| Artista | Jean Fautrier |
|---|---|
| Con fecha de | 1945 |
| Técnico | Petróleo |
| Dimensiones (Al x An) | 35 × 27 cm |
| Colección | Museo Nacional de Arte Moderno |
| N o Inventario | AM 2001-35 |
| Localización | Museo Nacional de Arte Moderno , París |
Hostage Head, 1945 es un óleo sobre papel montado sobre lienzo de Jean Fautrier que forma parte de una serie de pinturas expuestas en 1945 durante la exposición "Los rehenes: pinturas y esculturas de Jean Fautrier". Se conserva en Colonia en una colección privada.
De 26 de octubre a 17 de noviembre de 1945, Jean Fautrier expone “Les Otages: pinturas y esculturas de Jean Fautrier” en la galería Drouin de París . Esta exposición incluye 46 pinturas y tres esculturas . Se sitúa en el contexto de la posguerra . La obra de Fautrier se inició a finales de 1943 o principios de 1944, período en el que estuvo retenido por la Gestapo , y los rehenes que representaba en sus pinturas se inspiraban en los de una fosa común de los alrededores y fotografías de testigos de aquellos. Disparo.
Las cabezas y cuerpos de los rehenes son muy variados: de perfil, de frente, discernibles o irreconocibles. Tenemos la impresión de enfrentarnos a máscaras bastante grotescas en su sencillez y horribles, con cicatrices, aterradoras. Los rostros, los cuerpos parecen recordarnos la atrocidad y la barbarie de la guerra. Es la primera vez que el público descubre el empaste de Fautrier, como tantas huellas dejadas en el material.
En cuanto a la técnica y el material, Fautrier utiliza papel montado sobre lienzo donde aplica una capa gruesa a base de blanco español y cola. Esta pasta no cubre toda la superficie del soporte pero permite delimitar un campo sobre el que el artista puede aplicar otras capas de pasta. Este último se trabaja con una espátula. También se colocan polvos de colores sobre el yeso y sus alrededores. Se pueden volver a trabajar con un pincel y servir como líneas o contornos.
The Hostage Head, 1945 representa un rostro ovalado en color rosa pastel. Esta cara está rodeada por una línea negra. Está dividido por la mitad por otra línea negra que cruza verticalmente el rostro. A cada lado de esta línea se unen ojos negros en forma de almendra más o menos paralelos. Esta cabeza de rehén tiene una capa de pintura marrón como fondo con algunas manchas negras.
En Tête d'otage, 1945 , podemos encontrar ciertos aspectos del arte informal . De hecho, el fondo marrón dorado nos ofrece cierta libertad. Fautrier parece no tener nada premeditado sino al contrario haberse dejado llevar por sus impulsos. Manchas más oscuras se lanzan aquí y allá al azar, bajo la espontaneidad del artista. Entonces encontramos este arte de la mancha, el accidente, lo inesperado. Esto crea un fondo irregular, donde la pintura parece haber sido mutilada. Esto también se nota en la cara en el centro del lienzo. Es de color rosa pastel, más o menos brillante en algunos lugares. Notamos más aquí las diferentes capas de pintura, donde Fautrier tuvo que dar rienda suelta a sus impulsos con la ayuda de una espátula. Entonces, la obra parece más una pintura en el sentido material; pigmentos mixtos y superposición de capas. No hay espacialidad en este trabajo, sino áreas planas de color.
Jean Dubuffet , tras haber visto la exposición insiste en este hecho: “No vi rehenes en todo esto, no me pareció nada útil mezclar rehenes en todo esto, pero que era una manía para el pintor. " . Además, Fautrier pintó recordando las detonaciones de los cañones que mataron a estos rehenes. Se trata, por tanto, de un acto intuitivo donde la experiencia ha jugado un papel importante.
Incluso se podría pensar que esta obra no tiene un tema real y que sólo importa el ejercicio pictórico. Que de hecho sería un arte formal que cumpliera con todos los requisitos. De hecho, encontramos una realidad y una representación figurativa. Las líneas en el centro de esta obra representan una cabeza humana justificada por la presencia de ojos reconocibles (aunque sean de un número sobrenatural). Además, el tema es el de los rehenes asesinados por la Gestapo. Por tanto, el tema no es olvidado o inexistente a favor de la explotación del material.
Si bien Fautrier es considerado un pionero de este arte informal, él mismo se justifica y duda de este arte puramente informal, rechaza las etiquetas:
“La irrealidad de un informal absoluto no hace nada. Juego gratis. Ninguna forma de arte puede generar emoción si no involucra una parte de la realidad. Por pequeña que sea, tan intangible, esta alusión, este fragmento irreductible es como la clave de la obra. Lo hace legible, ilumina su significado, abre su realidad profunda y esencial a la sensibilidad que es la verdadera inteligencia. "Así expresa que no se descarta cualquier referencia a la realidad. La parte de realidad le parece imprescindible para entender una obra, para darle sentido.
La obra Rehén en general ha sido criticada. Se le critica por asociar un material hermoso con el horror. Esta estetización del horror que reconcilia lo bello y lo feo fue aún más notoria durante la primera exposición de estas pinturas en la galería Drouin en 1945, porque las piezas se alinearon sobre rieles de cuadros negros, enfatizando el efecto de patrón repetitivo de figuras de luz contra un fondo de oscuridad. Esta puesta en escena y la belleza del material pictórico hicieron que Fautrier fuera acusado de inconsistencia al reconciliar la seducción con el horror.
El material magullado representa un rostro sufriente, todos esos ojos abiertos, casi saltones, nos muestran el dolor, el horror. Parece que reconocemos heridas en este asunto atormentado. Este rostro de rehén aquí estudiado, un ejemplo entre otros, es el testimonio de la violencia del hombre contra el hombre. Es una violencia obscena que combina el horror del sujeto con la belleza plástica del material del cuadro. La obscenidad se encuentra en esta paradoja de horror y fascinación, asco y estética.
Jean Paulhan ha defendido repetidas veces la obra de Fautrier contra la acusación de estetizar el horror, especialmente en un texto llamado Fautrier l'Enragé, publicado en 1949. Cuando habla de Têtes d'otages , especifica que el asunto es "opulento" y "magnífico". . Paulhan explica cómo se destaca la paradoja de la belleza plástica y el horror del tema: “Acabamos de conocer una época en la que los hombres de repente se encontraron más convulsionados que los hombres. Una época en la que el hombre vencido se vio acosado por odiosos ogros y gigantes, que no solo lo torturaron, sino que aún lo profanaron. El cuerpo dislocado, el pene torcido, la puñalada en las nalgas, era al mismo tiempo el peor insulto, el más inmundo, y de todos modos el más nuestro: el que menos podía negarse; el que todo en nosotros (desde el momento en que elegimos tener un cuerpo) llamó. Ya no era solo el marchitamiento y la decadencia de alguna manera normal, era la decrepitud causada, precipitada. Finalmente, fue allí donde cada uno de nosotros tuvo que defendernos, resistir, transformar tanta inmundicia y horrores. "
Fautrier usaría pintura, el material sobre todo, para comunicar mejor su angustia, su dolor. Aunque sea atrocidad, son los hombres los que lo han cometido y sin duda esto es lo que más afecta al artista. También podemos preguntarnos si el horror puede adquirir un rostro hermoso. Pintar como materia sería una belleza exterior, mientras que el tema sería en cierto modo este horror escondido bajo lo bello.
Por tanto, no se trata realmente de una estetización del horror, sino más bien de una obra de memoria, en todos los sentidos de la palabra. Al principio sabemos que pintó con el recuerdo de la detonación. En segundo lugar, encontramos aquí un testimonio, un deber de memoria histórica. La destrucción del cuerpo y el sufrimiento de los rostros se hacen eco de la negación del ser humano al que intentan la Gestapo y los nazis. A través de su trabajo sobre los rehenes en general, da testimonio del trauma que experimentó la Gestapo durante la guerra. Transcribe su profunda emoción ante la barbarie a través de este material espeso que aplasta, da vuelta, pero también a través del trabajo de los colores. Lo más interesante es, sin duda, este fondo mixto del que pueden surgir elementos de cuerpos sin forma, y aquí una cabeza trágica. El material, los colores y el dibujo participan en una desfiguración. Transforma estos rostros humanos en los de monstruos, de descomposición.
En 1954 , Fautrier prosiguió esta exploración del material con otras series de pinturas, entre ellas Jefes de partisanos, realizadas en 1956 tras la invasión de Hungría por las tropas soviéticas. El uso de la pintura sigue siendo tan vivo como la materialización de las pulsaciones y el tema también se introduce en la obra.