, " If I Could Turn Back Time" de Cher, que mostraba el canto antes mencionado en una camiseta muy "reveladora" y rodeado por un regimiento completo de marineros en el cielo, se limitó a los programas nocturnos de MTV. El video musical God Save the Queen fue prohibido por la BBC por llamar al Reino Unido un régimen fascista. El de Girls, Girls, Girls de Mötley Crüe (1987) también se debió a la presencia de mujeres completamente desnudas bailando alrededor de los integrantes del grupo en un club de striptease. El grupo tuvo que rehacer otra versión del clip para que MTV aceptara transmitirlo.

En 1983, Entertainment Tonight dedicó un segmento de su programación a la censura y la violencia en los videos de rock. Se analizaron clips de videos musicales de Michael Jackson, Duran Duran, Golden Earring, Kiss, Kansas, Billy Idol, Def Leppard, Pat Benatar y los Rolling Stones, y una sección de la opinión pública acusó al negocio de los videos musicales de rock de violencia excesiva. Músicos (John Cougar Mellencamp, Gene Simmons, Paul Stanley) y directores (Dominic Orlando, Julian Temple), en respuesta a estas acusaciones, defendieron su trabajo. Además, no era raro en este momento que los grupos usaran el olor del escándalo y la censura para promocionar algunos de sus sencillos, como Girls On Film (Duran Duran) o Relax (Frankie Goes to Hollywood).

Decenio de 1990

En los noventa , la música se convirtió en una parte muy importante de la evolución cultural de las audiencias. Los sonidos de moda se estaban volviendo más oscuros y provocativos (R&B, hip-hop y música alternativa) y los videos musicales más populares provenían de artistas como Nirvana, Notorious BIG, Aaliyah, Weezer y Radiohead. Pero a medida que los artistas y géneros más populares cambiaron, sus representaciones visuales y los mensajes entregados a la audiencia siguieron siendo los mismos. No es que los clips creados por, para tomar un ejemplo, los artistas mencionados anteriormente sean todos clips que presentan estereotipos de género (clips como Heart-Shaped Box o Sin sorpresas que no contienen ninguno, por ejemplo), pero algunos otros grupos todavía lo usan. Se llevaron a cabo varios estudios y de ellos se extrajeron las siguientes cifras: el 44,7% de los clips emitidos no logran ofrecer un verdadero papel central femenino y el 31,7% los retrata de manera convencional (es decir, objetos o personas que se apresuran a calentar los sentidos de la mujer). hombres). También se ve que, mientras que los hombres están distribuidos uniformemente en los 7 retratos clave del videoclip (artista, impostor, cómic, actor, sobrehumano, bailarín o chófer), las mujeres suelen ser bailarinas o sillones.

En 1991, el segmento de baile del video musical Black and White de Michael Jackson se cortó porque se puede ver a Jackson tocándose a sí mismo "inapropiadamente". Su video más controvertido, They Don't Care About Us, fue prohibido en MTV, VH1 y la BBC debido a supuestas publicaciones y visuales antisemitas de la versión Prison de la canción. Madonna, entonces en auge en ese momento, fue la artista más asociada con la censura en los videos musicales, con controversias que comenzaron con el video musical de Lucky Star y continuaron con Like A Virgin , Papa Don't Preach (el que (refiriéndose al tema de la adolescencia) embarazo) o Like A Prayer (muy criticado por su uso de imágenes religiosas, sexuales y raciales). El clímax se alcanzó en 1990 con el clip de Justify My Love , prohibido en MTV por sus representaciones de sadomasoquismo, homosexualidad, travestismo y sexo grupal.

En 1992, el clip de Ebenezer Goode (The Shamen) fue prohibido por la BBC, que consideró que el clip dispersaba mensajes subliminales que promovían el éxtasis. En 1997, el de Smack My Bitch Up (El prodigio) sufrió la misma suerte por sus representaciones de desnudez y consumo de drogas. Además, no era la primera vez que el trío de techno-punk inglés tenía que enfrentarse a la censura: el clip de su famosa canción Firestarter fue prohibido por la BBC por sus referencias al incendio provocado. Otros clips prohibidos incluyen The Gift (1993) de INXS por su uso de material de archivo del Holocausto y la Guerra del Golfo, así como Prison Sex de Tool (1994) por sus referencias, tanto en el video como en la letra, a abusos menores.

2000

En este momento, la música estaba completamente integrada en la vida cultural de las personas, aunque se crearon pocos géneros nuevos aparte de la música independiente y la música electrónica. Citemos de todos modos el Teen Pop, que ya había tenido una gran influencia en los años 1990 con artistas como Britney Spears, NSYNC o los Backstreet Boys, o el R&B contemporáneo con artistas como Usher. Según un estudio de 2008 de Jacob Turner concluyó que los géneros musicales más "reservados" para los afroamericanos (hip-hop, R&B) tenían el contenido más sexual en sus videos musicales, a diferencia de los géneros más "reservados" para los blancos (country, rock). El 73% de los clips de la época tienen contenido sexual de cualquier forma, el 90,09% de los clips de hip-hop y R&B lo tienen explícitamente. Si los análisis se limitan a clips estrictamente de hip-hop, el número cae al 79,7% y al 76,9% para los clips estrictamente de R&B. En comparación, los videos de rock tienen contenido sexual el 40% del tiempo y los videos country lo tienen el 37% del tiempo. Estos análisis también demuestran que en los clips, los personajes afroamericanos visten de manera más provocativa que los personajes blancos y que los afroamericanos ya no estaban infrarrepresentados en los clips, con el estudio de Turner emitiendo la hipótesis de contenido sexual muy presente en el videos en los que aparecen.

En 2000, el video de Rock DJ ( Robbie Williams ) fue objeto de controversia debido a su naturaleza muy gráfica: muestra a Williams desnudándose por completo y luego literalmente quitándose la piel, revelando carne ensangrentada, antes de desgarrar sus músculos y órganos hasta que no quedó nada que un esqueleto empapado de sangre. El clip fue censurado en canales en inglés durante el día y no será transmitido en su versión original hasta las 10 p.m. Se prohibió su transmisión en República Dominicana, luego de acusaciones de satanismo. En 2001, fue el turno de Björk de enfrentarse a la censura; Sus dos sencillos sucesivos, Pagan Poetry y Cocoon , fueron prohibidos en MTV: el primero por sus representaciones de sexo, mamadas y piercings y el segundo porque presenta a la cantante aparentemente completamente desnuda (resulta que, de hecho, estaba vestida con un traje de baño). camiseta con cordón rojo). En 2002, el video de All the Things She Said del dúo ruso tATu fue a su vez atrapado en el torbellino de la controversia: mostrando a Lena Katina y Yulia Volkova abrazándose y besándose, fue objeto de campañas para presionar por el destierro. , en particular el realizado por Richard y Judy, presentadores de televisión inglesa, quienes afirmaron que este clip halagó los bajos instintos de los pedófilos con este beso así como con el uso de uniformes escolares para niñas. La campaña fracasó y, aprovechando la polémica, el famoso beso fue coreografiado cada vez que tATu interpretó la canción. Varios programas, como Top of the Pops y The Tonight Show con Jay Leno , censuraron el pasaje ofensivo. En respuesta, los dos músicos aparecieron en una gira promocional con camisetas con la palabra "censurado" escrita en ellas.

En 2004, el video musical de This Love ( Maroon 5 ) se volvió controvertido debido a las escenas íntimas entre el cantante Adam Levine y su entonces novia. Estas escenas tomadas desde ángulos estratégicos, se transmitió una versión censurada con flores animadas por computadora que ocultaban lo que podría ser impactante. El clip (s) de AINT ( Marilyn Manson ) también fue prohibido, esta vez por la etiqueta del artista, debido a su contenido violento y sexual. En 2005, Just Lose It (Eminem) fue excluido del canal BET, debido a las referencias a la demanda del mismo año “  People v. Jackson  ”(donde Michael Jackson fue juzgado por comportamiento inapropiado en un menor), pero también a la cirugía estética del artista y al incidente de Pepsi (durante el rodaje de un comercial de Pepsi, su cabello se incendió). El propio Jackson consideró que el video era "inapropiado e irrespetuoso para mí, mis hijos, mi familia y la comunidad en general" . También en 2004-2005, las autoridades egipcias prohibieron en las filiales del país veinte clips considerados contrarios a los valores morales de la religión musulmana y en Estados Unidos, asociaciones familiares y políticos llevaron a cabo una campaña de cabildeo para obtener la prohibición de la religión musulmana. video de Call On Me (Eric Prydz), pero falló. En 2005, la cantante Jessica Simpson generó controversia al lavar un auto en bikini en su video musical These Boots Are Made for Walkin ' . En 2008, se presentaron cargos de racismo y violencia contra el dúo francés Justice , luego del lanzamiento de su video para Stress , que muestra a jóvenes cometiendo delitos en las calles de París, siendo los jóvenes principalmente de origen norteafricano. Y la música country no es inmune a la censura: I Melt (Rascal Flatts) es un buen ejemplo.

Años 2010

Algunos casos de clips afectados por la censura: Hurricane from Thirty Seconds to Mars , que tuvo que ser editado en versión censurada, o Ride (2010) de Ciara . El teléfono de Lady Gaga (con Beyoncé ) y Alejandro (2010) también experimentaron restricciones. Alejandro fue parcialmente prohibido por la CSA en Francia por las mismas razones que en el clip de Rihanna (ver más abajo). Ya no se podía transmitir durante el día y se requería señalización (-12) después de las 10 p.m. El teléfono fue transmitido en versión corta y censurado durante el día y luego transmitido en versión sin censura después de las 10 p.m.

S & M de Rihanna , lanzado a finales de enero de 2011, que muestra a la cantante tratando de simular sexo con una muñeca de tamaño humano, vestida con un traje de esclavitud y realizando diversas "actividades" tipo BDSM, fue prohibido en once países prohibidos para menores de 18 años. YouTube . En Francia, el Consejo Superior Audiovisual (CSA) había prohibido su transmisión antes de las  22:00 horas, que consideró que el video era "demasiado sexual" para ser transmitido durante el día. A pesar de la señalización de acompañamiento "categoría II", es decir "no recomendado para menores de 10 años", se pidió a los canales de televisión que desprogramaran el clip debido a su vulgaridad. La CSA había intervenido con estas cadenas en mayo de 2011 mientras que el clip se había estado ejecutando desde febrero del mismo año. Desde entonces, los canales lo transmiten sin señalización o con.

Pero el contenido sexual ya no se limita a la heterosexualidad, ya no duda en destacar más a las parejas LGBT: Same Love de Macklemore & Ryan Lewis es un ejemplo perfecto. El clip de Ariana Grande Everyday (2017) fue elogiado por los críticos musicales por su retrato positivo del sexo (el video muestra parejas de todos los géneros y orientaciones sexuales comenzando a tener relaciones sexuales en varios lugares) y la introducción de múltiples orientaciones sexuales. El clip no fue censurado por la CSA, el clip no tenía señalización de advertencia y se emitía durante el día, excepto el canal CStar que lo emitía durante el día pero con señalización (-10).

En 2016, el canal W 9 generó polémica al censurar la frase "Justicia para Adama" en el clip Je suis chez Moi de Black M.

Hacia finales de la década, muchos clips que mostraban rodeos urbanos o los llamados gestos vulgares (como el dedo medio) fueron censurados, difuminando o pixelando la escena en cuestión. Algunas malas palabras incluso se eliminan o se reemplazan con un pitido.

Historia específica de la distribución de videoclips por país

Bélgica

En Bélgica, la transmisión de videoclips se hizo cada vez más regular desde finales de la década de 1970. Al ser Bélgica un país donde la televisión por cable se convirtió en el principal medio de recepción de televisión desde las décadas de 1970 y 1980, la transmisión de videoclips en Bélgica será principalmente en los canales de cable belgas, en la "televisión por cable".

Los canales de televisión pública belga: RTBF1 (La Une) y BRT (VRT), emiten varios programas musicales, algunos de los cuales contienen videoclips.

El canal de televisión privado de Luxemburgo RTL Télévision (Télé Luxembourg), emitido por cable en Bélgica, ofreció varios programas musicales innovadores que emitían videoclips, principalmente de la segunda mitad de la década de 1970. RTL Télévision fue de hecho la primera televisión de Europa en hacer y emitir música videos de muchos artistas, algunos clips a veces incluso serán recogidos por otros canales que pertenecen a otros grupos de TV. Entre los programas que emitieron videoclips en RTL Television en los años setenta y ochenta, destacan: Hit-Parade y Super Juke-Box presentados por André Torrent, Fréquence JLB con el "Hit des Clubs", presentado por Jean-Luc Bertrand, Chewing Rock presentado por Georges Lang y el programa Clip Connection.

También hubo canales de televisión pública de otros países europeos en la distribución por cable, lo que también permitió ver videos musicales como: Top of the Pops en la BBC, el programa holandés TopPop, así como los programas franceses: Studio3 en TF1 , Platine 45 y Les Enfants Du Rock en Antenne 2.

A partir de la década de los noventa, inspirados en el canal de música estadounidense MTV, varios canales musicales temáticos hicieron sus apariciones en Europa. La difusión de videoclips se centralizará cada vez más en canales musicales temáticos, incluida MTV Europe, la versión europea de MTV.

En la década de 1990, los canales de música transmitidos por la televisión por cable belga eran:

Estos serán los principales canales de música en Bélgica hasta finales de la década de 2000.

Francia

En Francia, la emisión de videoclips por televisión se hizo cada vez más regular a partir de finales de la década de 1970, con programas de televisión semanales que emitían videoclips que comenzaron a surgir, como el programa Studio 3 en TF1. Y a partir de 1982, un programa completaría esta clipmania : es Platinum 45 , posicionado en un formato de media hora, emitido los miércoles por la tarde a las 17.30 horas en Antenne 2 (antiguo nombre de France 2), l El espectáculo fue presentado por Jacky y producido por Pat Le Guen . También habrá otros programas como Jackpot en TF1 los miércoles, presentado por Plastic Bertrand, o Clip Jockey los jueves, solo con una voz femenina.

Para alimentar los programas llamados “jóvenes”, otro programa de culto encarnará esta era: Les Enfants du rock , emitido por Antenne 2. Concebido como una agregación de miniprogramas, ha acogido a plumas confirmadas pero también a futuros grandes nombres de la industria, rock y entorno audiovisual, vimos evolucionar por ejemplo a Philippe Maneuver al frente (con Jean-Pierre Dionnet ) de Sex Machine , una mezcla de clips y secuencias humorísticas y traviesas (donde aparecieron por ejemplo Pauline Lafont y Sophie Favier). Allí Bernard Lenoir presentó Rockline , sobre pop inglés y new wave, y Antoine de Caunes trabajó allí en Houba Houba , dedicado entre otras cosas al rock.

En TF1, Alain Maneval entregó Megahertz , que pronto se completará con 22, ¡vl'a l'rock! por Jean-Bernard Hebey . En FR3 (futura Francia 3), Vincent Lamy ofreció L'Écho des Bananes . Estos programas se diseñaron más como rock en general, en formatos de más de una hora y se transmitieron a altas horas de la noche. Los videos musicales fueron su materia prima y su programa fundamental.

Pero uno de los programas emblemáticos que emitió videoclips en los años 80 en Francia fue el programa Top 50 , emitido por Canal + en claro. El programa transmitió los videos musicales según las clasificaciones oficiales de ventas de discos Top 50. Lanzado en 1984, el programa se transmitió todos los días de lunes a viernes y sábados, lo que permite que los clips se vean a la hora. La televisión a diario, y ya no solo semanalmente.

Finalmente, el clip también sirvió como un programa intercalado entre o en las retransmisiones del público en general, llenando incluso los huecos en los horarios diarios de los canales: Jacques Martin mostró algunos de ellos el domingo por la mañana en su programa de actualidad cultural. Michel Denisot colocó algunos clips el domingo en TF1, entre dos actuaciones deportivas. Michel Drucker también ofreció, en los Campos Elíseos el sábado por la noche, el clip exclusivo de la semana. Queríamos música de todas partes, todo el tiempo, sin interrupciones. Antenne 2 terminó, por ejemplo, en la primavera de 1984 cada día con clips de Buenas noches  : clips colocados de punta a punta, sin presentador ni transición explicativa, antes de configurar el objetivo nocturno. A nivel local, los 2 canales privados recibidos localmente: TMC en el sur y RTL Televisión en el noreste, emiten varios videos musicales, TMC retransmite, por ejemplo, fuera de sus propias franjas horarias, los programas de Sky Channel (competidor inglés de MTV) en videos musicales, incluidos los famosos 100 discos más vendidos del Reino Unido y RTL Television transmiten innovadores videoclips musicales.

De la anterior sobredosis de clips difundidos por todas partes, nació una situación diametralmente opuesta y sin precedentes. Ya en 1985, las compañías discográficas solicitaron a los canales de televisión que pagaran por la emisión de clips de sus artistas, considerados como una obra de arte por derecho propio. Al principio, los canales franceses no se inclinaron ante este atrevido dictado, y el clip desapareció gradualmente de las pantallas de televisión para convertirse en una rareza, que solo se muestra en breves extractos o se reemplaza por sesiones de conciertos. Después de casi un año de bloqueo y la casi total desaparición de las emisiones de los buenos tiempos, se estableció algún tipo de acuerdo. Consistía en un compromiso, con distribución gratuita para clips de menos de un año, es decir, para nuevos lanzamientos.

El clip se convirtió entonces en un producto de pura promoción y marketing, mostrado en el lanzamiento de un disco. Sin embargo, otras transmisiones de televisión tomaron el relevo a partir de 1986: Rock Report en Antenne 2 (85-86), luego Rapido en TF1 (desde 86) ambas conducidas por Antoine de Caunes , más basadas en noticias musicales. Incluían clips pero ahora también reportajes, entrevistas, temas sociales, etc.

La segunda mitad de la década de 1980 fue también el período en Francia, cinco años después de la creación de MTV en Estados Unidos, de las primeras experiencias de lanzamiento de canales "100% clips" o casi: con TV6 lanzado en 1986 (reemplazado por M6 en 1987), seguido en 1989 por el nuevo programa musical del canal TMC recibido localmente en el sur de Francia, realizó largas franjas horarias musicales “Monte-Carlo Musique” (MCM Euromusique). En ese momento, Les Enfants du Rock también renació en Antenne 2, con Patrice Blanc-Francard en producción. Más tranquila, esta versión ofrecía principalmente documentales y retratos de artistas, con algunos clips nuevos.

A partir de la década de 1990, inspirado en MTV y su principio de cadena musical, en países donde la televisión terrestre terrestre era el medio dominante de recepción de TV como en Francia, generalmente surgieron dos casos:

En la década de 1990, entre los canales nacionales franceses, fue el canal M6 el que tuvo un tema predominantemente musical (30% de programas musicales por su convención CSA) y que emitió muchos videoclips, con programas como Boulevard des clips , Multitop (que luego se convertirá en la Hit Machine ).

Además, durante la década de los noventa, las suscripciones a la televisión de pago por satélite (Canalsa satellite, TPS) ofrecerán varios canales 100% musicales como: MCM, MTV (Europa) y M6Music.

En la década de 2000, TNT hizo posible la emisión de muchos más canales en la red terrestre, lo que posibilitó la emisión de nuevos canales nacionales de temática musical como el canal W9 y el canal Europe2TV (que luego se convertiría en Virgin 17).

Italia

En Italia, la transmisión de videoclips por televisión se hizo cada vez más regular desde finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, con programas de televisión que mostraban videoclips como el programa "DeeJay Television" primero en Canale 5 y luego en Italia 1.

En Italia, el modo de recepción de televisión dominante fue la televisión terrestre terrestre. Inspirándose en MTV y su principio de cadena musical, en los países donde la televisión terrestre terrestre era el medio dominante de recepción de televisión, generalmente surgieron dos casos:

A mediados de la década de 1980, se lanzó el canal terrestre italiano con un tema predominantemente musical, Videomusic , que luego se llamaría TMC 2 en la década de 1990.

Además, durante la década de los noventa, las suscripciones a la televisión de pago vía satélite ( Telepiù Satellite ) ofrecerán canales de vídeos musicales al 100% como MTV (Europa).

Además de eso, la red de cadenas locales por sindicación "Rete A", comienza a difundir desde 1997 a 2001 la cadena MTV Italia gran parte de los días. MTV Italia se convertirá oficialmente en un canal nacional en 2001, reemplazando el canal TMC 2 y luego en el TNT italiano lanzado en 2003.

En la década de 2000, se lanzó TNT italiano, se transmitieron canales nacionales con un tema musical como MTV Italia y All Music (más tarde se convirtió en Deejay TV).

Reino Unido

En el Reino Unido, la emisión de videoclips en televisión se hizo cada vez más regular desde finales de la década de 1970 al incorporarse al programa de televisión semanal Top of the Pops de la BBC. A partir de la década de 1980, se lanzó otro programa de televisión que transmitía videoclips, fue The Chart Show , transmitido en Channel 4 y luego en ITV, el programa se convertiría en 1998: CD: UK (Count Down: Reino Unido) .

Estos programas de televisión serán las principales transmisiones que mostrarán videoclips en el Reino Unido hasta principios de la década de 2000, siendo el Reino Unido un país donde el modo dominante de recepción de televisión era terrestre.

Además, durante la década de los noventa, las suscripciones a la televisión de pago vía satélite (Sky) ofrecerán canales 100% musicales como: MTV (Europa) y VH1.

En la década de 2000, la británica TNT (TDT Freeview) permitirá la emisión de nuevos canales nacionales de temática musical como el canal The Hits (que más tarde se convertiría en 4Music).

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Apéndices

Bibliografía

Artículos relacionados

enlaces externos