Comic

Una tira cómica (un nombre comúnmente abreviado como tira cómica o tira cómica ) es una forma de expresión artística , a menudo denominada "  noveno arte  ", que utiliza una yuxtaposición de dibujos (u otros tipos de imágenes fijas, pero no solo fotográficas). , articulado en secuencias narrativas y con mayor frecuencia acompañado de textos (narraciones, diálogos, onomatopeyas). Will Eisner , uno de los mayores autores de cómics, lo definió (antes de la aparición de Internet) como "la principal aplicación del arte secuencial al papel".

La historieta puede designar, según el contexto, la forma de expresión, es decir la técnica como tal, pero también el medio que sostiene la historieta (libros de diferentes formas, medio digital). Su origen se atribuye a Rudolph Töpffer el XIX °  siglo . Richard Felton Outcault con The Yellow Kid es también uno de los precursores del género.

En América del Norte, donde se le llama cómics , cómics se hizo popular a principios del XX °  siglo y un desarrollo importante se produjo en la década de 1930 con la aparición del cómic de superhéroes cuya cabeza de puente era Superman , personaje estrenada en 1938 en los tebeos de acción . También fue entre las guerras que Hergé creó Les Aventures de Tintin, que sigue siendo un clásico de los cómics franco-belgas con un estilo llamado de línea clara . En Japón, Osamu Tezuka popularizó los cómics (llamados allí manga ) después de la Segunda Guerra Mundial.

Considerado inicialmente como un subgénero de la literatura, o un arte menor frente a la pintura, y destinado sobre todo a los niños, el cómic ganó legitimidad como tal a partir de los años sesenta. Sus autores exponen, venden tableros originales como pueden hacer otros artistas, se le dedican festivales que atraen a miles de visitantes como el festival internacional del cómic de Angoulême inaugurado en 1974 en Francia y el reconocimiento como arte se otorga tanto por los precios como en el caso del cómic. de Art Spiegelman Maus recibió el premio Pulitzer en 1992 o por exposiciones en museos.

Surgen nuevos géneros, algunos autores afirman o son “categorizados” como pertenecientes a una tira cómica alternativa que explora nuevos modos de narración, nuevos formatos. Están surgiendo editores decididos a dedicarse específicamente a este segmento, dirigidos a una clientela más adulta. Gracias al auge de Internet y la mejora de las herramientas creativas digitales, los autores de cómics están aprovechando este nuevo modo de comunicación, publicando cómics inéditos directamente en forma de blogs o cambiando del papel al webcomic .

Los componentes de una placa

En la pagina

Pequeño Nemo de Winsor McCay (1905).
  1. Grupos
  2. La pegatina (o caja )

En las miniaturas

Detalle.  El pequeño Nemo se cae de la cama y se despierta.
  1. Las burbujas (habla, pensamiento y expresión) o filacterias
  2. El cartucho
  3. la onomatopeya

Definiciones

Si una sola imagen (una ilustración, un dibujo humorístico, etc.) puede ser narrativa, no puede entrar en la tira cómica, ya que “la característica de esta última es la develación progresiva de la historia contada, su distribución en“ Paquetes narrativos ” o “fragmentos de espacio-tiempo” colocados uno tras otro ” . Sin embargo, no basta con yuxtaponer imágenes para crear una historieta: deben mantener ciertas relaciones de significado o temporalidad entre ellas.

Medio de cómic

Si la definición del concepto de tira cómica todavía es compartida por críticos y especialistas en cómics, los entusiastas del cómic no tienen dificultad en definir el medio del cómic en la práctica .

En la práctica, los dos géneros han coexistido con el mismo autor: por razones de formato y calidad de impresión, Marten Toonder se publicó como historia en imágenes tanto en la prensa regional francesa como en el diario. La Croix , pero en tira cómica en Artima . El semanario para jóvenes Cœurs vaillants impuso un doble formato a Hergé durante un tiempo (tira cómica de Tintín en América , cada caja tenía una leyenda subyacente), luego lo abandonó.

El "noveno arte"

Se acostumbra distinguir entre “la” tira cómica y “las” historietas. Francis Lacassin destaca esta distinción . "La 'dibujo animado es el concepto, es decir el arte - el 9 º  " - y la tecnología para la realización de este arte. "Los" cómics son los medios a través de los cuales se transmite este arte. Esto implica dar una doble definición, la del cómic y la del medio del cómic.

Cómics: ¿un “sub-arte”?

Dado que el cómic es un arte, existen dos percepciones principales de este arte. La primera percepción considera el cómic como un arte menor, el cómic es un arte. La otra percepción hace del cómic un arte por derecho propio.

Al igual que la música pop o las novelas de detectives , los cómics tuvieron la mayor dificultad para obtener un reconocimiento real. Considerada inicialmente como una simple herramienta de entretenimiento destinada a la juventud, la historieta tuvo que emanciparse de su condición de cómic para establecer un nuevo medio de expresión artística. Ciertos autores contribuyeron en gran medida a esta emancipación, a este reconocimiento, como Hugo Pratt .

Sin embargo, este sentimiento parece menos fuerte hoy. Así, Vincent Bernière escribió en 2008 que “querer defender los cómics japoneses, o los cómics en general, es una batalla de retaguardia” . Expresa así con confianza su sentimiento de que la época en que el cómic se consideraba un sub-arte ha terminado, aunque algunos como Alain Finkielkraut continúen hablando de él, por desprecio por los libros ilustrados, como un "arte menor" .

Si la historieta es “de” arte, entonces este arte debe estar vinculado a todas las formas pictóricas que lo precedieron. Esta es la posición de Scott McCloud . Esta forma de percibir el cómic hace necesario volver a colocarlo en el gran movimiento artístico y cultural que comienza con los primeros dibujos , los del arte rupestre , como en la cueva de Lascaux , aunque hoy esa conexión sea artificial. Los especialistas a priori coinciden en que no se trata de series de dibujos. Además, queda por demostrar la calidad narrativa de estas pinturas, muchos arqueólogos, como el profesor Norbert Aujoulat , responsable del sitio, se inclinan por una interpretación chamánica (los dibujos tendrían una función "mágica".

Por tanto, no hay razón para relacionar las pinturas rupestres con el cómic y no con otras artes gráficas de la misma manera que los bajorrelieves de los templos egipcios, los códices precolombinos y la Biblia pauperum de finales de la Edad Media . El filósofo y misionero catalán Ramón Llull ejecutan al XIV °  historias siglo en imágenes yuxtapuestas que representan sus aventuras sobre todo en los países musulmanes. Las secuencias de imágenes se dialogan mediante bocadillos. En la tradición catalana, las aucas eran una serie de imágenes, acompañadas de textos rimados que contaban una historia. A esta lista hay que añadir también: el Tapiz de Bayeux , el Rollo de Josée de la biblioteca del Vaticano y los 182 collages de Max Ernst Una semana de bondad . Todas estas referencias artísticas tienen en común el deseo de contar una historia como una historieta o los frisos del Partenón de Atenas , la columna de Trajano en Roma , los bajorrelieves del templo de Angkor Wat en Camboya .

“Por tanto, la historia del arte no pudo reconocer en la dimensión narrativa de estas obras el criterio de una disciplina autónoma dentro de las artes visuales. “ Esta visión de gran corriente artística que recorre la historia del arte para dar elogios al cómic es menos comedida desde el resalte del cómic, noveno arte.

En el segundo caso, si el cómic es “un” arte, obviamente es necesario definir en qué es el cómic “un” arte, no basta con afirmarlo. Aquí nuevamente, chocan dos percepciones:

Si la bande dessinée n'est que graphique regroupant texte et dessin, le texte doit s'inscrire obligatoirement sous une forme graphique dans le dessin au sein d'une bulle : selon H. Filippini, « la bande dessinée est une suite de dessins contant una historia ; los personajes se expresan allí a través de textos inscritos en burbujas ” . Esta definición rechaza a los autores de cómics denominados entonces "historias en imágenes" como el francés JP. Pinchon ( Bécassine ), Louis Forton ( Les Pieds nickelés y Bibi Fricotin ), el holandés Marten Toonder ( Tom Pouce ), los estadounidenses Rudolph Dirks ( Katzenjammer Kids  ; en francés Pim Pam Poum ) y Gustave Verbeek ( Upside-Downs  ; en francés Dessus a continuación ). Esta definición también rechaza, quizás menos categóricamente, los cómics sin texto como los del estadounidense Otto Soglow (El pequeño rey  ; en francés Le Petit Roi ) que en 1975 todavía no contenía texto.

Los especialistas del cómic defienden cada vez con menos vigor esta segunda visión restrictiva del cómic, incluso H. Filippini incluye a todos los autores citados anteriormente en su Diccionario del cómic (cf. bibliografía).

Sin embargo, este debate no puede ser el de los especialistas, sería una paradoja con respecto a la popularidad del género… Por ejemplo, “BD” (abreviatura de uso precisamente popular pero poco apreciada por los aficionados ) es ahora considerado como un género dentro del arte contemporáneo, cuando a nivel puramente estético (pero no narrativo) resulta de un proceso artístico; este reconocimiento lleva a los autores a exhibir y vender sus tableros originales, pero este es un enfoque artístico derivado de la historieta considerada como un arte en sí mismo ya que en este caso son solo fragmentos de historietas.

Varias casas de dibujos animados

Esquemáticamente, hay varias áreas y culturas relacionadas con los cómics en todo el mundo:

Según las culturas de cada país en cuanto a cómics, existen varios nombres para el medio o la forma.

En los Estados Unidos :

Muchos países simplemente han traducido "cómic" a su lengua vernácula, como los portugueses hablan de banda desenhada , o usan el término americano cómic . Otros, como los brasileños, utilizan un término más colorido y hablan de historia em quadrinhos (cuento en tablas pequeñas). En Argentina, Chile, Uruguay, el término historieta (historiette) se usa como en España. Los dibujantes jóvenes a menudo prefieren usar el término cómic estadounidense .

Europa Asia

"Anatomía" del objeto y léxico

Los fanáticos acuerdan una serie de palabras y definiciones para describir los diferentes elementos que componen los cómics:

Originalmente, la palabra tablero estaba reservada para el documento original elaborado por el autor. A menudo numera su tablero discretamente en una esquina. La numeración de las planchas casi nunca es idéntica a la numeración de las páginas del álbum en el que aparecen.En la edad de oro de los ilustrados, las aventuras de los héroes del cómic se publicaban en forma de series llamadas "historias para seguir", y luego se editaban en álbumes. Desde la casi desaparición de las revistas de historietas, las historias a veces se publican previamente en todo tipo de medios, revistas, fanzines, semanarios, diarios, etc. antes de editarse en álbumes.

El resto del tiempo, las historias se editan directamente en álbumes, esta práctica tiende a generalizarse. Aunque el formato francés (alto mayor que ancho) es el de la mayoría de álbumes, también hay álbumes con un formato más raro (formato italiano donde el ancho es mayor que el alto, formato cuadrado). Asimismo, el formato suele ser más grande que el de una hoja A4 pero los formatos pequeños o las traducciones de los cómics son más pequeños que el A4. Las ediciones francesas del manga tienen un formato de bolsillo.

Internet: una nueva forma de cómic

El auge de los cómics online ha permitido que este arte emerja del formato clásico. El proceso creativo se ha vuelto más democrático como lo demuestra la producción en sitios web como "grandpapier" y en particular gracias a los programas informáticos gráficos que permiten que cada vez más autores realicen todas las etapas por sí mismos. El modo de edición también puede ser diferente en Internet: las series ahora se publican en sitios que ofrecen suscripciones con nuevas placas de forma semanal, mensual o diaria. Esta forma de proceder, copiada de la emisión de episodios de series de televisión, permite subvencionar la creación al mismo tiempo que se realiza. Por ejemplo, Les Autres Gens , elaborado por una treintena de autores y que, gracias al éxito obtenido en Internet, ha tenido una versión en papel.

Soporte de aplicaciones

La democratización de las tabletas y los teléfonos inteligentes ha permitido que los autores de cómics se hagan cargo.

Operación de suscripción

Si podemos citar las solicitudes de suscripción de las principales editoriales de cómics que son DC con DC Universe, y Marvel con Marvel Unlimited, también hay propuestas de editoriales de manga. Estas plataformas ofrecen acceso ilimitado al catálogo, pero con un tiempo de salida mayor; por ejemplo, en Marvel se necesitan 6 meses adicionales para ver aparecer las obras.

Estas aplicaciones ofrecen una vista de página global, o una vista de toque, es decir, vemos un cuadro por toque. Esto permite la adición de efectos de sonido y el efecto de revelación rompiendo el efecto de "spoiler en la parte inferior de la página". Este mecanismo permite adaptarse a todos los formatos de pantalla, incluidos los más pequeños, que no permitirían una visión precisa de grandes tableros.

Aplicación como cierre de cómic

Han salido muchas propuestas proponiendo una división más cercana al álbum: una solicitud para una tira cómica.

Son muchas las propuestas formales que se alejan de la forma clásica de las tablas, para apropiarse de las posibilidades de los medios táctiles. Así, los rollos ocuparon un buen lugar en la producción. Desplazamos la historia continuamente lo que hace que los elementos aparezcan y / o desaparezcan y permite la activación de efectos de sonido o video. Podemos citar el ejemplo de Phallaina.

Historia

Aparecido en Suiza en la década de 1830 con la publicación de los primeros discos de Rodolphe Töpffer (ver Historia del Sr. Chorrera ), cómics diferenciales durante el XIX °  siglo en el mundo a través de revistas y periódicos satíricos (véase especialmente en Francia la idea fija de El erudito Cosinus de Christophe ). Popularizado a finales de este siglo en los periódicos norteamericanos en forma de tira cómica , el cómic se convierte entonces en un medio de comunicación masivo, bastante diversificado en Estados Unidos , cada vez más restringido al humor y los niños en Europa .

Dominando cada vez más la prensa infantil mundial, a través de revistas especializadas a partir de la década de 1930, el cómic llegaba también a los adolescentes y ciertos adultos, como parte del cómic y tiras de calidad en Estados Unidos , del  formato  " pequeños " en Europa. . Desde la década de 1950, experimentó un tercer gran centro de desarrollo cuando Japón comenzó a crearlo masivamente bajo la influencia de Osamu Tezuka . Los tres focos son entonces relativamente independientes, tanto en las obras publicadas como en las estructuras editoriales, sólo el foco americano penetra en los otros dos .

El género considerado infantil, y vector de violencia entre los jóvenes, incluso ha sido controlado editorialmente por la ley como en Francia con la ley del 16 de julio de 1949 que prohíbe cualquier publicación destinada a los jóvenes "presentando de manera favorable el bandidaje, mentiras , robo, pereza, cobardía, odio, libertinaje o todo acto calificado como delito o delito o susceptible de desmoralizar a la niñez y la juventud ”, y establece“ una comisión encargada de la vigilancia y control de las publicaciones destinadas a la niñez y adolescencia ”. De igual forma en los Estados Unidos al mismo tiempo nacía la Comics Code Authority , que se encargaba de verificar las publicaciones destinadas a los jóvenes. En los años sesenta, junto con el surgimiento de corrientes analíticas como los estudios culturales , el cómic comienza a buscar legitimidad abandonando esta etiqueta de “literatura infantil”, considerada una fase de transición a la literatura para adultos.

Las creaciones de Jean-Claude Forest en Francia, del movimiento gekiga en Japón y del underground americano suscitan numerosos cuestionamientos que permiten la aparición de un primer discurso crítico en Europa y Estados Unidos. En la década de 1970, los experimentos continuaron detrás de Moebius , mientras que el reclamo cada vez más patente de autoría literaria explotó a fines de la década con el éxito del término "  novela gráfica  " de Will Eisner o el concepto de "novelas de cómics" lanzado para promover a Corto. Maltés de Hugo Pratt .

Si bien las series de entretenimiento clásicas aún dominaban los mercados a fines de la década de 2000 , desde la década de los 80 el cómic ha explorado todos los campos que abarca el resto de las artes narrativas, y se ha visto cada vez más legitimado, a pesar de las recurrentes quejas de sus actores sobre la lentitud de este reconocimiento .

Arte y técnica en el cómic

Proceso de creación

Si bien las etapas de la creación de un cómic dependen de los artistas y las obras, se puede mencionar un camino general:

  • sinopsis  : historia o idea original o inspirada en una obra existente (literaria o cinematográfica, por ejemplo).
  • escenario  : tratamiento detallado de la historia. Especifica, tablero por tablero, la división de la acción, la posición de los personajes y presenta los diálogos.
  • Investigación gráfica: El diseñador trabaja en el estilo general. Crea los personajes principales y el entorno en el que operan.
    Si el lugar y el tiempo existen, o han existido, se realiza una búsqueda de material tipográfico e iconográfico. Si el universo de la historia deja la imaginación del autor, la investigación está mucho más orientada al diseño gráfico.
  • maquetación  : elección de puntos de vista, encuadre y disposición de las miniaturas en la hoja.
  •  boceto a lápiz : primer borrador propiamente dicho del dibujo. A partir de este paso, el trabajo se suele realizar en un soporte más grande ( formato A2 ) que el de la hoja impresa ( formato A4 ).
  • entintado  : operación que consiste en pasar con tinta los contornos del boceto a lápiz y las sombras para dar al dibujo una línea definitiva. Finalmente, solo se imprimirá este gráfico. Las decoraciones y los bocadillos también se agregan y colocan durante este paso. No siempre están presentes, o de manera tan sucinta, en el boceto.
    Algunos autores entintan directamente sobre el lápiz, que luego eliminan borrando. Perdiendo así todo rastro de este paso. Otro método consiste en realizar un boceto a lápiz con un lápiz azul inactínico , que no es necesario borrar, no apareciendo la línea celeste en la reproducción fotográfica, o siendo eliminada por los ajustes del escáner. Otros usan una capa transparente colocada encima del dibujo a lápiz. Una última forma es usar una tableta liviana superponiendo el boceto a lápiz con una hoja de papel en blanco y entintando.
  • coloración  : operación que consiste en elegir y aplicar el color a las diferentes zonas delimitadas por las líneas entintadas (personajes, decoraciones, vestimentas), respetando la continuidad de los colores sobre los tableros. El colorista también debe definir las luces y sombras en el diseño. La denominada coloración tradicional se realiza sobre una impresión particular de la plancha, denominada "  azul  ", donde las líneas negras del entintado se imprimen en azul grisáceo claro.
    En el pasado esta tarea se realizaba con acuarela aplicada con pincel y aerógrafo; hoy en día a menudo se hace por computadora. Los colores son cada vez más producidos por profesionales, coloristas y, a veces, por el propio diseñador.
  • color directo  : entintar y colorear se puede hacer en un solo paso, como un pintor.

El campo gráfico es amplio en función de la técnica empleada, que va desde los primeros dibujos grabados a punta seca hasta el uso de la pintura con aerógrafo de ciertos autores como Juan Giménez. Este último método (ahora a menudo incluso reemplazado por gráficos por computadora) permite realizaciones visualmente más cercanas a la foto que al dibujo con la eliminación de la línea.

  • rotulación  : se entinta el texto de los diálogos y comentarios alineándolo en los espacios que se dejan a tal efecto al entintar la pizarra. La operación se repite para cada idioma en el que se publica la historia.

Dependiendo del trabajo y del artista, una misma persona puede hacer todo o parte del trabajo creativo: guión, dibujo, entintado. La mayoría de las veces, el trabajo se comparte entre un guionista y un diseñador. Algunos pasos más específicos, como rotular y colorear, pueden dejarse en manos de especialistas.

Enki Bilal , por ejemplo, es un autor completo . Guionista y diseñador, trabaja en color directo. También tiene la particularidad de dibujar las cajas en hojas separadas, lo que le permite disponerlas a su antojo en la pizarra.

Paralelismo con otras artes

Mientras que el cómic evoca principalmente un arte propio de los pintores, mientras se vende como literatura (o al menos se cuenta como tal en las figuras del sector editorial ), más numerosos son los vínculos entre el cine y el cómic, tanto en la técnica de producción como en la medios artísticos a implementar, que han interpenetrado los dos modos de expresión.

Este es el caso de la escritura y el ritmo de la historia, la realización de los decorados, el uso de los ángulos de tomas (panoramas, inmersiones, inmersiones bajas, primeros planos, tomas americanas, el dibujo solo manteniendo el enfoque. Posibilidad de mostrar al personaje apoyado o caminando en el borde de la pantalla, o incluso dejándolo) los montajes, la iluminación (con herramientas electrónicas de creación o coloración ahora comunes a ambas artes), la limitación del campo visual por la pantalla o la página , Visión 2D, sonido (subjetivo para los cómics aunque algunos autores como Cosey sugieran acompañamientos musicales) con voz en off o atribuidos al actor, elipses, backtracking y otros juegos en la escala temporal… Pero el diseñador es el maestro de sus actores , no necesita presupuesto para miles de extras o sets difíciles, pudiendo rehacer cualquier toma sin límite. Finalmente, el diseñador tiene la libertad de encuadrar (una caja puede ser horizontal, vertical, etc.) cuando se requiere que el cineasta se relacione con la pantalla.

Por el contrario, el cine utiliza la tira cómica en su fase de diseño con lo que se denomina storyboard .

Jugadores del mercado

Editores

Editores franco-belgas

Una clasificación rápida permite distinguir, entre las editoriales de lengua francesa:

Editores estadounidenses

Los más grandes son:

  • Marvel Comics (Vengadores, X-Men, Star Wars, Guardianes de la Galaxia, Spider-Man, Hulk, Capitán América, Iron Man, Thor, Daredevil, Defensores, Pantera Negra, Howard el Pato, Tron, Mago de Oz ... );
  • DC Comics (Batman, Superman, Liga de la Justicia, Linterna Verde, Flash, Mujer Maravilla, Flecha, Cyborg, Aquaman, Shazam, Escuadrón Suicida…);
  • Dark Horse Comics (Hellboy, Avatar, Predator, Alien, Avatar the Last Airbender…);
  • Image Comics (Spawn, The Walking Dead, Street Fighter, Tortugas Ninja mutantes adolescentes…);
  • ¡Auge! Studios (Planet of the Apes, Power Rangers, Hero 2, WWE…);
  • IDW Publishing (Parque Jurásico, Mi Pequeño Pony, Gi-Joe, Star Trek, Doctor Who, Tortugas Ninja mutantes adolescentes, Star Wars Adventures, Transformers, Regreso al futuro…).
Editores japoneses

La profesión de autor de cómics.

Una historieta es producida por un autor que puede hacer de todo de la A a la Z, hablamos de un autor "completo", o por un equipo de autores con al menos un guionista que escribe la historia, un diseñador que la pone. En imagen y, a veces, colorista. Luego, el editor se encarga de la producción real del álbum y su distribución en las librerías.

Los escritores completos se encuentran principalmente en los cómics europeos , mientras que los escritores estadounidenses y asiáticos se organizan con mayor frecuencia en estudios de varias personas con un autor principal y asistentes.

En Francia en 2015 había 1.500 autores en sentido amplio, es decir, guionistas y dibujantes. Las cifras de ventas por álbum son cada vez menos buenas desde la década de 2000: la circulación promedio de un álbum se ha dividido por cinco, la mitad de los autores ganan menos que el salario mínimo .

El salario de un autor de cómics varía en función de su trabajo y las cifras de ventas, pero en promedio un autor francés recibe entre € 150  y € 250  por página .

Las criticas

ACBD y sus publicaciones

El mercado

El mercado francófono

La asociación de críticos y periodistas de cómics (ACBD) publica un informe anual sobre el mercado del cómic de habla francesa.

El mercado francófono en 2012

En 2012, el mercado del cómic de habla francesa vivió una situación paradójica. Durante dieciséis años, el número de publicaciones ha ido creciendo de forma constante hasta alcanzar la cifra de 5.327  libros publicados, de los cuales el 72% eran nuevos (el resto se repartía entre reediciones, libros de arte y ensayos). Esta “buena salud” económica llega después de un período de crisis sufrido por el sector durante los años 1980-1990 pero superado en 2012. Sin embargo, este éxito no es total y solo un centenar de álbumes se benefician de impresiones superiores a 50.000 ejemplares. Asimismo, diez manga supone el 50% de todas las ventas en este sector, con el mercado del manga estabilizándose después de haber crecido durante mucho tiempo. Si a mediados de la década de 2000, la producción de manga constituía la mitad de la producción de cómics, luego disminuyó y en 2010 experimentó una caída de casi el 14% en volumen y el 7,7% en valor y en 2011 una estabilización.

Además, se enumeraron 310 editoriales, pero cuatro publicaron más del 43% de los títulos. Estos grandes grupos se caracterizan por una producción diversificada y un gran catálogo, mientras que las editoriales más pequeñas a menudo se limitan a un nicho ( Panini  : cómics y manga, Bambú  : principalmente humor, la Asociación  : cómic de autor, etc.) y tienen menos rico fondo. Esto no impide grandes éxitos como The Profs editado por Bamboo (120.000 copias) o Los Simpsons editado por Jungle (150.000 copias). Por tanto, la situación era mixta y algunos temían que la sobreproducción amenazara el equilibrio de este mercado.

El mercado francés en 2015

En la revista Caractère , la periodista Isabelle Calvo-Duval analiza el informe anual de 2015 elaborado por Gilles Ratier para la Asociación de Críticos y Periodistas del Cómic (ACBD). El autor analiza que, en la década de los noventa, el sector contaba con unas 800 publicaciones mientras que en la década del 2000, estas ascendían a 1.563  libros publicados. En 2015, 368 editoriales publicaron 5.255 libros, incluido el 35,2% de tres marcas: Média-Participations (Dargaud, Dupuis, Lombard, Kana,  etc. ) con 762 títulos, Delcourt (698 títulos) y Glénat (392 títulos).

En 2015, Francia representó el 50% de las ventas de manga en Europa, mientras que los cómics japoneses tomaron el 40% del mercado en Francia. Durante varios años, este país ha sido el segundo mayor consumidor de manga del mundo, por detrás de Japón hasta el punto de que ciertas editoriales han decidido -un dato único- publicar simultáneamente ciertos volúmenes en ambos idiomas, japonés y francés.

El mercado francés en 2017

En Les Échos en octubre de 2017, los periodistas Michael Mastrangelo y Mélanie Chenouard señalan que "el sector del cómic ha experimentado un crecimiento del 20% en facturación en los últimos 10 años" , lo que en la edición francesa coloca al cómic en la tercera posición (después de literatura general y edición), y esto por primera vez. El 53% de los lectores son mujeres.

Mercado de segunda mano

El mercado del cómic de segunda mano es un mercado dinámico , particularmente en Bélgica, llevado a cabo por los diversos festivales y por las librerías especializadas.

Mercado de ediciones originales y dedicatorias

Las ediciones originales son los álbumes (en número limitado) publicados por primera vez. Cuando el álbum tiene éxito, puede reeditarse muchas veces; los coleccionistas a veces dan un valor muy alto a los álbumes de la edición original. El valor varía según la rareza de la edición original, el estado del álbum y la presencia de una dedicatoria. La caricatura que fue vendido al precio más alto hasta ahora es una copia del primer número de Action Comics , que fue traspasado al precio de 3,207,852  de dólares (alrededor de 2,367,716  euros * ) en eBay la24 de agosto de 2014. Según Les Échos en 2017, el mercado de los cómics de inversión (los tableros originales) "ha despegado desde 2007 - notablemente con la venta de Bilal - y sigue aumentando, con montos a veces estratosféricos"  ; por otro lado, los precios de los objetos están estancados.

Una dedicatoria es un dibujo original realizado por el autor de un cómic y normalmente dedicado a un lector. Esta dedicatoria a menudo se dibuja en una de las páginas en blanco que comienzan o terminan el álbum. Los festivales de historietas suelen incluir la dedicación de muchos puestos; la popularidad de los autores es un factor importante para atraer visitantes. Los libreros también pueden invitar a los autores a firmar. En Francia, las dedicatorias son generalmente gratuitas, pero se pueden adjudicar por sorteo. Algunas personas que revenden su dedicación recién recibida, a veces muy cara, provocan la exasperación de los autores. En los Estados Unidos, las dedicatorias dibujadas corren por cuenta del lector; el autor es así remunerado.

Mercado de tableros originales

El tablero original es el soporte (generalmente en formato A2) sobre el que el autor ha ejecutado su dibujo. Los primeros escritores de cómics dieron poca importancia a estos documentos una vez que se imprimió el álbum. Actualmente, los entusiastas compiten por estas tablas a un precio de oro.

Subastas y calificación del 9 °  arte

Inicialmente sin valor, los tableros originales vieron subir su precio durante los años 90 y 2000. La primera subasta dedicada a los cómics tuvo lugar en 1989. El número de ventas alcanzó en 2015 alrededor de cuarenta al año, lo que convertiría al cómic en uno de los mercados más activos. Algunos autores atraen a la mayoría de los clientes de las casas de subastas, comenzando por Hergé, el creador de la serie Les Aventures de Tintin , quien durante su vida ofreció sus tablas originales, a menudo con dedicación. Este repunte de precios trae piezas que se pensaba habían desaparecido en las salas de subasta.

Ofrecido por Artcurial , un dibujo original del álbum Le Lotus bleu se vendió a principios de octubre de 2015 en Hong Kong por 1,1 millones de euros. Ese mismo mes se vendió una placa doble de Hergé para el disco Le Scepter d'Ottokar por cerca de 1.563 millones de euros. Publicado en Le Petit Vingtième el 6 de julio de 1939, esta placa se estimó entre 600.000 y 800.000 euros. Este tablero doble proviene de un coleccionista belga privado, Jean-Arnold Schoofs. Entre las otras piezas que se ofrecen se encuentran originales de Spirou y Fantasio , Asterix o Blake y Mortimer .

El récord absoluto lo ostentan las portadas azul oscuro de los álbumes de Tintin vendidos por 2,6 millones de euros en 2014. Una portada gouache de Tintin in America también fue subastada por 1,3 millones de euros en 2012. Esta portada es uno de los raros dibujos puestos en color por Hergé.

Las obras de Bilal también se venden por unos 100.000 euros de media. El resto de dibujantes de cómics están lejos de alcanzar estos precios, los cartones de Jean Giraud por ejemplo estaban en unas decenas de miles de euros en 2007.

Lado cómico, el n o  1 de Action Comics , la primera revista dedicada a Superman y cuyas pocas copias quedan disponibles en buen estado, se vendió alrededor de 1,6 millones de euros en diciembre de 2011 pero no a través de una subasta en casa de subastas. En eBay, una copia se vendió por $ 3 millones.

Derivados

Los cómics más famosos inspiran la creación de muchos productos derivados (figuritas, carteles…).

Algunos héroes del cómic también se utilizan en los denominados elementos "con licencia": ropa, material de oficina, personajes o incluso recreaciones de escenas de un cómic exitoso como los personajes de Walt Disney de larga data o, más recientemente, los de Tintin, Asterix y muchos otros.

En instituciones

Museos, archivos, bibliotecas especializados

El cómic, como todo arte maduro, tiene sus instituciones especializadas. Los centros más importantes incluyen:

Exposiciones de autores en museos

Exposiciones individuales

La historieta se está haciendo un lugar como arte por derecho propio, sus autores también exponen en grandes museos antes reservados a otras formas de arte como la pintura o la escultura. Así, Robert Crumb ha expuesto en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris en 2012, pero Enki Bilal en el Louvre en 2013.

El Centro Georges Pompidou ofrecerá en marzo-mayo de 2012 una retrospectiva “  Art Spiegelman  : CO-MIX - una retrospectiva de cómics, gráficos y varios escombros  ”.

Exposiciones temáticas colectivas

Las exposiciones colectivas pueden reflejar un tema social y político. Así, en Le Monde , el columnista de cómics Frédéric Potet apunta " Relatos en primera persona, relatos detallados, reportajes ... Los cómics se han apoderado de la crisis migratoria" . De hecho, en octubre de 2013, el Museo Nacional de Historia de la Inmigración ofreció 500 documentos para estudiar la relación entre el cómic y el “movimiento migratorio”. En junio de 2018, el festival Lyon BD organiza una exposición titulada Refugees para "estudiar " la forma en que el noveno arte aborda la situación de los refugiados que han llegado a Europa en los últimos años con riesgo de vida, y en proporciones nunca visto antes " . El autor cita a varios artistas comprometidos con este tema a través de sus obras, como Zep , Alessandro Tota , Ivan Brun , Joe Sacco ,  etc. En enero de 2017, el Shoah Memorial organiza la exposición Shoah and Comics que presenta, entre otras cosas, la obra de Art Spiegelman. En 2018-2019, el Museo del Louvre organiza una exposición que ilustra “cómo el noveno arte se apropia, entre la realidad y la ficción, de los descubrimientos arqueológicos en el origen de las colecciones del Louvre” .

Universidades

Los cómics se están abriendo camino gradualmente hacia la educación superior. Así, en noviembre de 2015, la Universidad de Lancaster en el noroeste de Inglaterra anunció que Benoît Peeters sería uno de sus profesores invitados para enseñar "la novela gráfica y el arte del cómic" . Este primero en el mundo del cómic muestra que está comenzando a emerger una cierta legitimidad como arte.

Eventos comunitarios

Festivales

Como el cine, el cómic también tiene sus festivales. Estos son generalmente eventos anuales dedicados a los cómics durante uno o más días. Los lectores pueden conocer a autores y editores, asistir a conferencias o visitar una exposición de dibujos o láminas originales .

Conocer a un autor también es una oportunidad para firmar su álbum; por otro lado, el tiempo de espera para obtenerlo varía según la popularidad del autor.

En el mundo de los cómics estadounidenses y asiáticos, el término "  convención " también se utiliza para designar este tipo de reuniones, como las convenciones de anime como el Comic Market . Una de las convenciones estadounidenses más famosas es la Comic-Con que tiene lugar en San Diego y se ha expandido gradualmente más allá de los cómics a otros universos como el cine o los videojuegos.

En Francia, el más importante en cuanto a asistencia es el Festival Internacional de Cómics de Angulema (FIBD) que se creó en 1974 y tradicionalmente se celebra a finales de enero. En Italia, el Festival del Cómic de Lucca, fundado en 1965, es uno de los festivales más antiguos dedicados al género.

Premios y reconocimientos

La mayoría de los premios se entregan anualmente y van acompañados de la presentación de una suma de dinero o un trofeo. Estos premios también pueden recompensar a caricaturistas , caricaturistas o caricaturistas de prensa .

Ocurre que los premios literarios generalistas tienen categorías dedicadas al cómic ( Premio Hugo ), o premian el cómic en el marco de una interpretación amplia de la palabra "literario" como "libro". En el mundo francófono, ningún premio de cómic tiene aura de premio literario, siendo el más conocido el Grand Prix de la ville d'Angoulême , otorgado en el festival de Angoulême desde 1974 a un autor por el conjunto de su obra.

Registros

El cómic es objeto de actuaciones que figuran en el Libro Guinness de los Récords . La tira cómica más larga se produjo en Lyon durante el festival Lyon BD en 2016 a lo largo de 1,6  km, destronando el récord estadounidense anterior de 1,2  km .

En cultura y medios

Comunicación a través de cómics

Los cómics se establecieron rápidamente como un vector eficaz de comunicación para todos los públicos:

  • Glénat concept es la primera agencia de comunicación de historietas (creada en 1984 y dirigida por Roger Brunel )
  • En Bélgica, Cartoonbase se especializa en este campo desde 1997.

Reseñas de cómics, periodismo y crítica

Programas de televisión dedicados a los cómics.

Entre los programas en torno al cómic, podemos citar Tac au Tac en Francia , emitido entre 1969 y 1975 en los canales de la ORTF . Cooperando o enfrentándose entre sí, los invitados se permitieron dibujos improvisados , a menudo colectivos, enmarcados por limitaciones inspiradas en juegos surrealistas como el exquisito cadáver . Participaron numerosos dibujantes como Gotlib , Franquin , Mandryka , Jean Giraud , Claire Bretécher , Hugo Pratt , Uderzo , Morris ...

Otros programas, La Bande à Bédé , sección del programa Récré A2 , emitido el miércoles por la tarde entre 1980 y 1986, así como Un mundo de burbujas que se emitió en el canal parlamentario Public Senate , en el canal 13 de TNT French de 2005 a 2013 Este último, creado por Jean-Pierre Elkabbach y Jean-Philippe Lefèvre, destacó a los autores, guionistas y dibujantes, en forma de reportajes, revelando así detrás de escena, la realización y el proceso de este medio. También descifró los estrenos, citas puntuales vinculadas a esta temática como festivales y en ocasiones retransmitió trailers de películas basadas en este medio.

Del cómic al cine

Las industrias del cómic y del cine nacieron al mismo tiempo y tienen muchas características en común (la secuencia, la narración, las tomas). Los puentes vincularon naturalmente estos dos medios. Durante mucho tiempo, las adaptaciones de cómics en el cine (o en series de televisión) fueron producciones de bajo presupuesto y sin grandes ambiciones artísticas (con algunas excepciones, como Barbarella ): Lucky Luke , Gros Dégueulasse , Fais gaffe à la gaffe ( Gaston Lagaffe ), Spiderman . En Estados Unidos, a principios de la década de 1980 , nacieron películas reales adaptadas de cómics, revisitando los clásicos del cómic: Popeye de Robert Altman , Annie de John Huston , Flash Gordon , Dick Tracy , Superman de Richard Lester , etc.

A finales de la década de 1980 , Tim Burton abrió un nuevo camino con su Batman  : habiendo crecido con los cómics y habiendo seguido los desarrollos recientes en el género ( Frank Miller , Alan Moore ), Burton filma a Batman como un cuento oscuro y dramático. Finalmente, nos tomamos en serio a un superhéroe. El avance de los efectos especiales digitales durante la década de 1990 hizo que los efectos exuberantes que alguna vez imaginaron Stan Lee y Jack Kirby fueran casi creíbles visualmente , lo que resultó en la creación de una gran cantidad de películas inspiradas en los cómics. Libros: Spider-Man de Sam Raimi , la X -Hombres , Daredevil , Catwoman , La Liga de los Caballeros Extraordinarios , El Cuervo , etc.).

Los héroes del cómic francófono como: Asterix , Bécassine y el tesoro vikingo , Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio , Sur la piste du Marsupilami , Titeuf, la película , Boule et Bill , Largo Winch , Les Aventures extraordinaires d 'Adèle Blanc-Sec , Los Pitufos y, más recientemente, Les Profs , se benefician de recursos equivalentes.

Notas y referencias

Notas

  1. Este nombre proviene de la serie de artículos Neuvième Art, museo del cómic publicado bajo la firma de Morris en el Journal de Spirou entre 1964 y 1967 (el primer número data del 17 de diciembre de 1964, número especial de Navidad, no. O  1392) . Esta clasificación fue retomada y popularizada por Francis Lacassin en su libro Pour un noveno arte, tira cómica . Sin embargo, la paternidad de la expresión es reivindicada por el crítico e historiador de cine Claude Beylie, quien la utilizó por primera vez en marzo de 1964 en la revista Lettres et Médecins (artículo "¿Es el cómic un arte?"). Fuente: Lettres et Médecins , suplemento literario de La Vie Médicale , número de marzo de 1964.

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Ver también

Bibliografía

Artículos relacionados

enlaces externos